Tags:



  • Cy­borg Ex­its in the Class­room (Doris Arztmann, Eva Egermann)
    Body-​het­eroglos­sia and crip tools for dirty knowl­edges in art teach­ing Choosing the form of an email-conversation, Doris Arztmann and Eva Egermann discuss their workshop Body-Heteroglossia – u...
  • Crip Ma­te­ri­als as Forms of Un_Uni­ver­si­ty Think­ing (Eva Egermann)
    In 1990, writing about women’s studies, Elizabeth Minnich noted: ‘Invisibility itself teaches something. Students who never hear of a woman philosopher have trouble believing in such a creature.’ ...
  • Pratiques éphémères. Le projet de recherche "The Art Educator's Walk" – Agir et attitude des médiatrices et médiateurs en art contemporain à l’exemple de l’exposition documenta 14 à Kassel (Gila Kolb)
    Comment les médiateurs d'art peuvent-ils créer une situation dans laquelle l'art contemporain peut être médiatisé ? Quelle attitude développent-ils à l'égard de leurs activités de médiation artistique ? Quelles sont les stratégies qu'ils développent ? Lors de l'exposition documenta 14 (2017), dans le cadre du projet de recherche "The Art Educator's Walk - Action and Attitude of Contemporary Art Mediators using the example of the major exhibition documenta 14 in Kassel", 20 "promenades" de 10 "choristes" (médiateurs artistiques de la documenta 14) ont été accompagnées et interviewées sur ces questions. Le projet de recherche a exploré la pratique per se éphémère de la médiation artistique dans les expositions d'art dans le cadre d'un projet de recherche à l'Institut Pratiques et Théories des Arts de la BUA Berne, avec la thèse que la médiation artistique se pratique à partir d'une attitude. Après une argumentation biographique du "milieu", cet article présente d'abord la situation historique de la documenta et de sa médiation. Les concepts et les contextes de l'éducation artistique à la documenta 14, en particulier le désapprentissage, ont constitué le cadre d'action des choristes interviewés et accompagnés. Un aperçu du cadre qualitatif et empirique de l'acquisition de données sous la forme d'une observation participative de la pratique de la médiation artistique avec des groupes de visiteurs de la documenta 14 reflète le contexte de l'acquisition de données. Dans le cadre de trois "expéditions", qui analysent les premières phrases d'une promenade, le dilemme de la connaissance et la médiation de l'art en tant qu'œuvre, le matériel obtenu est présenté et discuté de manière exemplaire.
  • Humus (Christiane Hamacher)
    Nicht übersetzt
  • «Poor images» — À propos des «copies in motion» et des endroits où les trouver (Helena Schmidt)
    La contribution «Poor images» — À propos des «copies in motion» et des endroits où les trouver traite du terme «poor images» (selon Hito Steyerl, 2009) et situe le concept dans la pratique de la médiation artistique contemporaine. Il s’agit de poser un regard critique sur Internet et ses nouveaux phénomènes et pratiques en lien avec l’image. La notion de «poor images» est discutée sous l’angle de son potentiel pour notre pratique de l’image à l’ère post-numérique.
  • Oser peindre: expérimenter et créer avec les couleurs. Comment évaluer le développement de compétences dans l’enseignement artistique? (Ursula Aebersold, Susanne Junger)
    Le Plan d’études 21 pour les écoles alémaniques des cantons suisses formule une nouvelle orientation de l’enseignement des arts. Par rapport à l’ancienne approche axée sur les productions artistiques des élèves, le nouveau Plan d’études accentue davantage le développement des compétences de l’élève dans la discipline enseignée ainsi que ses compétences transversales. En travaillant sur des images du domaine artistique et de la vie quotidienne, les élèves sont sensibilisés aux différentes formes d’expression artistique dans trois domaines de compétences: perception et communication, processus et produits, contextes et orientations. Les élèves apprennent à exprimer leurs conceptions, leurs idées et leurs intentions en images, et à travailler sur les formes de communication visuelle en matière d’expression comme de perception. La compétence visuelle ainsi développée permet aux élèves de s’orienter dans un environnement dominé par les images. Les objectifs formulés par le nouveau Plan d’études dans le domaine artistique sont nombreux et exigeants. La formation initiale et continue du personnel enseignant doit donc inclure les apports théoriques et les aides pédagogiques nécessaires. Notre projet de recherche et développement vise à étoffer l’enseignement pour les 2e et 3e cycles en proposant des unités d’enseignement cumulatives et stimulant l’activité cognitive. Le développement des compétences des élèves est mis en évidence par une évaluation préalable et consécutive du niveau atteint. Les unités d’enseignement sont testées, documentées, analysées et évaluées dans trois classes scolaires. Les situations d’apprentissage se focalisent sur la couleur et la peinture. Le projet porte sur l’évaluation du niveau d’apprentissage, et sur la sensibilisation du corps enseignant aux capacités préexistantes, aux expériences et aux connaissances des élèves, ainsi que sur les possibilités de soutien pédagogique et d’accompagnement pour un développement individuel de compétences. C’est pourquoi le projet fournit des instruments pour l’évaluation du niveau d’apprentissage et du développement des compétences, ainsi que des sources d’inspiration et des aides pédagogiques pour promouvoir le développement des compétences.
  • Humus (Christiane Hamacher)
    Nicht übersetzt
  • From The­o­ry in­to Prac­tice – Re­search and Trans­for­ma­tion (Dolores Smith)
    The research project to which this text refers was based on the challenge to provide conditions for equal access to arts education for children and young people placed at a disadvantage - especiall...
  • Not for the im­pa­tient: (Carmen Mörsch)
    the sketch of a his­to­ry of con­flict­ing ideas and po­lit­i­cal trends in ac­tion re­search The text provides an outline of the history of action research from its beginnings in the 1920s up unti...
  • En­ab­ling ques­ti­ons (Ursula Ulrich)
    The text retraces how studying the theatrical design workshop «role kids» with primary school children from Lucerne turned into a challenging expedition. Ulrich shows how team-based action researc...
  • Revue (Cornelia Dinsleder )
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Apprendre entre le réel et le possible – le projet de développement interdisciplinaire AMAMuG (Lukas Bardill, Sabine Bietenhader)
    AMAMuG est un projet de développement interdisciplinaire et interinstitutionnel qui s’est déroulé du 1er avril 2018 au 1er août 2019. L’acronyme se réfère au titre du projet: «Archäologische Mustergrabung und Archäologisches Museum für Gegenwart» [«Fouillles archéologiques pédagogiques et Musée d’archéologie contemporaine»]. Le projet était dirigé par une enseignante en sciences humaines et sociales, et un enseignant en arts visuels, tous deux chargés de cours à la Haute école pédagogique des Grisons, et qui sont aussi les auteur*es de l’article. Le projet a été développé et mis en œuvre en coopération avec le Service archéologique du canton des Grisons, le service de médiation artistique du Musée rhétique et deux classes du degré primaire. L’objectif était de créer une séquence pédagogique pour le 2e cycle (5e année primaire). La séquence permet aux élèves de découvrir les outils de la pratique archéologique, afin de comprendre comment reconstruire et déconstruire l’histoire de la région. Les objets exposés au Musée d’archéologie contemporaine se rapportent à la vie quotidienne des enfants. Le travail créatif sur des objets apportés par les élèves leur permet d’en accélérer le vieillissement ou la fossilisation, ce qui est le point de départ d’une perception historique et muséale de ces objets. Notre approche interdisciplinaire vise à étudier dans quelle mesure les enfants du degré primaire parviennent à un jugement critique et émancipé des informations qui leur sont proposées, qu’elles soient institutionnelles ou alternatives. Le projet examine donc la capacité des enfants à reconstruire les contextes historiques (objets historiques), à construire des scénarios plausibles (artéfacts) et finalement à déconstruire les différentes dimensions. L’article se conclut par un dialogue entre l’historienne et le pédagogue des arts, à propos des apports générés par la démarche interdisciplinaire du projet AMAMuG pour les disciplines scolaires impliquées.
  • Gestalt et bienformation: Les enfants dessinent des corps spatials (Stefanie Stadler Elmer, Lea Weniger)
    Ce texte présente le cadre théorique de notre étude sur dessiner spatialment dans le contexte de l'école primaire. Nous étudions comment les enfants représentent graphiquement un seul corps spatial. C'est l'un des trois aspects du dessin de la représentation spatiale des enfants. Les autres concernent les relations spatiales entre des objets et l'organisation spatiale globale de l'image. La représentation plate d'un cuboïde sous la forme d'une boîte est un problème de représentation générale pour lequel diverses solutions sont enseignées et pratiquées dans notre culture. Partant d'une épistémologie génétique structurelle, nous nous concentrons sur le processus d'élaboration de solutions par les enfants, sur la façon dont ils emergent dans les études de cas individuelles et vidéographiés – accompagnés par l'enseignant d'une manière adaptative et intuitive. Nous reconstruisons ces processus en détail avec une méthodologie microgénétique. A l'aide d'un exemple, nous montrons empiriquement comment nous appliquons le concept de "bienformation" (Wohlgeformheit) pour décrire l'orientation structurelle vers une "Gestalt" et l'utilisation implicite des systèmes génératifs pour la représentation spatiale.
  • Rehearsing Researching: Re-enactment of a script through collaborative writing (Janina Krepart, Heinrich Lüber , Jules Sturm)
    This article is based on a critical engagement with the practical conditions of teaching and doing research, which are significantly influenced by the respective artistic and theoretical backgrounds of the three authors involved in this project, by the media through which they communicate and (inter)act, and by the artistic, educational and scientific strategies and practices implemented in the work itself. Together the writers try out the experimental practice of re-scription as a mode of research. They bring to bear their individual writing experiences on the situation of co-writing this e-journal article by engaging with concepts from artistic-educational theories, such as becoming research, working from conditions, turning education and chronopolitics. It is an experimental approach to methodological processes, developed by way of pedagogical, artistic, and radical publishing strategies. The making of this article thus becomes part of a time-permitting and probing research process, which aims to infuse future artistic ways of teaching and learning.
  • Assembling sustainable futures – Anticipatory practices and imaginations in art education (Michel Massmünster)
    The future does not just exist. We refer to it through diverse practices, assembling it as an experience in the now. The way we conceive of the future, experience it in the present, and thus also generate it socially, is the result of complex processes of production. However, historical meanings are involved in these processes as well. Based on contemporary practices in art education, I explore powerful configurations of the future in the present: knowledge, material, person and future determine each other interdependently in these processes. Imaginations of future in art education are characterized by the emphasis on their explorative and opening character. Occasionally, especially as regards a universal understanding of sustainability, they also predefine and fixate futures. This eventually leads to a restriction of ways of life in future. Thus, I argue, it is necessary for research and practice, to analyze one’s own involvement in these assembling processes and in the historical meanings associated. In consequence, I propose an understanding of sustainability that is more appropriate to the open, explorative future practices of art education; one which reckons uncertainty and multiplicity, and thereby continuously reinvents itself, reinvents resources, and current as well as future ways of life.
  • À propos de la recherche actuelle en pédagogie artistique en Suisse (Ruth Kunz, Gila Kolb)
    Entretien avec Ruth Kunz, octobre 2019. Le symposium «Le regard professionnalisé» a eu lieu en 2019, peu après la publication du volume du même nom. La revue électronique de la SSPA «Art Education Research» est consacrée à la recherche actuelle en pédagogie de l’art en Suisse, et le premier numéro publie un entretien avec Ruth Kunz. L’entretien revient sur ses longues années de pratique et de recherche, son enseignement et le contexte de la recherche en pédagogie de l’art en Suisse alémanique. Le texte met en lumière le potentiel spécifique de la pédagogie de l’art en matière de recherche. Propos recueillis par Gila Kolb.
  • Learning Lab Arts and Design: Collecte de données en pédagogie de l’art et du design (Dorothée King)
    La Biennale de design d’Istanbul 2018 consistait en six écoles pop-up, dont le cadre général était «le design en tant qu’apprentissage et l’apprentissage en tant que design» . Proclamé dans les arts depuis plus d’une décennie, le phénomène appelé «tournant pédagogique» s’étend ainsi au monde du design. Ce tournant pédagogique dans les arts remet en question l’idée que l’apprentissage serait un transfert de connaissances à sens unique, et qu’il serait la clé du succès dans le cadre d’une société capitaliste. Le tournant pédagogique tend au contraire à faire émerger des méthodes alternatives de pédagogie et d’apprentissage, c’est-à-dire des méthodes ayant des finalités alternatives. Istanbul a été l’occasion de voir l’apprentissage dans le design comme une manière de s’adapter aux multiples changements d’une société en fragmentation (numérique). Mais les débats sur la pédagogie menés par les commissaires d’exposition font-ils vraiment évoluer les cultures d’apprentissage des écoles d’art et de design? L’apprentissage de l’art et du design ne serait-il pas plutôt en évolution permanente, reflétant le changement plus général des cadres politiques et culturels? Faudrait-il tenter une réorientation totale par désapprentissage, comme le propose l’institution Haus der Kulturen der Welt? Dans cet article, j’entends présenter une autre approche. En 2019, le plus grand défi pour les enseignant*es comme pour les apprenant*es est de savoir comment gérer l’accumulation des connaissances et des méthodes, notamment la croissance rapide des données sur l’apprentissage en art et en design . Dans les écoles d’art et de design, les étudiant*s doivent être préparé*es à aborder les multiples possibilités d’apprentissage comme des ensembles de données. Dans le cadre de la nouvelle plateforme «Learning Lab Arts and Design» (LLAD) à l’Institut de pédagogie de l’art et du design de Bâle, je propose une boîte à outils de données, qui est destinée au traitement et à l’enregistrement des différentes pratiques d’apprentissage dans les arts et le design. L’approche que je développe permet des apprentissages qui s’inspirent des cultures passées et futures ainsi que d’autres disciplines des arts et du design. Elle stimule le mélange spontané, l’exploration et le brouillage des pratiques d’apprentissage traditionnelles. Le texte propose une réflexion sur les méthodes d’apprentissage passées et présentes dans les arts et le design, afin de lancer la collecte de données pour la boîte à outils d’apprentissage LLAD. L’histoire est riche en profonds changements et en nouvelles tentatives en matière d’apprentissage. Thierry de Duve, historien d’art de nationalité belge, a étudié l’évolution des cultures d’apprentissage dans les écoles d’art occidentales, qui sont passées de l’imitation à la copie, puis à l’imagination, à la déconstruction et à la simulation . Suivant son exemple, je considère l’échantillonnage de données historiques concernant les méthodes d’apprentissage dans les arts et le design comme une possibilité d’identifier différentes activités d’apprentissage, activités qu’il s’agit de collecter, d’explorer et d’expérimenter au LLAD.
  • Priorités de recherche didactique en pédagogie de l’art au jardin d’enfants. Enquête à l’interface de la discipline scientifique, de l’enseignement et de la méthodologie de recherche en sciences sociales (Dr. des. Anja Morawietz)
    Cet article traite de l’interface entre la discipline scientifique, l’enseignement et la méthodologie de recherche en sciences sociales dans le cadre de la pédagogie de l’art et de la recherche didactique au jardin d’enfants. Le texte présente d’abord les questions qui se posent en pédagogie de l’art au jardin d’enfants. Il passe ensuite aux raisons qui justifient les méthodes scientifiques systématiques ainsi que la recherche esthétique ou artistique en pédagogie de l’art. Une étude intitulée «Dessiner comme opportunité pédagogique au jardin d’enfants. Comment les enfants de 5 à 6 ans réagissent lorsqu’on leur demande de dessiner d’après des objets ou des scènes» démontre l’efficacité des méthodes de recherche qualitatives-empiriques en pédagogie de l’art. Cette étude présente la méthode de la vidéographie qui, dans sa version adaptée, correspond parfaitement aux questions et aux objets esthétiques de la recherche en pédagogie de l’art. L’étude brièvement résumée ici cherche à savoir dans quelle mesure les jeunes enfants s’intéressent au dessin d’après un modèle dans un cadre scolaire. Elle étudie la réaction des enfants aux injonctions didactiques, et identifie les opportunités formatrices qui en découlent. Il apparaît que la vidéographie est parfaitement adaptée à l’observation, à la description et à l’analyse de la pratique créative en milieu scolaire, avec ses modalités d’enseignement, ses processus d’apprentissage et ses méthodes pédagogiques. Les Hautes écoles pédagogiques suisses disposent de connaissances solides dans le domaine des méthodes systématiques en sciences de l’éducation et en sciences sociales. Il serait souhaitable de favoriser les synergies entre les sciences de l’éducation, les sciences sociales et la didactique des différentes disciplines. L’introduction du Joint Master en didactique des arts à la HEP de Zurich offre désormais l’opportunité d’aborder les questions d’enseignement artistique pour tous les niveaux scolaires à l’aide des méthodes de recherche courantes dans le cadre d’un mémoire de Master.
  • trébucher radicalement pour (dés-) apprendre à voir Comment les «séquences de langage» reflètent-elles l’enseignement? (Judit Villiger)
    Le texte traite de questions concernant l’enseignement. Il analyse ce que les étudiant*es observent et pensent concrètement en situation pédagogique réelle, dans leur rôle transitoire peu avant le stage pratique d’enseignement du Master Art Education. Il n’est pas facile d’avoir une perception consciente et une réflexion active sur la pratique d’enseignement. En dehors de toutes les actions qui se déroulent en parallèle en salle de classe, il faut aussi tenir compte du fait que les visiteurs*euses, par leur seule présence, deviennent également des participant*es. Ce qui se passe en classe peut donc être analysé comme un réseau d’actions individuelles impossibles à appréhender intégralement, quel que soit le point d’observation. La méthode «Sprachstücke» («séquences de langage») est une introduction à des situations pratiques d’enseignement. Elle s’appuie sur l’attitude et la sensibilité artistiques acquises par les étudiant*es au cours de leur formation, pour ensuite développer leur capacité d’observation. Cette démarche attire l’attention sur ce qui est considéré comme allant de soi, notamment dans les processus les plus courants. La méthode des «Sprachstücke» invite les étudiant*es à traduire en leurs propres termes ce genre d’observations à la fois quotidiennes et insolites. En fonction de l’intérêt manifesté par les étudiant*es, l’article décrit à titre d’exemple comment une étudiante réagit à l’enseignement en reprenant une «séquence de langage» du T-shirt d’un élève. Les objectifs du projet sont: (a) développer une perception active de l’enseignement, c’est-à-dire apprendre à voir, (b) désapprendre à voir par la réflexion et la révision, (c) afin de rendre ce processus intelligible pour soi-même et pour les autres, et de le transposer dans un univers linguistique au moyen de la sensibilité artistique.
  • Apprendre entre le réel et le possible – le projet de développement interdisciplinaire AMAMuG (Lukas Bardill, Sabine Bietenhader)
    AMAMuG est un projet de développement interdisciplinaire et interinstitutionnel qui s’est déroulé du 1er avril 2018 au 1er août 2019. L’acronyme se réfère au titre du projet: «Archäologische Mustergrabung und Archäologisches Museum für Gegenwart» [«Fouillles archéologiques pédagogiques et Musée d’archéologie contemporaine»]. Le projet était dirigé par une enseignante en sciences humaines et sociales, et un enseignant en arts visuels, tous deux chargés de cours à la Haute école pédagogique des Grisons, et qui sont aussi les auteur*es de l’article. Le projet a été développé et mis en œuvre en coopération avec le Service archéologique du canton des Grisons, le service de médiation artistique du Musée rhétique et deux classes du degré primaire. L’objectif était de créer une séquence pédagogique pour le 2e cycle (5e année primaire). La séquence permet aux élèves de découvrir les outils de la pratique archéologique, afin de comprendre comment reconstruire et déconstruire l’histoire de la région. Les objets exposés au Musée d’archéologie contemporaine se rapportent à la vie quotidienne des enfants. Le travail créatif sur des objets apportés par les élèves leur permet d’en accélérer le vieillissement ou la fossilisation, ce qui est le point de départ d’une perception historique et muséale de ces objets. Notre approche interdisciplinaire vise à étudier dans quelle mesure les enfants du degré primaire parviennent à un jugement critique et émancipé des informations qui leur sont proposées, qu’elles soient institutionnelles ou alternatives. Le projet examine donc la capacité des enfants à reconstruire les contextes historiques (objets historiques), à construire des scénarios plausibles (artéfacts) et finalement à déconstruire les différentes dimensions. L’article se conclut par un dialogue entre l’historienne et le pédagogue des arts, à propos des apports générés par la démarche interdisciplinaire du projet AMAMuG pour les disciplines scolaires impliquées.
  • Déplacements dans l’espace – le "displacement" scolaire en tant que démarche critique (Margot Zanni)
    Comment réfléchir à l’impact implicite des espaces scolaires, tout en participant à l’expérience de la constitution d’un «espace autre»? L’article traite des pratiques de déplacement, de variation ou de glissement dans l’espace. Il aborde en particulier la notion de «displacement» en tant que stratégie donnant à voir les effets des espaces scolaires, en présentant un ensemble hétérogène d’études de cas. Le texte revisite la démarche de Christiane Brohl et son concept de «displacement» comme stratégie artistique et pédagogique. Le cadre théorique de l’hétérotopie proposé par cette auteure est discuté à la lumière d’autres réceptions, pour aboutir à une méthodologie qui est ensuite illustrée à l’aide du séminaire «Lernen am/als/durch Raum» («Apprendre dans/comme/par l’espace»). Cette réflexion méthodologique est complétée par une analyse des infractions aux règles (tricheries) fréquentes en milieu scolaire. En tant que rupture hétérotopique de l’ordre scolaire, la tricherie a servi de modèle pour élaborer l’approche du séminaire. Ce séminaire à l’intention des étudiant*es en pédagogie artistique s’est déroulé dans le cadre d’une utilisation transitoire des salles vides de l’ancienne Villa Bellerive. Le point de départ du processus d’organisation des espaces a été une recherche artistique sur des bâtiments scolaires dont la construction remonte à différentes époques historiques. En transposant de manière situationnelle les résultats de cette recherche au contexte des salles de la villa, il a été possible de faire ressortir et d’analyser une série d’aspects des espaces scolaires, que ce soit sur le mode de l’analogie ou du contraste. Dans la perspective des futures activités d’enseignement des participant*es, il s’agissait de créer l’expérience d’une intervention créative, destinée à contrecarrer dans une certaine mesure l’effet de la standardisation des mises en scènes scolaires.
  • Apprendre entre le réel et le possible – le projet de développement interdisciplinaire AMAMuG (Lukas Bardill, Sabine Bietenhader)
    AMAMuG est un projet de développement interdisciplinaire et interinstitutionnel qui s’est déroulé du 1er avril 2018 au 1er août 2019. L’acronyme se réfère au titre du projet: «Archäologische Mustergrabung und Archäologisches Museum für Gegenwart» [«Fouillles archéologiques pédagogiques et Musée d’archéologie contemporaine»]. Le projet était dirigé par une enseignante en sciences humaines et sociales, et un enseignant en arts visuels, tous deux chargés de cours à la Haute école pédagogique des Grisons, et qui sont aussi les auteur*es de l’article. Le projet a été développé et mis en œuvre en coopération avec le Service archéologique du canton des Grisons, le service de médiation artistique du Musée rhétique et deux classes du degré primaire. L’objectif était de créer une séquence pédagogique pour le 2e cycle (5e année primaire). La séquence permet aux élèves de découvrir les outils de la pratique archéologique, afin de comprendre comment reconstruire et déconstruire l’histoire de la région. Les objets exposés au Musée d’archéologie contemporaine se rapportent à la vie quotidienne des enfants. Le travail créatif sur des objets apportés par les élèves leur permet d’en accélérer le vieillissement ou la fossilisation, ce qui est le point de départ d’une perception historique et muséale de ces objets. Notre approche interdisciplinaire vise à étudier dans quelle mesure les enfants du degré primaire parviennent à un jugement critique et émancipé des informations qui leur sont proposées, qu’elles soient institutionnelles ou alternatives. Le projet examine donc la capacité des enfants à reconstruire les contextes historiques (objets historiques), à construire des scénarios plausibles (artéfacts) et finalement à déconstruire les différentes dimensions. L’article se conclut par un dialogue entre l’historienne et le pédagogue des arts, à propos des apports générés par la démarche interdisciplinaire du projet AMAMuG pour les disciplines scolaires impliquées.
  • Anthologie florale (Jacqueline Baum, Ursula Jakob)
    Notre projet de longue date intitulé Connected in Isolation s’est d’abord concentré sur la pluralité des approches et des représentations des objets de la nature, qui se trouvent détachés de leur c...
  • Learning Lab Arts and Design: Collecte de données en pédagogie de l’art et du design (Dorothée King)
    La Biennale de design d’Istanbul 2018 consistait en six écoles pop-up, dont le cadre général était «le design en tant qu’apprentissage et l’apprentissage en tant que design» . Proclamé dans les arts depuis plus d’une décennie, le phénomène appelé «tournant pédagogique» s’étend ainsi au monde du design. Ce tournant pédagogique dans les arts remet en question l’idée que l’apprentissage serait un transfert de connaissances à sens unique, et qu’il serait la clé du succès dans le cadre d’une société capitaliste. Le tournant pédagogique tend au contraire à faire émerger des méthodes alternatives de pédagogie et d’apprentissage, c’est-à-dire des méthodes ayant des finalités alternatives. Istanbul a été l’occasion de voir l’apprentissage dans le design comme une manière de s’adapter aux multiples changements d’une société en fragmentation (numérique). Mais les débats sur la pédagogie menés par les commissaires d’exposition font-ils vraiment évoluer les cultures d’apprentissage des écoles d’art et de design? L’apprentissage de l’art et du design ne serait-il pas plutôt en évolution permanente, reflétant le changement plus général des cadres politiques et culturels? Faudrait-il tenter une réorientation totale par désapprentissage, comme le propose l’institution Haus der Kulturen der Welt? Dans cet article, j’entends présenter une autre approche. En 2019, le plus grand défi pour les enseignant*es comme pour les apprenant*es est de savoir comment gérer l’accumulation des connaissances et des méthodes, notamment la croissance rapide des données sur l’apprentissage en art et en design . Dans les écoles d’art et de design, les étudiant*s doivent être préparé*es à aborder les multiples possibilités d’apprentissage comme des ensembles de données. Dans le cadre de la nouvelle plateforme «Learning Lab Arts and Design» (LLAD) à l’Institut de pédagogie de l’art et du design de Bâle, je propose une boîte à outils de données, qui est destinée au traitement et à l’enregistrement des différentes pratiques d’apprentissage dans les arts et le design. L’approche que je développe permet des apprentissages qui s’inspirent des cultures passées et futures ainsi que d’autres disciplines des arts et du design. Elle stimule le mélange spontané, l’exploration et le brouillage des pratiques d’apprentissage traditionnelles. Le texte propose une réflexion sur les méthodes d’apprentissage passées et présentes dans les arts et le design, afin de lancer la collecte de données pour la boîte à outils d’apprentissage LLAD. L’histoire est riche en profonds changements et en nouvelles tentatives en matière d’apprentissage. Thierry de Duve, historien d’art de nationalité belge, a étudié l’évolution des cultures d’apprentissage dans les écoles d’art occidentales, qui sont passées de l’imitation à la copie, puis à l’imagination, à la déconstruction et à la simulation . Suivant son exemple, je considère l’échantillonnage de données historiques concernant les méthodes d’apprentissage dans les arts et le design comme une possibilité d’identifier différentes activités d’apprentissage, activités qu’il s’agit de collecter, d’explorer et d’expérimenter au LLAD.
  • Assembling sustainable futures – Anticipatory practices and imaginations in art education (Michel Massmünster)
    The future does not just exist. We refer to it through diverse practices, assembling it as an experience in the now. The way we conceive of the future, experience it in the present, and thus also generate it socially, is the result of complex processes of production. However, historical meanings are involved in these processes as well. Based on contemporary practices in art education, I explore powerful configurations of the future in the present: knowledge, material, person and future determine each other interdependently in these processes. Imaginations of future in art education are characterized by the emphasis on their explorative and opening character. Occasionally, especially as regards a universal understanding of sustainability, they also predefine and fixate futures. This eventually leads to a restriction of ways of life in future. Thus, I argue, it is necessary for research and practice, to analyze one’s own involvement in these assembling processes and in the historical meanings associated. In consequence, I propose an understanding of sustainability that is more appropriate to the open, explorative future practices of art education; one which reckons uncertainty and multiplicity, and thereby continuously reinvents itself, reinvents resources, and current as well as future ways of life.
  • Challenges of a Disciplinary Anchorage – Questions Addressed at Art Education (Anna Schürch, Sophie Vögele)
    The article investigates the contradictions associated with the formation and institutionalization of academic disciplines, and explores the anchoring of art education as a discipline in tertiary education. The text thus pursues an attempt to provide a conceptual framework for the further development of art education and its disciplining in Switzerland. From their different institutional and research positions, the authors negotiate disciplinary and institutional relationships in the writing process itself. Thereby, interdisciplinarity as a characteristic of art education is essential to the undertaking and raises a number of questions: to what extent is a distinction from reference disciplines possible by disciplining art education as interdisciplinary? And how can the dichotomy that to a great extent characterizes the understanding of art education be overcome? What does an inquiring self-understanding entail and how can the lack of a disciplines tradition in this subject be dealt with? How big of a part do institutional structures play and what is the role of self-reflection in the process of stabilization?
  • 3 Questions (Barnaby Drabble)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Learning Lab Arts and Design: Collecte de données en pédagogie de l’art et du design (Dorothée King)
    La Biennale de design d’Istanbul 2018 consistait en six écoles pop-up, dont le cadre général était «le design en tant qu’apprentissage et l’apprentissage en tant que design» . Proclamé dans les arts depuis plus d’une décennie, le phénomène appelé «tournant pédagogique» s’étend ainsi au monde du design. Ce tournant pédagogique dans les arts remet en question l’idée que l’apprentissage serait un transfert de connaissances à sens unique, et qu’il serait la clé du succès dans le cadre d’une société capitaliste. Le tournant pédagogique tend au contraire à faire émerger des méthodes alternatives de pédagogie et d’apprentissage, c’est-à-dire des méthodes ayant des finalités alternatives. Istanbul a été l’occasion de voir l’apprentissage dans le design comme une manière de s’adapter aux multiples changements d’une société en fragmentation (numérique). Mais les débats sur la pédagogie menés par les commissaires d’exposition font-ils vraiment évoluer les cultures d’apprentissage des écoles d’art et de design? L’apprentissage de l’art et du design ne serait-il pas plutôt en évolution permanente, reflétant le changement plus général des cadres politiques et culturels? Faudrait-il tenter une réorientation totale par désapprentissage, comme le propose l’institution Haus der Kulturen der Welt? Dans cet article, j’entends présenter une autre approche. En 2019, le plus grand défi pour les enseignant*es comme pour les apprenant*es est de savoir comment gérer l’accumulation des connaissances et des méthodes, notamment la croissance rapide des données sur l’apprentissage en art et en design . Dans les écoles d’art et de design, les étudiant*s doivent être préparé*es à aborder les multiples possibilités d’apprentissage comme des ensembles de données. Dans le cadre de la nouvelle plateforme «Learning Lab Arts and Design» (LLAD) à l’Institut de pédagogie de l’art et du design de Bâle, je propose une boîte à outils de données, qui est destinée au traitement et à l’enregistrement des différentes pratiques d’apprentissage dans les arts et le design. L’approche que je développe permet des apprentissages qui s’inspirent des cultures passées et futures ainsi que d’autres disciplines des arts et du design. Elle stimule le mélange spontané, l’exploration et le brouillage des pratiques d’apprentissage traditionnelles. Le texte propose une réflexion sur les méthodes d’apprentissage passées et présentes dans les arts et le design, afin de lancer la collecte de données pour la boîte à outils d’apprentissage LLAD. L’histoire est riche en profonds changements et en nouvelles tentatives en matière d’apprentissage. Thierry de Duve, historien d’art de nationalité belge, a étudié l’évolution des cultures d’apprentissage dans les écoles d’art occidentales, qui sont passées de l’imitation à la copie, puis à l’imagination, à la déconstruction et à la simulation . Suivant son exemple, je considère l’échantillonnage de données historiques concernant les méthodes d’apprentissage dans les arts et le design comme une possibilité d’identifier différentes activités d’apprentissage, activités qu’il s’agit de collecter, d’explorer et d’expérimenter au LLAD.
  • Pratiques éphémères. Le projet de recherche "The Art Educator's Walk" – Agir et attitude des médiatrices et médiateurs en art contemporain à l’exemple de l’exposition documenta 14 à Kassel (Gila Kolb)
    Comment les médiateurs d'art peuvent-ils créer une situation dans laquelle l'art contemporain peut être médiatisé ? Quelle attitude développent-ils à l'égard de leurs activités de médiation artistique ? Quelles sont les stratégies qu'ils développent ? Lors de l'exposition documenta 14 (2017), dans le cadre du projet de recherche "The Art Educator's Walk - Action and Attitude of Contemporary Art Mediators using the example of the major exhibition documenta 14 in Kassel", 20 "promenades" de 10 "choristes" (médiateurs artistiques de la documenta 14) ont été accompagnées et interviewées sur ces questions. Le projet de recherche a exploré la pratique per se éphémère de la médiation artistique dans les expositions d'art dans le cadre d'un projet de recherche à l'Institut Pratiques et Théories des Arts de la BUA Berne, avec la thèse que la médiation artistique se pratique à partir d'une attitude. Après une argumentation biographique du "milieu", cet article présente d'abord la situation historique de la documenta et de sa médiation. Les concepts et les contextes de l'éducation artistique à la documenta 14, en particulier le désapprentissage, ont constitué le cadre d'action des choristes interviewés et accompagnés. Un aperçu du cadre qualitatif et empirique de l'acquisition de données sous la forme d'une observation participative de la pratique de la médiation artistique avec des groupes de visiteurs de la documenta 14 reflète le contexte de l'acquisition de données. Dans le cadre de trois "expéditions", qui analysent les premières phrases d'une promenade, le dilemme de la connaissance et la médiation de l'art en tant qu'œuvre, le matériel obtenu est présenté et discuté de manière exemplaire.
  • Rehearsing Researching: Re-enactment of a script through collaborative writing (Janina Krepart, Heinrich Lüber , Jules Sturm)
    This article is based on a critical engagement with the practical conditions of teaching and doing research, which are significantly influenced by the respective artistic and theoretical backgrounds of the three authors involved in this project, by the media through which they communicate and (inter)act, and by the artistic, educational and scientific strategies and practices implemented in the work itself. Together the writers try out the experimental practice of re-scription as a mode of research. They bring to bear their individual writing experiences on the situation of co-writing this e-journal article by engaging with concepts from artistic-educational theories, such as becoming research, working from conditions, turning education and chronopolitics. It is an experimental approach to methodological processes, developed by way of pedagogical, artistic, and radical publishing strategies. The making of this article thus becomes part of a time-permitting and probing research process, which aims to infuse future artistic ways of teaching and learning.
  • Gestalt et bienformation: Les enfants dessinent des corps spatials (Stefanie Stadler Elmer, Lea Weniger)
    Ce texte présente le cadre théorique de notre étude sur dessiner spatialment dans le contexte de l'école primaire. Nous étudions comment les enfants représentent graphiquement un seul corps spatial. C'est l'un des trois aspects du dessin de la représentation spatiale des enfants. Les autres concernent les relations spatiales entre des objets et l'organisation spatiale globale de l'image. La représentation plate d'un cuboïde sous la forme d'une boîte est un problème de représentation générale pour lequel diverses solutions sont enseignées et pratiquées dans notre culture. Partant d'une épistémologie génétique structurelle, nous nous concentrons sur le processus d'élaboration de solutions par les enfants, sur la façon dont ils emergent dans les études de cas individuelles et vidéographiés – accompagnés par l'enseignant d'une manière adaptative et intuitive. Nous reconstruisons ces processus en détail avec une méthodologie microgénétique. A l'aide d'un exemple, nous montrons empiriquement comment nous appliquons le concept de "bienformation" (Wohlgeformheit) pour décrire l'orientation structurelle vers une "Gestalt" et l'utilisation implicite des systèmes génératifs pour la représentation spatiale.
  • Rehearsing Researching: Re-enactment of a script through collaborative writing (Janina Krepart, Heinrich Lüber , Jules Sturm)
    This article is based on a critical engagement with the practical conditions of teaching and doing research, which are significantly influenced by the respective artistic and theoretical backgrounds of the three authors involved in this project, by the media through which they communicate and (inter)act, and by the artistic, educational and scientific strategies and practices implemented in the work itself. Together the writers try out the experimental practice of re-scription as a mode of research. They bring to bear their individual writing experiences on the situation of co-writing this e-journal article by engaging with concepts from artistic-educational theories, such as becoming research, working from conditions, turning education and chronopolitics. It is an experimental approach to methodological processes, developed by way of pedagogical, artistic, and radical publishing strategies. The making of this article thus becomes part of a time-permitting and probing research process, which aims to infuse future artistic ways of teaching and learning.
  • Rehearsing Researching: Re-enactment of a script through collaborative writing (Janina Krepart, Heinrich Lüber , Jules Sturm)
    This article is based on a critical engagement with the practical conditions of teaching and doing research, which are significantly influenced by the respective artistic and theoretical backgrounds of the three authors involved in this project, by the media through which they communicate and (inter)act, and by the artistic, educational and scientific strategies and practices implemented in the work itself. Together the writers try out the experimental practice of re-scription as a mode of research. They bring to bear their individual writing experiences on the situation of co-writing this e-journal article by engaging with concepts from artistic-educational theories, such as becoming research, working from conditions, turning education and chronopolitics. It is an experimental approach to methodological processes, developed by way of pedagogical, artistic, and radical publishing strategies. The making of this article thus becomes part of a time-permitting and probing research process, which aims to infuse future artistic ways of teaching and learning.
  • Apprendre entre le réel et le possible – le projet de développement interdisciplinaire AMAMuG (Lukas Bardill, Sabine Bietenhader)
    AMAMuG est un projet de développement interdisciplinaire et interinstitutionnel qui s’est déroulé du 1er avril 2018 au 1er août 2019. L’acronyme se réfère au titre du projet: «Archäologische Mustergrabung und Archäologisches Museum für Gegenwart» [«Fouillles archéologiques pédagogiques et Musée d’archéologie contemporaine»]. Le projet était dirigé par une enseignante en sciences humaines et sociales, et un enseignant en arts visuels, tous deux chargés de cours à la Haute école pédagogique des Grisons, et qui sont aussi les auteur*es de l’article. Le projet a été développé et mis en œuvre en coopération avec le Service archéologique du canton des Grisons, le service de médiation artistique du Musée rhétique et deux classes du degré primaire. L’objectif était de créer une séquence pédagogique pour le 2e cycle (5e année primaire). La séquence permet aux élèves de découvrir les outils de la pratique archéologique, afin de comprendre comment reconstruire et déconstruire l’histoire de la région. Les objets exposés au Musée d’archéologie contemporaine se rapportent à la vie quotidienne des enfants. Le travail créatif sur des objets apportés par les élèves leur permet d’en accélérer le vieillissement ou la fossilisation, ce qui est le point de départ d’une perception historique et muséale de ces objets. Notre approche interdisciplinaire vise à étudier dans quelle mesure les enfants du degré primaire parviennent à un jugement critique et émancipé des informations qui leur sont proposées, qu’elles soient institutionnelles ou alternatives. Le projet examine donc la capacité des enfants à reconstruire les contextes historiques (objets historiques), à construire des scénarios plausibles (artéfacts) et finalement à déconstruire les différentes dimensions. L’article se conclut par un dialogue entre l’historienne et le pédagogue des arts, à propos des apports générés par la démarche interdisciplinaire du projet AMAMuG pour les disciplines scolaires impliquées.
  • «Poor images» — À propos des «copies in motion» et des endroits où les trouver (Helena Schmidt)
    La contribution «Poor images» — À propos des «copies in motion» et des endroits où les trouver traite du terme «poor images» (selon Hito Steyerl, 2009) et situe le concept dans la pratique de la médiation artistique contemporaine. Il s’agit de poser un regard critique sur Internet et ses nouveaux phénomènes et pratiques en lien avec l’image. La notion de «poor images» est discutée sous l’angle de son potentiel pour notre pratique de l’image à l’ère post-numérique.
  • Oser peindre: expérimenter et créer avec les couleurs. Comment évaluer le développement de compétences dans l’enseignement artistique? (Ursula Aebersold, Susanne Junger)
    Le Plan d’études 21 pour les écoles alémaniques des cantons suisses formule une nouvelle orientation de l’enseignement des arts. Par rapport à l’ancienne approche axée sur les productions artistiques des élèves, le nouveau Plan d’études accentue davantage le développement des compétences de l’élève dans la discipline enseignée ainsi que ses compétences transversales. En travaillant sur des images du domaine artistique et de la vie quotidienne, les élèves sont sensibilisés aux différentes formes d’expression artistique dans trois domaines de compétences: perception et communication, processus et produits, contextes et orientations. Les élèves apprennent à exprimer leurs conceptions, leurs idées et leurs intentions en images, et à travailler sur les formes de communication visuelle en matière d’expression comme de perception. La compétence visuelle ainsi développée permet aux élèves de s’orienter dans un environnement dominé par les images. Les objectifs formulés par le nouveau Plan d’études dans le domaine artistique sont nombreux et exigeants. La formation initiale et continue du personnel enseignant doit donc inclure les apports théoriques et les aides pédagogiques nécessaires. Notre projet de recherche et développement vise à étoffer l’enseignement pour les 2e et 3e cycles en proposant des unités d’enseignement cumulatives et stimulant l’activité cognitive. Le développement des compétences des élèves est mis en évidence par une évaluation préalable et consécutive du niveau atteint. Les unités d’enseignement sont testées, documentées, analysées et évaluées dans trois classes scolaires. Les situations d’apprentissage se focalisent sur la couleur et la peinture. Le projet porte sur l’évaluation du niveau d’apprentissage, et sur la sensibilisation du corps enseignant aux capacités préexistantes, aux expériences et aux connaissances des élèves, ainsi que sur les possibilités de soutien pédagogique et d’accompagnement pour un développement individuel de compétences. C’est pourquoi le projet fournit des instruments pour l’évaluation du niveau d’apprentissage et du développement des compétences, ainsi que des sources d’inspiration et des aides pédagogiques pour promouvoir le développement des compétences.
  • Emergency Remote Art Education? Reflections on a study with students on art- and aesthetic-cultural educational practices in a state of emergency (Miriam Schmidt-Wetzel, Laura Zachmann)
    The article provides an overview of a study being considered an investigation of and with actors in art education and orients itself methodically/methodologically on characteristics of phenomenological case research. Subject of the qualitative-empirical study is the experience of various actors involved in teaching in the field of art education, or in the subject of Bildnerisches Gestalten, in the midst of the global state of emergency triggered by the Covid-19 pandemic in spring 2020. The investigation is based on two assumptions: first, that under the pressure of the first pandemic wave, educational formats developed ad hoc and without sound knowledge of e-didactics in the mode of Emergency Remote Teaching (ERT) (Hodges et al. 2020); secondly, that the understandings and approaches that are evident in the art educational activities of the ERT are important for developing a well-founded Remote Art Education. In-depth insights into the study are provided by excerpts from the first of three sub-studies. It is focused on a group discussion with three bachelor students about their first professional internships in aesthetic-educational and socio-cultural fields under lockdown conditions. Drawing on observations from the sub-study, the article sketches initial findings on forms of ERT specific to art education and sheds light on their potential for teaching concepts expanding into the digital and into the distance. Via critical reflection on the methodological approach in the context of this first sub-study, it further examines the selected approaches in terms of how they deal with the specific challenges of research at a distance and under exceptional circumstances – in the mode, so to speak, of Emergency Remote Art Education Research.
  • Revue (Gitta Bertram)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Ausserschulische gestalterische Förderung: Einen Ausbau wagen! (Nicole Heri)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Learning Lab Arts and Design: Collecte de données en pédagogie de l’art et du design (Dorothée King)
    La Biennale de design d’Istanbul 2018 consistait en six écoles pop-up, dont le cadre général était «le design en tant qu’apprentissage et l’apprentissage en tant que design» . Proclamé dans les arts depuis plus d’une décennie, le phénomène appelé «tournant pédagogique» s’étend ainsi au monde du design. Ce tournant pédagogique dans les arts remet en question l’idée que l’apprentissage serait un transfert de connaissances à sens unique, et qu’il serait la clé du succès dans le cadre d’une société capitaliste. Le tournant pédagogique tend au contraire à faire émerger des méthodes alternatives de pédagogie et d’apprentissage, c’est-à-dire des méthodes ayant des finalités alternatives. Istanbul a été l’occasion de voir l’apprentissage dans le design comme une manière de s’adapter aux multiples changements d’une société en fragmentation (numérique). Mais les débats sur la pédagogie menés par les commissaires d’exposition font-ils vraiment évoluer les cultures d’apprentissage des écoles d’art et de design? L’apprentissage de l’art et du design ne serait-il pas plutôt en évolution permanente, reflétant le changement plus général des cadres politiques et culturels? Faudrait-il tenter une réorientation totale par désapprentissage, comme le propose l’institution Haus der Kulturen der Welt? Dans cet article, j’entends présenter une autre approche. En 2019, le plus grand défi pour les enseignant*es comme pour les apprenant*es est de savoir comment gérer l’accumulation des connaissances et des méthodes, notamment la croissance rapide des données sur l’apprentissage en art et en design . Dans les écoles d’art et de design, les étudiant*s doivent être préparé*es à aborder les multiples possibilités d’apprentissage comme des ensembles de données. Dans le cadre de la nouvelle plateforme «Learning Lab Arts and Design» (LLAD) à l’Institut de pédagogie de l’art et du design de Bâle, je propose une boîte à outils de données, qui est destinée au traitement et à l’enregistrement des différentes pratiques d’apprentissage dans les arts et le design. L’approche que je développe permet des apprentissages qui s’inspirent des cultures passées et futures ainsi que d’autres disciplines des arts et du design. Elle stimule le mélange spontané, l’exploration et le brouillage des pratiques d’apprentissage traditionnelles. Le texte propose une réflexion sur les méthodes d’apprentissage passées et présentes dans les arts et le design, afin de lancer la collecte de données pour la boîte à outils d’apprentissage LLAD. L’histoire est riche en profonds changements et en nouvelles tentatives en matière d’apprentissage. Thierry de Duve, historien d’art de nationalité belge, a étudié l’évolution des cultures d’apprentissage dans les écoles d’art occidentales, qui sont passées de l’imitation à la copie, puis à l’imagination, à la déconstruction et à la simulation . Suivant son exemple, je considère l’échantillonnage de données historiques concernant les méthodes d’apprentissage dans les arts et le design comme une possibilité d’identifier différentes activités d’apprentissage, activités qu’il s’agit de collecter, d’explorer et d’expérimenter au LLAD.
  • Learning Lab Arts and Design: Collecte de données en pédagogie de l’art et du design (Dorothée King)
    La Biennale de design d’Istanbul 2018 consistait en six écoles pop-up, dont le cadre général était «le design en tant qu’apprentissage et l’apprentissage en tant que design» . Proclamé dans les arts depuis plus d’une décennie, le phénomène appelé «tournant pédagogique» s’étend ainsi au monde du design. Ce tournant pédagogique dans les arts remet en question l’idée que l’apprentissage serait un transfert de connaissances à sens unique, et qu’il serait la clé du succès dans le cadre d’une société capitaliste. Le tournant pédagogique tend au contraire à faire émerger des méthodes alternatives de pédagogie et d’apprentissage, c’est-à-dire des méthodes ayant des finalités alternatives. Istanbul a été l’occasion de voir l’apprentissage dans le design comme une manière de s’adapter aux multiples changements d’une société en fragmentation (numérique). Mais les débats sur la pédagogie menés par les commissaires d’exposition font-ils vraiment évoluer les cultures d’apprentissage des écoles d’art et de design? L’apprentissage de l’art et du design ne serait-il pas plutôt en évolution permanente, reflétant le changement plus général des cadres politiques et culturels? Faudrait-il tenter une réorientation totale par désapprentissage, comme le propose l’institution Haus der Kulturen der Welt? Dans cet article, j’entends présenter une autre approche. En 2019, le plus grand défi pour les enseignant*es comme pour les apprenant*es est de savoir comment gérer l’accumulation des connaissances et des méthodes, notamment la croissance rapide des données sur l’apprentissage en art et en design . Dans les écoles d’art et de design, les étudiant*s doivent être préparé*es à aborder les multiples possibilités d’apprentissage comme des ensembles de données. Dans le cadre de la nouvelle plateforme «Learning Lab Arts and Design» (LLAD) à l’Institut de pédagogie de l’art et du design de Bâle, je propose une boîte à outils de données, qui est destinée au traitement et à l’enregistrement des différentes pratiques d’apprentissage dans les arts et le design. L’approche que je développe permet des apprentissages qui s’inspirent des cultures passées et futures ainsi que d’autres disciplines des arts et du design. Elle stimule le mélange spontané, l’exploration et le brouillage des pratiques d’apprentissage traditionnelles. Le texte propose une réflexion sur les méthodes d’apprentissage passées et présentes dans les arts et le design, afin de lancer la collecte de données pour la boîte à outils d’apprentissage LLAD. L’histoire est riche en profonds changements et en nouvelles tentatives en matière d’apprentissage. Thierry de Duve, historien d’art de nationalité belge, a étudié l’évolution des cultures d’apprentissage dans les écoles d’art occidentales, qui sont passées de l’imitation à la copie, puis à l’imagination, à la déconstruction et à la simulation . Suivant son exemple, je considère l’échantillonnage de données historiques concernant les méthodes d’apprentissage dans les arts et le design comme une possibilité d’identifier différentes activités d’apprentissage, activités qu’il s’agit de collecter, d’explorer et d’expérimenter au LLAD.
  • L'idée vient en dessinant (Malin Widén)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Gestalt et bienformation: Les enfants dessinent des corps spatials (Stefanie Stadler Elmer, Lea Weniger)
    Ce texte présente le cadre théorique de notre étude sur dessiner spatialment dans le contexte de l'école primaire. Nous étudions comment les enfants représentent graphiquement un seul corps spatial. C'est l'un des trois aspects du dessin de la représentation spatiale des enfants. Les autres concernent les relations spatiales entre des objets et l'organisation spatiale globale de l'image. La représentation plate d'un cuboïde sous la forme d'une boîte est un problème de représentation générale pour lequel diverses solutions sont enseignées et pratiquées dans notre culture. Partant d'une épistémologie génétique structurelle, nous nous concentrons sur le processus d'élaboration de solutions par les enfants, sur la façon dont ils emergent dans les études de cas individuelles et vidéographiés – accompagnés par l'enseignant d'une manière adaptative et intuitive. Nous reconstruisons ces processus en détail avec une méthodologie microgénétique. A l'aide d'un exemple, nous montrons empiriquement comment nous appliquons le concept de "bienformation" (Wohlgeformheit) pour décrire l'orientation structurelle vers une "Gestalt" et l'utilisation implicite des systèmes génératifs pour la représentation spatiale.
  • Priorités de recherche didactique en pédagogie de l’art au jardin d’enfants. Enquête à l’interface de la discipline scientifique, de l’enseignement et de la méthodologie de recherche en sciences sociales (Dr. des. Anja Morawietz)
    Cet article traite de l’interface entre la discipline scientifique, l’enseignement et la méthodologie de recherche en sciences sociales dans le cadre de la pédagogie de l’art et de la recherche didactique au jardin d’enfants. Le texte présente d’abord les questions qui se posent en pédagogie de l’art au jardin d’enfants. Il passe ensuite aux raisons qui justifient les méthodes scientifiques systématiques ainsi que la recherche esthétique ou artistique en pédagogie de l’art. Une étude intitulée «Dessiner comme opportunité pédagogique au jardin d’enfants. Comment les enfants de 5 à 6 ans réagissent lorsqu’on leur demande de dessiner d’après des objets ou des scènes» démontre l’efficacité des méthodes de recherche qualitatives-empiriques en pédagogie de l’art. Cette étude présente la méthode de la vidéographie qui, dans sa version adaptée, correspond parfaitement aux questions et aux objets esthétiques de la recherche en pédagogie de l’art. L’étude brièvement résumée ici cherche à savoir dans quelle mesure les jeunes enfants s’intéressent au dessin d’après un modèle dans un cadre scolaire. Elle étudie la réaction des enfants aux injonctions didactiques, et identifie les opportunités formatrices qui en découlent. Il apparaît que la vidéographie est parfaitement adaptée à l’observation, à la description et à l’analyse de la pratique créative en milieu scolaire, avec ses modalités d’enseignement, ses processus d’apprentissage et ses méthodes pédagogiques. Les Hautes écoles pédagogiques suisses disposent de connaissances solides dans le domaine des méthodes systématiques en sciences de l’éducation et en sciences sociales. Il serait souhaitable de favoriser les synergies entre les sciences de l’éducation, les sciences sociales et la didactique des différentes disciplines. L’introduction du Joint Master en didactique des arts à la HEP de Zurich offre désormais l’opportunité d’aborder les questions d’enseignement artistique pour tous les niveaux scolaires à l’aide des méthodes de recherche courantes dans le cadre d’un mémoire de Master.
  • DESSINER – PARLER – MONTRER (Nadia Bader)
    L’étude «Dessiner – parler – montrer» s’intéresse à la manière dont les échanges communicatifs influencent la conception et la réalisation du dessin dans le cadre de l’enseignement artistique. Le but de cette étude est une analyse à la fois empirique et ancrée dans la théorie (de la pratique). Elle porte sur les influences et les interactions qui se produisent entre la communication et la création, et les circonstances qui sous-tendent ces interdépendances, dans l’enseignement au sens large et plus particulièrement en pédagogie de l’art. L’étude consiste en une analyse systémique de la pratique de l’enseignement sous l’angle de sa contingence et de sa complexité. Elle s’appuie sur des approches qui mettent en relief le caractère imprévisible, volatil, phatique et vulnérable de l’enseignement et de l’apprentissage (Meyer-Drawe, Pazzini, Sabisch, Schürch/Willenbacher, Wimmer, etc.). Lors d’une leçon au niveau gymnasial consacrée au dessin à partir d’un modèle, les conversations entre enseignent*es et apprenant*es et les processus de dessin ont été enregistrés sur vidéo. Ces enregistrements ont ensuite fait l’objet d’une analyse qualitative et empirique faisant intervenir des méthodes de recherche et de représentation jouant sur la visualisation. Quatre études de cas détaillent des situations d’enseignement et d’apprentissage selon une approche multi-perspectives. L’analyse fait apparaître une conjonction d’influences variées, parfois contradictoires, qui marquent le développement situationnel des processus d’enseignement et d’apprentissage. À la lumière de divers concepts de théorie de la pratique (Reckwitz, Schmidt, Polanyi, Neuweg, etc.), les résultats transversaux et comparatifs sont recoupés avec des positions de pédagogie de l’art et du théâtre axées sur la performativité, l’événement, la corporéité et la matérialité de l’enseignement (Lange, Hentschel, etc.). Le présent article est consacré à deux aspects de l’étude: le lien avec l’étude pilote «Dessiner – parler» (HKB, 2012/13), et le développement des méthodes de recherche vidéo mettant l’accent sur la dimension visuelle.
  • Read across and talk back (Sabine Gebhardt Fink, Nora Landkammer, Anna Schürch)
    A di­a­logue on per­fo­mance the­o­ry and gallery ed­u­ca­tion Based on Judith Butler's definition of the performative act as an action that has to be constantly repeated and socially legitimized, ...
  • Study­ing in Switzer­land with­in the con­text of the Bologna Process (Philippe Saner)
    The article by sociologist Philippe Saner concentrates on the current conditions for studying at Swiss universities. He critically discusses the practices and effects of the so-called «Bologna Proc...
  • Materialien zum Selbststudium (Danja Erni, Nora Landkammer, Anna Schürch, Bernadett Settele)
    Die Materialien zum Selbststudium sind mit dem Ziel konzipiert, eine Diskussions- und Wissensbasis zu den Themen «queer» und «Do it yourself» im Kunstunterricht zur Verfügung zu stellen. Sie beschä...
  • What are we do­ing here? (Claus Melter)
    Re­flec­tions on bar­ri­ers and dis­crim­i­na­tion in ed­u­ca­tion­al in­sti­tu­tions This text is concerned with self-reflexivity in institutions regarding the critique of barriers and discriminat...
  • Teach­ing method­ol­o­gy, re­search-​based: (Michèle Novak, Anna Schürch)
    think­ing about the re­search ap­pren­tice­ship The research apprenticeship serves the lecturers Michèle Novak and Anna Schürch as a means to introduce a format of research-oriented teaching and le...
  • The Liv­ing School (Brandon LaBElle)
    The Living School was held in London from February to June 2016 in collaboration with the South London Gallery and taking place at a range of venues in the city. Focusing on the issues of social ho...
  • Learning Processes about Non-Discriminatory Practices in the Field of Cultural Education  (Aïcha Diallo, Danja Erni)
    Since summer 2016, we have been leading the KontextSchule, a platform for the continuing education of teachers and artists in Berlin. Adopting the viewpoint of those who stand inside and outside o...
  • Cri­an­za Or The Art of Nur­tin­ing – An­dean Cos­mo­vi­sions In Com­mu­ni­ty Ed­u­ca­tion (Alejandro Cevallos, Sofía Olascoaga)
    In this Interview with Alejandro Cevallos and Sofía Olascoaga, Grimaldo Rengifo Vásquez reflects on the trajectory of his work since his essay A propósito de Freire(Nurturance in the Andes, 2001), ...
  • Für­ein­an­der Sor­gen in den An­den: An­mer­kun­gen zu Pau­lo Frei­re (Grimaldo Rengifo)
    In his seminal essay Nurturance in the Andes, Grimaldo Rengifo Vásquez reflects on his early experiences with the use of the Freire literacy program in indigenous communities in northern Peru. He ...
  • Priorités de recherche didactique en pédagogie de l’art au jardin d’enfants. Enquête à l’interface de la discipline scientifique, de l’enseignement et de la méthodologie de recherche en sciences sociales (Dr. des. Anja Morawietz)
    Cet article traite de l’interface entre la discipline scientifique, l’enseignement et la méthodologie de recherche en sciences sociales dans le cadre de la pédagogie de l’art et de la recherche didactique au jardin d’enfants. Le texte présente d’abord les questions qui se posent en pédagogie de l’art au jardin d’enfants. Il passe ensuite aux raisons qui justifient les méthodes scientifiques systématiques ainsi que la recherche esthétique ou artistique en pédagogie de l’art. Une étude intitulée «Dessiner comme opportunité pédagogique au jardin d’enfants. Comment les enfants de 5 à 6 ans réagissent lorsqu’on leur demande de dessiner d’après des objets ou des scènes» démontre l’efficacité des méthodes de recherche qualitatives-empiriques en pédagogie de l’art. Cette étude présente la méthode de la vidéographie qui, dans sa version adaptée, correspond parfaitement aux questions et aux objets esthétiques de la recherche en pédagogie de l’art. L’étude brièvement résumée ici cherche à savoir dans quelle mesure les jeunes enfants s’intéressent au dessin d’après un modèle dans un cadre scolaire. Elle étudie la réaction des enfants aux injonctions didactiques, et identifie les opportunités formatrices qui en découlent. Il apparaît que la vidéographie est parfaitement adaptée à l’observation, à la description et à l’analyse de la pratique créative en milieu scolaire, avec ses modalités d’enseignement, ses processus d’apprentissage et ses méthodes pédagogiques. Les Hautes écoles pédagogiques suisses disposent de connaissances solides dans le domaine des méthodes systématiques en sciences de l’éducation et en sciences sociales. Il serait souhaitable de favoriser les synergies entre les sciences de l’éducation, les sciences sociales et la didactique des différentes disciplines. L’introduction du Joint Master en didactique des arts à la HEP de Zurich offre désormais l’opportunité d’aborder les questions d’enseignement artistique pour tous les niveaux scolaires à l’aide des méthodes de recherche courantes dans le cadre d’un mémoire de Master.
  • Emergency Remote Art Education? Reflections on a study with students on art- and aesthetic-cultural educational practices in a state of emergency (Miriam Schmidt-Wetzel, Laura Zachmann)
    The article provides an overview of a study being considered an investigation of and with actors in art education and orients itself methodically/methodologically on characteristics of phenomenological case research. Subject of the qualitative-empirical study is the experience of various actors involved in teaching in the field of art education, or in the subject of Bildnerisches Gestalten, in the midst of the global state of emergency triggered by the Covid-19 pandemic in spring 2020. The investigation is based on two assumptions: first, that under the pressure of the first pandemic wave, educational formats developed ad hoc and without sound knowledge of e-didactics in the mode of Emergency Remote Teaching (ERT) (Hodges et al. 2020); secondly, that the understandings and approaches that are evident in the art educational activities of the ERT are important for developing a well-founded Remote Art Education. In-depth insights into the study are provided by excerpts from the first of three sub-studies. It is focused on a group discussion with three bachelor students about their first professional internships in aesthetic-educational and socio-cultural fields under lockdown conditions. Drawing on observations from the sub-study, the article sketches initial findings on forms of ERT specific to art education and sheds light on their potential for teaching concepts expanding into the digital and into the distance. Via critical reflection on the methodological approach in the context of this first sub-study, it further examines the selected approaches in terms of how they deal with the specific challenges of research at a distance and under exceptional circumstances – in the mode, so to speak, of Emergency Remote Art Education Research.
  • Gestalt et bienformation: Les enfants dessinent des corps spatials (Stefanie Stadler Elmer, Lea Weniger)
    Ce texte présente le cadre théorique de notre étude sur dessiner spatialment dans le contexte de l'école primaire. Nous étudions comment les enfants représentent graphiquement un seul corps spatial. C'est l'un des trois aspects du dessin de la représentation spatiale des enfants. Les autres concernent les relations spatiales entre des objets et l'organisation spatiale globale de l'image. La représentation plate d'un cuboïde sous la forme d'une boîte est un problème de représentation générale pour lequel diverses solutions sont enseignées et pratiquées dans notre culture. Partant d'une épistémologie génétique structurelle, nous nous concentrons sur le processus d'élaboration de solutions par les enfants, sur la façon dont ils emergent dans les études de cas individuelles et vidéographiés – accompagnés par l'enseignant d'une manière adaptative et intuitive. Nous reconstruisons ces processus en détail avec une méthodologie microgénétique. A l'aide d'un exemple, nous montrons empiriquement comment nous appliquons le concept de "bienformation" (Wohlgeformheit) pour décrire l'orientation structurelle vers une "Gestalt" et l'utilisation implicite des systèmes génératifs pour la représentation spatiale.
  • Gallery ed­u­ca­tion – per­for­mance – the dif­fer­end (Carmen Mörsch, Eva Sturm)
    The paper is based on an introductory talk given at the conference Perfoming the Museum as a Public Sphere at Kunstmuseum Lentos, Linz, in April 2008. It parts from Charles Garoian’s thesis that a...
  • Whether we like it or not (Agnieszka Czejkowska)
    Cul­tur­al ed­u­ca­tion and re­search based on ex­ter­nal fundsUniversities, research and non-profit institutions have their dependence on external funds in common. Agnieszka Czejkowska's article d...
  • Art School with mi­gra­tion back­ground (Catrin Seefranz)
    Pre­lim­i­nary thoughts based on a study of in­equal­i­ty in the field of the art school Based on the results of the project making differences which deals with social injustice in the field of Swi...
  • Aes­thet­ic ed­u­ca­tion and art teach­ing (Paul Mecheril)
    Notes from the per­spec­tive of mi­gra­tion ped­a­gogy Rather than asking about the culture of specific migrant groups, how these cultures can be described and what enables the understanding betwee...
  • Sketch­es on Re­flex­iv­i­ty (Rubia Salgado)
    Learn­ing the hege­mo­ni­al lan­guage in mu­se­ums Based on brief sketches on topics such as dialogue, difference, recognition, knowledge, reciprocity and reflexivity in pedagogical settings, this ...
  • Think­ing Through /Dif­fer­ence/ in Art Ed­u­ca­tion Con­texts (jan jagodzinski)
    Work­ing the Third Space and Be­yond This essay was published in 1999. It explores the difficulty of «difference» within pluriculturalist art education. It explores the dominant liberal humanist ap...
  • Or­dered Bod­ies, em­bod­ied Or­ders – about vi­su­al and lin­guis­tic rep­re­sen­ta­tion­al pat­terns of gallery ed­u­ca­tion (Stephan Fürstenberg)
    In his text, Stephan Fürstenberg focuses on dominant representational forms of the figures art mediator and public. In referencing historical image examples, he works out productions of difference...
  • AUS MIT RAUS (Eva Lausegger)
    or AM I RACIST? The text deals with an intent to deport a student at our school, the protest movement that mobilized against the deportation, and an art project with students from several courses o...
  • «Sich Verze­ich­nen» – with and through dif­fer­ences (Mikki Muhr)
    Build­ing re­la­tions and leav­ing rests in car­togra­phies What enables reflective processes, that can help to view one’s own thoughts and actions in their conditioning frameworks and to criticall...
  • The «work­shop about my­self» (Urs Bachmann, Sandra Lippuner)
    Be­tween af­fir­ma­tion and am­bi­gu­i­ty Who «belongs» and who doesn’t? What do I have to do to belong? What happens if I don’t fit the norm? The «workshop about myself» offers foster children pos...
  • How art schools ex­clude and nor­mal­ize (Philippe Saner)
    Re­flec­tions based on a par­tic­i­pa­tive re­search process Based on experiences in the participative co-research-process of Art.School.Differences, an ongoing research and development project at ...
  • The «Cab­i­net of Bad Taste» by Gus­tav E. Paza­u­rek (Imke Volkers)
    On the occasion of the special exhibition Evil Things. An Encyclopedia of Bad Taste by the Werkbundarchiv – Museum der Dinge this article portrays The Cabinet of Bad Taste of Gustav Pazaurek. It o...
  • Is it Taste that makes the dif­fer­ence? (Dr. Rahel Puffert)
    For­ma­tion of jugde­ments of taste and so­cial in­equal­i­ty in art ed­u­ca­tion To a large extent and contrary to the common individualistic description of judgements on taste, our perceptions ar...
  • Cy­borg Ex­its in the Class­room (Doris Arztmann, Eva Egermann)
    Body-​het­eroglos­sia and crip tools for dirty knowl­edges in art teach­ing Choosing the form of an email-conversation, Doris Arztmann and Eva Egermann discuss their workshop Body-Heteroglossia – u...
  • Not for the im­pa­tient: (Carmen Mörsch)
    the sketch of a his­to­ry of con­flict­ing ideas and po­lit­i­cal trends in ac­tion re­search The text provides an outline of the history of action research from its beginnings in the 1920s up unti...
  • Re­search­ing in and to­wards dif­fer­ences and con­tra­dic­tions: (Marion Thuswald)
    in search of crit­i­cal ap­proach­es to pro­fes­sion­al­is­ing in ped­a­gog­ics There is a lack of socially critical approaches to professionalization in the education of pedagogues and also in the...
  • 3 FRAGEN AN ... Konstanze Schütze (Konstanze Schütze)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Are You Sure? Zoom in (Charlotte Friedli)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Emergency Remote Art Education? Reflections on a study with students on art- and aesthetic-cultural educational practices in a state of emergency (Miriam Schmidt-Wetzel, Laura Zachmann)
    The article provides an overview of a study being considered an investigation of and with actors in art education and orients itself methodically/methodologically on characteristics of phenomenological case research. Subject of the qualitative-empirical study is the experience of various actors involved in teaching in the field of art education, or in the subject of Bildnerisches Gestalten, in the midst of the global state of emergency triggered by the Covid-19 pandemic in spring 2020. The investigation is based on two assumptions: first, that under the pressure of the first pandemic wave, educational formats developed ad hoc and without sound knowledge of e-didactics in the mode of Emergency Remote Teaching (ERT) (Hodges et al. 2020); secondly, that the understandings and approaches that are evident in the art educational activities of the ERT are important for developing a well-founded Remote Art Education. In-depth insights into the study are provided by excerpts from the first of three sub-studies. It is focused on a group discussion with three bachelor students about their first professional internships in aesthetic-educational and socio-cultural fields under lockdown conditions. Drawing on observations from the sub-study, the article sketches initial findings on forms of ERT specific to art education and sheds light on their potential for teaching concepts expanding into the digital and into the distance. Via critical reflection on the methodological approach in the context of this first sub-study, it further examines the selected approaches in terms of how they deal with the specific challenges of research at a distance and under exceptional circumstances – in the mode, so to speak, of Emergency Remote Art Education Research.
  • IT'S ABOUT TIME. Kritische Kunstvermittlung in digitalen Zeiten (Sophie Lingg, Helena Schmidt)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Learning from Wallmapu (Aldir Polymeris )
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Rehearsing Researching: Re-enactment of a script through collaborative writing (Janina Krepart, Heinrich Lüber , Jules Sturm)
    This article is based on a critical engagement with the practical conditions of teaching and doing research, which are significantly influenced by the respective artistic and theoretical backgrounds of the three authors involved in this project, by the media through which they communicate and (inter)act, and by the artistic, educational and scientific strategies and practices implemented in the work itself. Together the writers try out the experimental practice of re-scription as a mode of research. They bring to bear their individual writing experiences on the situation of co-writing this e-journal article by engaging with concepts from artistic-educational theories, such as becoming research, working from conditions, turning education and chronopolitics. It is an experimental approach to methodological processes, developed by way of pedagogical, artistic, and radical publishing strategies. The making of this article thus becomes part of a time-permitting and probing research process, which aims to infuse future artistic ways of teaching and learning.
  • Déplacements dans l’espace – le "displacement" scolaire en tant que démarche critique (Margot Zanni)
    Comment réfléchir à l’impact implicite des espaces scolaires, tout en participant à l’expérience de la constitution d’un «espace autre»? L’article traite des pratiques de déplacement, de variation ou de glissement dans l’espace. Il aborde en particulier la notion de «displacement» en tant que stratégie donnant à voir les effets des espaces scolaires, en présentant un ensemble hétérogène d’études de cas. Le texte revisite la démarche de Christiane Brohl et son concept de «displacement» comme stratégie artistique et pédagogique. Le cadre théorique de l’hétérotopie proposé par cette auteure est discuté à la lumière d’autres réceptions, pour aboutir à une méthodologie qui est ensuite illustrée à l’aide du séminaire «Lernen am/als/durch Raum» («Apprendre dans/comme/par l’espace»). Cette réflexion méthodologique est complétée par une analyse des infractions aux règles (tricheries) fréquentes en milieu scolaire. En tant que rupture hétérotopique de l’ordre scolaire, la tricherie a servi de modèle pour élaborer l’approche du séminaire. Ce séminaire à l’intention des étudiant*es en pédagogie artistique s’est déroulé dans le cadre d’une utilisation transitoire des salles vides de l’ancienne Villa Bellerive. Le point de départ du processus d’organisation des espaces a été une recherche artistique sur des bâtiments scolaires dont la construction remonte à différentes époques historiques. En transposant de manière situationnelle les résultats de cette recherche au contexte des salles de la villa, il a été possible de faire ressortir et d’analyser une série d’aspects des espaces scolaires, que ce soit sur le mode de l’analogie ou du contraste. Dans la perspective des futures activités d’enseignement des participant*es, il s’agissait de créer l’expérience d’une intervention créative, destinée à contrecarrer dans une certaine mesure l’effet de la standardisation des mises en scènes scolaires.
  • Challenges of a Disciplinary Anchorage – Questions Addressed at Art Education (Anna Schürch, Sophie Vögele)
    The article investigates the contradictions associated with the formation and institutionalization of academic disciplines, and explores the anchoring of art education as a discipline in tertiary education. The text thus pursues an attempt to provide a conceptual framework for the further development of art education and its disciplining in Switzerland. From their different institutional and research positions, the authors negotiate disciplinary and institutional relationships in the writing process itself. Thereby, interdisciplinarity as a characteristic of art education is essential to the undertaking and raises a number of questions: to what extent is a distinction from reference disciplines possible by disciplining art education as interdisciplinary? And how can the dichotomy that to a great extent characterizes the understanding of art education be overcome? What does an inquiring self-understanding entail and how can the lack of a disciplines tradition in this subject be dealt with? How big of a part do institutional structures play and what is the role of self-reflection in the process of stabilization?
  • Pratiques éphémères. Le projet de recherche "The Art Educator's Walk" – Agir et attitude des médiatrices et médiateurs en art contemporain à l’exemple de l’exposition documenta 14 à Kassel (Gila Kolb)
    Comment les médiateurs d'art peuvent-ils créer une situation dans laquelle l'art contemporain peut être médiatisé ? Quelle attitude développent-ils à l'égard de leurs activités de médiation artistique ? Quelles sont les stratégies qu'ils développent ? Lors de l'exposition documenta 14 (2017), dans le cadre du projet de recherche "The Art Educator's Walk - Action and Attitude of Contemporary Art Mediators using the example of the major exhibition documenta 14 in Kassel", 20 "promenades" de 10 "choristes" (médiateurs artistiques de la documenta 14) ont été accompagnées et interviewées sur ces questions. Le projet de recherche a exploré la pratique per se éphémère de la médiation artistique dans les expositions d'art dans le cadre d'un projet de recherche à l'Institut Pratiques et Théories des Arts de la BUA Berne, avec la thèse que la médiation artistique se pratique à partir d'une attitude. Après une argumentation biographique du "milieu", cet article présente d'abord la situation historique de la documenta et de sa médiation. Les concepts et les contextes de l'éducation artistique à la documenta 14, en particulier le désapprentissage, ont constitué le cadre d'action des choristes interviewés et accompagnés. Un aperçu du cadre qualitatif et empirique de l'acquisition de données sous la forme d'une observation participative de la pratique de la médiation artistique avec des groupes de visiteurs de la documenta 14 reflète le contexte de l'acquisition de données. Dans le cadre de trois "expéditions", qui analysent les premières phrases d'une promenade, le dilemme de la connaissance et la médiation de l'art en tant qu'œuvre, le matériel obtenu est présenté et discuté de manière exemplaire.
  • Pratiques éphémères. Le projet de recherche "The Art Educator's Walk" – Agir et attitude des médiatrices et médiateurs en art contemporain à l’exemple de l’exposition documenta 14 à Kassel (Gila Kolb)
    Comment les médiateurs d'art peuvent-ils créer une situation dans laquelle l'art contemporain peut être médiatisé ? Quelle attitude développent-ils à l'égard de leurs activités de médiation artistique ? Quelles sont les stratégies qu'ils développent ? Lors de l'exposition documenta 14 (2017), dans le cadre du projet de recherche "The Art Educator's Walk - Action and Attitude of Contemporary Art Mediators using the example of the major exhibition documenta 14 in Kassel", 20 "promenades" de 10 "choristes" (médiateurs artistiques de la documenta 14) ont été accompagnées et interviewées sur ces questions. Le projet de recherche a exploré la pratique per se éphémère de la médiation artistique dans les expositions d'art dans le cadre d'un projet de recherche à l'Institut Pratiques et Théories des Arts de la BUA Berne, avec la thèse que la médiation artistique se pratique à partir d'une attitude. Après une argumentation biographique du "milieu", cet article présente d'abord la situation historique de la documenta et de sa médiation. Les concepts et les contextes de l'éducation artistique à la documenta 14, en particulier le désapprentissage, ont constitué le cadre d'action des choristes interviewés et accompagnés. Un aperçu du cadre qualitatif et empirique de l'acquisition de données sous la forme d'une observation participative de la pratique de la médiation artistique avec des groupes de visiteurs de la documenta 14 reflète le contexte de l'acquisition de données. Dans le cadre de trois "expéditions", qui analysent les premières phrases d'une promenade, le dilemme de la connaissance et la médiation de l'art en tant qu'œuvre, le matériel obtenu est présenté et discuté de manière exemplaire.
  • Materialien zum Selbststudium (Danja Erni, Nora Landkammer, Anna Schürch, Bernadett Settele)
    Die Materialien zum Selbststudium sind mit dem Ziel konzipiert, eine Diskussions- und Wissensbasis zu den Themen «queer» und «Do it yourself» im Kunstunterricht zur Verfügung zu stellen. Sie beschä...
  • Un­writ­ing the Body (Fouad Asfour)
    Based on my lecture at Un_University platform in April 2016, this text is a collection of fragments from an ongoing practice of unwriting the body as deschooling option, drawing on Walter Mignolo’...
  • Cri­an­za Or The Art of Nur­tin­ing – An­dean Cos­mo­vi­sions In Com­mu­ni­ty Ed­u­ca­tion (Alejandro Cevallos, Sofía Olascoaga)
    In this Interview with Alejandro Cevallos and Sofía Olascoaga, Grimaldo Rengifo Vásquez reflects on the trajectory of his work since his essay A propósito de Freire(Nurturance in the Andes, 2001), ...
  • Die Fesseln der Übersetzung – Von der Gewalt, mich erklären zu müssen (Lineo Segoete)
    Lineo Segoete Die Fesseln der Übersetzung –Von der Gewalt, mich erklären zu müssen Mit Beiträgen von Liepollo Moleleki und Zachary Rosen In ihrem Beitrag zur Geschichte der Alphabetisierung und der...
  • Apprendre entre le réel et le possible – le projet de développement interdisciplinaire AMAMuG (Lukas Bardill, Sabine Bietenhader)
    AMAMuG est un projet de développement interdisciplinaire et interinstitutionnel qui s’est déroulé du 1er avril 2018 au 1er août 2019. L’acronyme se réfère au titre du projet: «Archäologische Mustergrabung und Archäologisches Museum für Gegenwart» [«Fouillles archéologiques pédagogiques et Musée d’archéologie contemporaine»]. Le projet était dirigé par une enseignante en sciences humaines et sociales, et un enseignant en arts visuels, tous deux chargés de cours à la Haute école pédagogique des Grisons, et qui sont aussi les auteur*es de l’article. Le projet a été développé et mis en œuvre en coopération avec le Service archéologique du canton des Grisons, le service de médiation artistique du Musée rhétique et deux classes du degré primaire. L’objectif était de créer une séquence pédagogique pour le 2e cycle (5e année primaire). La séquence permet aux élèves de découvrir les outils de la pratique archéologique, afin de comprendre comment reconstruire et déconstruire l’histoire de la région. Les objets exposés au Musée d’archéologie contemporaine se rapportent à la vie quotidienne des enfants. Le travail créatif sur des objets apportés par les élèves leur permet d’en accélérer le vieillissement ou la fossilisation, ce qui est le point de départ d’une perception historique et muséale de ces objets. Notre approche interdisciplinaire vise à étudier dans quelle mesure les enfants du degré primaire parviennent à un jugement critique et émancipé des informations qui leur sont proposées, qu’elles soient institutionnelles ou alternatives. Le projet examine donc la capacité des enfants à reconstruire les contextes historiques (objets historiques), à construire des scénarios plausibles (artéfacts) et finalement à déconstruire les différentes dimensions. L’article se conclut par un dialogue entre l’historienne et le pédagogue des arts, à propos des apports générés par la démarche interdisciplinaire du projet AMAMuG pour les disciplines scolaires impliquées.
  • reise zum :) (Helen Stefanie)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Anthologie florale (Jacqueline Baum, Ursula Jakob)
    Notre projet de longue date intitulé Connected in Isolation s’est d’abord concentré sur la pluralité des approches et des représentations des objets de la nature, qui se trouvent détachés de leur c...
  • Déplacements dans l’espace – le "displacement" scolaire en tant que démarche critique (Margot Zanni)
    Comment réfléchir à l’impact implicite des espaces scolaires, tout en participant à l’expérience de la constitution d’un «espace autre»? L’article traite des pratiques de déplacement, de variation ou de glissement dans l’espace. Il aborde en particulier la notion de «displacement» en tant que stratégie donnant à voir les effets des espaces scolaires, en présentant un ensemble hétérogène d’études de cas. Le texte revisite la démarche de Christiane Brohl et son concept de «displacement» comme stratégie artistique et pédagogique. Le cadre théorique de l’hétérotopie proposé par cette auteure est discuté à la lumière d’autres réceptions, pour aboutir à une méthodologie qui est ensuite illustrée à l’aide du séminaire «Lernen am/als/durch Raum» («Apprendre dans/comme/par l’espace»). Cette réflexion méthodologique est complétée par une analyse des infractions aux règles (tricheries) fréquentes en milieu scolaire. En tant que rupture hétérotopique de l’ordre scolaire, la tricherie a servi de modèle pour élaborer l’approche du séminaire. Ce séminaire à l’intention des étudiant*es en pédagogie artistique s’est déroulé dans le cadre d’une utilisation transitoire des salles vides de l’ancienne Villa Bellerive. Le point de départ du processus d’organisation des espaces a été une recherche artistique sur des bâtiments scolaires dont la construction remonte à différentes époques historiques. En transposant de manière situationnelle les résultats de cette recherche au contexte des salles de la villa, il a été possible de faire ressortir et d’analyser une série d’aspects des espaces scolaires, que ce soit sur le mode de l’analogie ou du contraste. Dans la perspective des futures activités d’enseignement des participant*es, il s’agissait de créer l’expérience d’une intervention créative, destinée à contrecarrer dans une certaine mesure l’effet de la standardisation des mises en scènes scolaires.
  • Un­learn­ing to Re­late (Annette Krauss)
    How to approach processes of unlearning physically, intellectually, and collaboratively? This question has been at the core of my study and practice of unlearning in different constellations at the...
  • Ped­a­gog­i­cal Re­flex­iv­i­ty (Ex­er­cise). (Rubia Salgado)
    In­tro­duc­tion to the ped­a­gog­i­cal lex­i­con of the present Access, access criteria, access options, adults with few formal qualifications, agency, anti-hegemonic knowledge production, certific...
  • (Un-)Learning Ecologies – An exploration of two research-based artistic teaching formats as experimental platforms for ecologically sustainable ways of being and becoming (Janina Krepart, Chantal Küng, Judith Tonner)
    To what extent and by which new and urgent challenges are art educators confronted through current and future effects of the climate crisis? And how can artistic teaching practices contribute to a sense of responsibility, and ultimately to ecologically sustainable practices, in “kulturelle Bildung” and arts education? Motivated by these questions, the authors designed and realized two teaching modules for the Bachelor and Master Art Education (ZHdK) in the academic year 2020–21. The article stages a critical dialogue to discuss the courses’ underlying postulations and to consider potential implications for art education research. The conceptual frameworks of the two teaching formats and their respective implementation expose not only diverging underlying accounts of the “subject”; they also present different perspectives, associations and conceptions of ecology and sustainability.
  • trébucher radicalement pour (dés-) apprendre à voir Comment les «séquences de langage» reflètent-elles l’enseignement? (Judit Villiger)
    Le texte traite de questions concernant l’enseignement. Il analyse ce que les étudiant*es observent et pensent concrètement en situation pédagogique réelle, dans leur rôle transitoire peu avant le stage pratique d’enseignement du Master Art Education. Il n’est pas facile d’avoir une perception consciente et une réflexion active sur la pratique d’enseignement. En dehors de toutes les actions qui se déroulent en parallèle en salle de classe, il faut aussi tenir compte du fait que les visiteurs*euses, par leur seule présence, deviennent également des participant*es. Ce qui se passe en classe peut donc être analysé comme un réseau d’actions individuelles impossibles à appréhender intégralement, quel que soit le point d’observation. La méthode «Sprachstücke» («séquences de langage») est une introduction à des situations pratiques d’enseignement. Elle s’appuie sur l’attitude et la sensibilité artistiques acquises par les étudiant*es au cours de leur formation, pour ensuite développer leur capacité d’observation. Cette démarche attire l’attention sur ce qui est considéré comme allant de soi, notamment dans les processus les plus courants. La méthode des «Sprachstücke» invite les étudiant*es à traduire en leurs propres termes ce genre d’observations à la fois quotidiennes et insolites. En fonction de l’intérêt manifesté par les étudiant*es, l’article décrit à titre d’exemple comment une étudiante réagit à l’enseignement en reprenant une «séquence de langage» du T-shirt d’un élève. Les objectifs du projet sont: (a) développer une perception active de l’enseignement, c’est-à-dire apprendre à voir, (b) désapprendre à voir par la réflexion et la révision, (c) afin de rendre ce processus intelligible pour soi-même et pour les autres, et de le transposer dans un univers linguistique au moyen de la sensibilité artistique.
  • (Un-)Learning Ecologies – An exploration of two research-based artistic teaching formats as experimental platforms for ecologically sustainable ways of being and becoming (Janina Krepart, Chantal Küng, Judith Tonner)
    To what extent and by which new and urgent challenges are art educators confronted through current and future effects of the climate crisis? And how can artistic teaching practices contribute to a sense of responsibility, and ultimately to ecologically sustainable practices, in “kulturelle Bildung” and arts education? Motivated by these questions, the authors designed and realized two teaching modules for the Bachelor and Master Art Education (ZHdK) in the academic year 2020–21. The article stages a critical dialogue to discuss the courses’ underlying postulations and to consider potential implications for art education research. The conceptual frameworks of the two teaching formats and their respective implementation expose not only diverging underlying accounts of the “subject”; they also present different perspectives, associations and conceptions of ecology and sustainability.
  • From The­o­ry in­to Prac­tice – Re­search and Trans­for­ma­tion (Dolores Smith)
    The research project to which this text refers was based on the challenge to provide conditions for equal access to arts education for children and young people placed at a disadvantage - especiall...
  • Ac­ti­vat­ing the Dis­play (Karin Schneider)
    The­ses from the Re­search Project „sci­ence with all sens­es – sci­ence and gen­der in the mak­ing“ The following theses are based on the research project „science with all senses – science and ge...
  • Re­vis­it­ing Eval­u­a­tion (Emily Pringle)
    This text examines the important and potentially creative role that evaluation plays in participatory arts projects taking place in education contexts. A brief overview of evaluation is given befo...
  • Agency at the mar­gins of pow­er (Andrea Hubin)
    Lo­cat­ing a gallery ed­u­ca­tion that op­er­ates with con­cepts of per­for­ma­tiv­i­ty Why is gallery education interested in performativity? Between fights for recognition, reflection on one’s ow...
  • Gallery ed­u­ca­tion – per­for­mance – the dif­fer­end (Carmen Mörsch, Eva Sturm)
    The paper is based on an introductory talk given at the conference Perfoming the Museum as a Public Sphere at Kunstmuseum Lentos, Linz, in April 2008. It parts from Charles Garoian’s thesis that a...
  • Au­ton­o­my with­in the in­sti­tu­tion (Microsilions – Olivier Desvoignes/Marianne Guarino-Huet)
    To­wards a crit­i­cal art ed­u­ca­tion The performative production of the institution is at the center of the contribution by the artists/art educators collective microsillons. They discuss their r...
  • The­ater­ver­mit­tlung [The­atre Ed­u­ca­tion] as Ob­ject of Re­search (Ute Pinkert)
    According to Ute Pinkert the decisive characteristic of theatre pedagogy at theatres is the connection to the institution theatre. For this specific research area she introduces the term «Theaterv...
  • Do­ing Is Rec­og­niz­ing and Rec­og­niz­ing Is Do­ing. The In­sep­a­ra­ble In­ter­re­la­tion be­tween The­o­ry and Prac­tice (Barbara Putz-Plecko)
    About the development of research and theory in the field of art-, gallery-, and cultural education at the University of Applied Arts Vienna The education of art teachers at the University of Appli...
  • Representation and the Critique of Representation in Visual Culture. Focus: gallery education (Stephan Fürstenberg)
    eine virtuelle Lernplattform This online publication introduces approaches, questions, and conflicts into the field of visual culture concerning ways of representing and critique of representation....
  • From migrant to Muslim - (Rifa’at Lenzin)
    the prob­lem of re­li­gious as­crip­tions for mi­grants of Is­lam­ic her­itage How relevant is Islam for muslims living here? What actually makes one a Muslim? Today, the term Muslim is being emplo...
  • Or­dered Bod­ies, em­bod­ied Or­ders – about vi­su­al and lin­guis­tic rep­re­sen­ta­tion­al pat­terns of gallery ed­u­ca­tion (Stephan Fürstenberg)
    In his text, Stephan Fürstenberg focuses on dominant representational forms of the figures art mediator and public. In referencing historical image examples, he works out productions of difference...
  • En­gage­ment and vis­i­bil­i­ty. Who ben­e­fits? (Henrike Plegge)
    Work­ing with young mi­grants in gallery ed­u­ca­tion and ex­hi­bi­tions In her paper, Henrike Plegge discusses different forms of participation and visibility of young migrants in a gallery educat...
  • Teach­ing the world to the arts (Wanda Wieczorek)
    Many cultural institutions today find themselves in a dilemma: On the one hand, programming should, and wants, to reach as many people as possible – especially young people, and particularly those...
  • Mem­o­ry, Archive and Me­di­a­tion (Felipe Polanía)
    Ap­proach­es for me­di­a­tion prac­tice with refugees Is it possible to speak of a collective memory of people who have fled their places of home? Can mediation contribute to contruct a collective ...
  • «Ma­te­r­i­al Mem­o­ry» and Post­mi­grant So­ci­ety (Jonas Bürgi)
    Pro­pos­als for col­lec­tion de­vel­op­ment and in­ter­pre­ta­tion at the Swiss Na­tion­al Mu­se­um National Museums claim authority in defining ‚cultural heritage’. Migration histories, as relativ...
  • Mediation of Realities: The Society of Friends of Halit (Ayşe Güleç)
    Carried out as part of documenta 14 in Kassel, The Society Friends of Halit focused on the crimes of the National Socialist Underground (NSU) and its belated prosecution. Though it received overwh...
  • Wandering About: An Experiment in Walking and Learning (Kitto Derrick Wintergreen)
    In 2016 Wintergreen started introducing the format of walking lectures to his students at the Nagenda International Academy of Art and Design (NIAAD/Uganda), aiming to encourage them to observe and...
  • Margaret Trowell’s School of Art A Case Study in Colonial Subject Formation (Emma Wolukau-Wanambwa)
    Margaret Trowell (1904–1985) founded one of the first schools of ‘fine art’ for Africans in the Uganda Protectorate in the 1930s. This essay argues that both Trowell’s arguments for introducing fin...
  • GERMAN, NATURAL AND NAKED? The Colonial Entanglements of the Life Reform (Saskia Köbschall)
    Taking the author’s personal experiences with the German nudist movement as a starting point, this essay explores the discursive link between colonialism, its ideology of racial hierarchies and th...
  • Flight of Riddles – Thinking Through the Difficult Legacy of Progressive Art Education in Austria (Karin Schneider, Andrea Hubin)
    Andrea Hubin and Karin Schneider’s contribution gives an insight into their explorations of Austrian art education’s difficult legacy. Reflecting on the boundaries, aversions, distortions, interru...
  • Pratiques éphémères. Le projet de recherche "The Art Educator's Walk" – Agir et attitude des médiatrices et médiateurs en art contemporain à l’exemple de l’exposition documenta 14 à Kassel (Gila Kolb)
    Comment les médiateurs d'art peuvent-ils créer une situation dans laquelle l'art contemporain peut être médiatisé ? Quelle attitude développent-ils à l'égard de leurs activités de médiation artistique ? Quelles sont les stratégies qu'ils développent ? Lors de l'exposition documenta 14 (2017), dans le cadre du projet de recherche "The Art Educator's Walk - Action and Attitude of Contemporary Art Mediators using the example of the major exhibition documenta 14 in Kassel", 20 "promenades" de 10 "choristes" (médiateurs artistiques de la documenta 14) ont été accompagnées et interviewées sur ces questions. Le projet de recherche a exploré la pratique per se éphémère de la médiation artistique dans les expositions d'art dans le cadre d'un projet de recherche à l'Institut Pratiques et Théories des Arts de la BUA Berne, avec la thèse que la médiation artistique se pratique à partir d'une attitude. Après une argumentation biographique du "milieu", cet article présente d'abord la situation historique de la documenta et de sa médiation. Les concepts et les contextes de l'éducation artistique à la documenta 14, en particulier le désapprentissage, ont constitué le cadre d'action des choristes interviewés et accompagnés. Un aperçu du cadre qualitatif et empirique de l'acquisition de données sous la forme d'une observation participative de la pratique de la médiation artistique avec des groupes de visiteurs de la documenta 14 reflète le contexte de l'acquisition de données. Dans le cadre de trois "expéditions", qui analysent les premières phrases d'une promenade, le dilemme de la connaissance et la médiation de l'art en tant qu'œuvre, le matériel obtenu est présenté et discuté de manière exemplaire.
  • 3 FRAGEN AN ... die Tiefe Kümmernis (Die Tiefe Kümmernis)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Wie viel Wenig ist genug? Eine Untersuchung von Arbeitsmittel, Arbeitsräumen und Unterrichtsvorbereitung im Fach Bildnerisches Gestalten. (Pamela Gardi)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Trois questions à... (Hannah Horst)
    Les revues d’art proposent généralement des articles sur des expositions en cours ou à venir. La revue électronique de la SSPA e Journal Art Education Research souhaite reprendre ce format, et le transposer au domaine de la pédagogie de l’art. Chaque numéro présente ainsi un projet de pédagogie de l’art, en explicitant l’approche d’une personne ou d’un collectif en matière de médiation artistique. La rubrique pourra varier quant à la forme. Elle donnera un aperçu de l’état actuel des pratiques en pédagogie artistique. Les réponses pourront prendre la forme d’images, de textes ou autre.
  • Partizipative Räume im Schulfeld Transfer eines museumspädagogischem Angebot mit Theatermethoden (Bettina Gassmann)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Les sauts micropédagogiques dans le contexte de l'éducation esthétique (Silvia Henke, Wiktoria Furrer)
    L’éducation esthétique est un vaste projet civilisationnel, éducatif et politique, que le présent article explore pour l’époque actuelle à travers des sauts micro-pédagogiques. Le concept de micro-pédagogie n’est pas encore clairement défini en pédagogie artistique. Dans le cadre du discours pédagogique, ce concept a été introduit par Stefan Danner comme improvisation pédagogique des enseignant*es, sous la forme de transitions et de ponctuations entre différents motifs pédagogiques (Danner 2001: 11). Pourquoi parler de pédagogies au pluriel? D’abord pour accentuer le concept de formation au sens premier, et pour examiner la manière dont les pratiques esthétiques, didactiques et artistiques forment concrètement les choses, au sens micrologique du terme. L’article postule que la formation se produit à travers des ouvertures, quand quelque chose se produit de manière volontaire ou involontaire, planifiée ou non planifiée. Personne ne sait exactement quand se produisent les processus d’apprentissage, ni quand et comment se produisent les ouvertures. Le concept des sauts a donc un rôle très spécifique à jouer, car il prolonge les processus éducatifs dans d’autres temporalités et d’autres espaces, étant donné que ces sauts se produisent sans intention clairement définie (cf. Pazzini, 2015, p.16). Nous décrivons ce genre de sauts d’un point de vue micro-pédagogique, en partant de deux situations spécifiques de pédagogie artistique: d’une part un cadre institutionnel qui est l’enseignement artistique supérieur (Master Fine Arts / Art Education), et d’autre part certains procédés dans des ateliers destinés à des artistes, dans un cadre extra-institutionnel. Le motif du saut, dans sa triple connotation de mouvement vital, d’interruption et de fissure [en allemand: «Sprung»], permet de penser le caractère d’événement et la singularité de la situation éducative. L’enjeu de pédagogie artistique qu’est la pratique cognitive «en sauts» [«sprunghaft»] comme élément de l’éducation esthétique (cf. Mersch 2018: 26 ss. et Kunz 2019: 24) est étudié sous trois angles: celui de l’enseignante, celui de la participante, puis sous l’angle commun, qui combine des pratiques concrètes et avec des éléments de théorie de l’art.
  • Being exposed as a lecturer. Proposal for a reflexive positioning of university teaching on the exemplary basis of art pedagogy (Bernadett Settele)
    To reflect on teaching art education "from art" (see Sturm 2011), I select being exposed as a starting point. Being exposed marks a place on the threshold between the critical appreciation of action and its conditions and a perspective that makes it possible to consider its passive aspects (see Settele 2019). In pursuit of the feeling of being exposed, I develop a perspective for feminist art education at master level. Taking interest in powerful addresses, roles and norms as well as in emancipatory pedagogy, I observe, from a theory-driven perspective, how individual and collective subjects of teaching interact with each other from their respective positions in teaching situations, and also what acts on them. To this end, I employ Judith Butler’s feminist concept of the post-sovereign, bound subject, making it the starting point for a reflexive positioning of teaching. This necessitates differentiating how I apply a political-philosophical concept in a non-existential, aesthetic field. As a reflexive concept, being exposed is not to be equated with the stronger concepts of feminist theoretical approaches, such as precariousness or vulnerability (see Butler 2016), or impressionability and susceptibility (see Butler 2014: 177). Situating an exercise on the reception of art in the context of art-pedagogical teacher education provides occasion for reflection on the conditionality of the subjects of teaching. The result is a textual contribution, which asks how art pedagogy educates and what takes effect within it.
  • Emergency Remote Art Education? Reflections on a study with students on art- and aesthetic-cultural educational practices in a state of emergency (Miriam Schmidt-Wetzel, Laura Zachmann)
    The article provides an overview of a study being considered an investigation of and with actors in art education and orients itself methodically/methodologically on characteristics of phenomenological case research. Subject of the qualitative-empirical study is the experience of various actors involved in teaching in the field of art education, or in the subject of Bildnerisches Gestalten, in the midst of the global state of emergency triggered by the Covid-19 pandemic in spring 2020. The investigation is based on two assumptions: first, that under the pressure of the first pandemic wave, educational formats developed ad hoc and without sound knowledge of e-didactics in the mode of Emergency Remote Teaching (ERT) (Hodges et al. 2020); secondly, that the understandings and approaches that are evident in the art educational activities of the ERT are important for developing a well-founded Remote Art Education. In-depth insights into the study are provided by excerpts from the first of three sub-studies. It is focused on a group discussion with three bachelor students about their first professional internships in aesthetic-educational and socio-cultural fields under lockdown conditions. Drawing on observations from the sub-study, the article sketches initial findings on forms of ERT specific to art education and sheds light on their potential for teaching concepts expanding into the digital and into the distance. Via critical reflection on the methodological approach in the context of this first sub-study, it further examines the selected approaches in terms of how they deal with the specific challenges of research at a distance and under exceptional circumstances – in the mode, so to speak, of Emergency Remote Art Education Research.
  • Read across and talk back (Sabine Gebhardt Fink, Nora Landkammer, Anna Schürch)
    A di­a­logue on per­fo­mance the­o­ry and gallery ed­u­ca­tion Based on Judith Butler's definition of the performative act as an action that has to be constantly repeated and socially legitimized, ...
  • Per­form­ing the ed­u­ca­tor (Bernadett Settele)
    What if we think of mediation not as a tool for the frictionless transportation of information but as a vehicle of transformation? How can art educators obtain a certain (different) kind of facult...
  • How speech­less­ness can lead to ac­tion (Julia Draxler)
    The article asks the question, if not only «talking about art» but also «acting to art» is possible and usefull in art education. Artworks should not only be discussed in a rational way, but also ...
  • Materialien zum Selbststudium (Danja Erni, Nora Landkammer, Anna Schürch, Bernadett Settele)
    Die Materialien zum Selbststudium sind mit dem Ziel konzipiert, eine Diskussions- und Wissensbasis zu den Themen «queer» und «Do it yourself» im Kunstunterricht zur Verfügung zu stellen. Sie beschä...
  • Schwierige Themen im Bildnerischen Gestaltung-Unterricht (Danja Erni)
    Danja Erni wirft in der Perspektive der Netzwerkveranstaltung Persönlichkeitsverwicklung # 1: Queer und Do-it-Yourself im Kunstunterricht einen Blick auf ihren eigenen Unterricht sowie auf das Beru...
  • Crit­i­cal White­ness in Ped­a­gog­i­cal Prac­tice -​ (Regina Richter, Claude Preetz)
    how to deal with one’s own role as a white teacher in a critical perspective on racism? Background text for a workshop The paper aims to encourage a critical reflection on the privileged position o...
  • Teach­ing method­ol­o­gy, re­search-​based: (Michèle Novak, Anna Schürch)
    think­ing about the re­search ap­pren­tice­ship The research apprenticeship serves the lecturers Michèle Novak and Anna Schürch as a means to introduce a format of research-oriented teaching and le...
  • Learning Processes about Non-Discriminatory Practices in the Field of Cultural Education  (Aïcha Diallo, Danja Erni)
    Since summer 2016, we have been leading the KontextSchule, a platform for the continuing education of teachers and artists in Berlin. Adopting the viewpoint of those who stand inside and outside o...
  • Nanna Lüth ()
    Art | A Crit­i­cal Per­spec­tive on Racism | Art Ed­u­ca­tion On Fragili­ty and Re­sis­tance to edit this issue of Art Education Research that focuses on the challenges related to work in art and a...
  • Ped­a­gogy for Democ­ra­cy. Art/Ed­u­ca­tion against Racism (Nanna Lüth)
    In her editorial, Nanna Lüth connects the issue of partiality within the field of critical art education to discussions about the notion of controversy in political pedagogy. Art education, she po...
  • ‘Natural Art Education’  – On Biologisms in Art Educational Discourse (Anna Schürch)
    In her contribution on the history of her discipline, Anna Schürch explores how biologicistic argumentative figures have shaped the thinkable and sayable in the context of German-language art educa...
  • An ontology of the present. On the transformation of art educational knowledge (Anna Schürch)
    Curriculum revision projects, such as the current revision of the secondary school (Gymnasium) basis curriculum 2020-22 in Switzerland, call for a review of the content and objectives of the individual subjects and provide an opportunity to reflect on the knowledge within a subject, and the way it changes. How can such change be conceived and how can it be oriented if intended to go beyond the pragmatic framework of an educational policy-motivated revision project, which is characterized by scarce time resources and acute pressure to act? The article builds on Michel Foucault’s ontology of the present and seeks, via according educational-philosophical considerations, a perspective on change that positions itself both critically and self-reflexively; that is not oriented to what are diagnosed to be the great challenges of the future, but engages with what is already present and appears in everyday life. A possibility to grasp and reflect on existing art education knowledge is created. A footnote by Margot Zanni and a questionnaire by Michèle Novak expand the text, rooting the gesture of (self-)critical reflection in the act reading.
  • Oser peindre: expérimenter et créer avec les couleurs. Comment évaluer le développement de compétences dans l’enseignement artistique? (Ursula Aebersold, Susanne Junger)
    Le Plan d’études 21 pour les écoles alémaniques des cantons suisses formule une nouvelle orientation de l’enseignement des arts. Par rapport à l’ancienne approche axée sur les productions artistiques des élèves, le nouveau Plan d’études accentue davantage le développement des compétences de l’élève dans la discipline enseignée ainsi que ses compétences transversales. En travaillant sur des images du domaine artistique et de la vie quotidienne, les élèves sont sensibilisés aux différentes formes d’expression artistique dans trois domaines de compétences: perception et communication, processus et produits, contextes et orientations. Les élèves apprennent à exprimer leurs conceptions, leurs idées et leurs intentions en images, et à travailler sur les formes de communication visuelle en matière d’expression comme de perception. La compétence visuelle ainsi développée permet aux élèves de s’orienter dans un environnement dominé par les images. Les objectifs formulés par le nouveau Plan d’études dans le domaine artistique sont nombreux et exigeants. La formation initiale et continue du personnel enseignant doit donc inclure les apports théoriques et les aides pédagogiques nécessaires. Notre projet de recherche et développement vise à étoffer l’enseignement pour les 2e et 3e cycles en proposant des unités d’enseignement cumulatives et stimulant l’activité cognitive. Le développement des compétences des élèves est mis en évidence par une évaluation préalable et consécutive du niveau atteint. Les unités d’enseignement sont testées, documentées, analysées et évaluées dans trois classes scolaires. Les situations d’apprentissage se focalisent sur la couleur et la peinture. Le projet porte sur l’évaluation du niveau d’apprentissage, et sur la sensibilisation du corps enseignant aux capacités préexistantes, aux expériences et aux connaissances des élèves, ainsi que sur les possibilités de soutien pédagogique et d’accompagnement pour un développement individuel de compétences. C’est pourquoi le projet fournit des instruments pour l’évaluation du niveau d’apprentissage et du développement des compétences, ainsi que des sources d’inspiration et des aides pédagogiques pour promouvoir le développement des compétences.
  • Oser peindre: expérimenter et créer avec les couleurs. Comment évaluer le développement de compétences dans l’enseignement artistique? (Ursula Aebersold, Susanne Junger)
    Le Plan d’études 21 pour les écoles alémaniques des cantons suisses formule une nouvelle orientation de l’enseignement des arts. Par rapport à l’ancienne approche axée sur les productions artistiques des élèves, le nouveau Plan d’études accentue davantage le développement des compétences de l’élève dans la discipline enseignée ainsi que ses compétences transversales. En travaillant sur des images du domaine artistique et de la vie quotidienne, les élèves sont sensibilisés aux différentes formes d’expression artistique dans trois domaines de compétences: perception et communication, processus et produits, contextes et orientations. Les élèves apprennent à exprimer leurs conceptions, leurs idées et leurs intentions en images, et à travailler sur les formes de communication visuelle en matière d’expression comme de perception. La compétence visuelle ainsi développée permet aux élèves de s’orienter dans un environnement dominé par les images. Les objectifs formulés par le nouveau Plan d’études dans le domaine artistique sont nombreux et exigeants. La formation initiale et continue du personnel enseignant doit donc inclure les apports théoriques et les aides pédagogiques nécessaires. Notre projet de recherche et développement vise à étoffer l’enseignement pour les 2e et 3e cycles en proposant des unités d’enseignement cumulatives et stimulant l’activité cognitive. Le développement des compétences des élèves est mis en évidence par une évaluation préalable et consécutive du niveau atteint. Les unités d’enseignement sont testées, documentées, analysées et évaluées dans trois classes scolaires. Les situations d’apprentissage se focalisent sur la couleur et la peinture. Le projet porte sur l’évaluation du niveau d’apprentissage, et sur la sensibilisation du corps enseignant aux capacités préexistantes, aux expériences et aux connaissances des élèves, ainsi que sur les possibilités de soutien pédagogique et d’accompagnement pour un développement individuel de compétences. C’est pourquoi le projet fournit des instruments pour l’évaluation du niveau d’apprentissage et du développement des compétences, ainsi que des sources d’inspiration et des aides pédagogiques pour promouvoir le développement des compétences.
  • trébucher radicalement pour (dés-) apprendre à voir Comment les «séquences de langage» reflètent-elles l’enseignement? (Judit Villiger)
    Le texte traite de questions concernant l’enseignement. Il analyse ce que les étudiant*es observent et pensent concrètement en situation pédagogique réelle, dans leur rôle transitoire peu avant le stage pratique d’enseignement du Master Art Education. Il n’est pas facile d’avoir une perception consciente et une réflexion active sur la pratique d’enseignement. En dehors de toutes les actions qui se déroulent en parallèle en salle de classe, il faut aussi tenir compte du fait que les visiteurs*euses, par leur seule présence, deviennent également des participant*es. Ce qui se passe en classe peut donc être analysé comme un réseau d’actions individuelles impossibles à appréhender intégralement, quel que soit le point d’observation. La méthode «Sprachstücke» («séquences de langage») est une introduction à des situations pratiques d’enseignement. Elle s’appuie sur l’attitude et la sensibilité artistiques acquises par les étudiant*es au cours de leur formation, pour ensuite développer leur capacité d’observation. Cette démarche attire l’attention sur ce qui est considéré comme allant de soi, notamment dans les processus les plus courants. La méthode des «Sprachstücke» invite les étudiant*es à traduire en leurs propres termes ce genre d’observations à la fois quotidiennes et insolites. En fonction de l’intérêt manifesté par les étudiant*es, l’article décrit à titre d’exemple comment une étudiante réagit à l’enseignement en reprenant une «séquence de langage» du T-shirt d’un élève. Les objectifs du projet sont: (a) développer une perception active de l’enseignement, c’est-à-dire apprendre à voir, (b) désapprendre à voir par la réflexion et la révision, (c) afin de rendre ce processus intelligible pour soi-même et pour les autres, et de le transposer dans un univers linguistique au moyen de la sensibilité artistique.
  • DESSINER – PARLER – MONTRER (Nadia Bader)
    L’étude «Dessiner – parler – montrer» s’intéresse à la manière dont les échanges communicatifs influencent la conception et la réalisation du dessin dans le cadre de l’enseignement artistique. Le but de cette étude est une analyse à la fois empirique et ancrée dans la théorie (de la pratique). Elle porte sur les influences et les interactions qui se produisent entre la communication et la création, et les circonstances qui sous-tendent ces interdépendances, dans l’enseignement au sens large et plus particulièrement en pédagogie de l’art. L’étude consiste en une analyse systémique de la pratique de l’enseignement sous l’angle de sa contingence et de sa complexité. Elle s’appuie sur des approches qui mettent en relief le caractère imprévisible, volatil, phatique et vulnérable de l’enseignement et de l’apprentissage (Meyer-Drawe, Pazzini, Sabisch, Schürch/Willenbacher, Wimmer, etc.). Lors d’une leçon au niveau gymnasial consacrée au dessin à partir d’un modèle, les conversations entre enseignent*es et apprenant*es et les processus de dessin ont été enregistrés sur vidéo. Ces enregistrements ont ensuite fait l’objet d’une analyse qualitative et empirique faisant intervenir des méthodes de recherche et de représentation jouant sur la visualisation. Quatre études de cas détaillent des situations d’enseignement et d’apprentissage selon une approche multi-perspectives. L’analyse fait apparaître une conjonction d’influences variées, parfois contradictoires, qui marquent le développement situationnel des processus d’enseignement et d’apprentissage. À la lumière de divers concepts de théorie de la pratique (Reckwitz, Schmidt, Polanyi, Neuweg, etc.), les résultats transversaux et comparatifs sont recoupés avec des positions de pédagogie de l’art et du théâtre axées sur la performativité, l’événement, la corporéité et la matérialité de l’enseignement (Lange, Hentschel, etc.). Le présent article est consacré à deux aspects de l’étude: le lien avec l’étude pilote «Dessiner – parler» (HKB, 2012/13), et le développement des méthodes de recherche vidéo mettant l’accent sur la dimension visuelle.
  • 3 FRAGEN AN ... Konstanze Schütze (Konstanze Schütze)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Trois questions à... (Hannah Horst)
    Les revues d’art proposent généralement des articles sur des expositions en cours ou à venir. La revue électronique de la SSPA e Journal Art Education Research souhaite reprendre ce format, et le transposer au domaine de la pédagogie de l’art. Chaque numéro présente ainsi un projet de pédagogie de l’art, en explicitant l’approche d’une personne ou d’un collectif en matière de médiation artistique. La rubrique pourra varier quant à la forme. Elle donnera un aperçu de l’état actuel des pratiques en pédagogie artistique. Les réponses pourront prendre la forme d’images, de textes ou autre.
  • Gestalt et bienformation: Les enfants dessinent des corps spatials (Stefanie Stadler Elmer, Lea Weniger)
    Ce texte présente le cadre théorique de notre étude sur dessiner spatialment dans le contexte de l'école primaire. Nous étudions comment les enfants représentent graphiquement un seul corps spatial. C'est l'un des trois aspects du dessin de la représentation spatiale des enfants. Les autres concernent les relations spatiales entre des objets et l'organisation spatiale globale de l'image. La représentation plate d'un cuboïde sous la forme d'une boîte est un problème de représentation générale pour lequel diverses solutions sont enseignées et pratiquées dans notre culture. Partant d'une épistémologie génétique structurelle, nous nous concentrons sur le processus d'élaboration de solutions par les enfants, sur la façon dont ils emergent dans les études de cas individuelles et vidéographiés – accompagnés par l'enseignant d'une manière adaptative et intuitive. Nous reconstruisons ces processus en détail avec une méthodologie microgénétique. A l'aide d'un exemple, nous montrons empiriquement comment nous appliquons le concept de "bienformation" (Wohlgeformheit) pour décrire l'orientation structurelle vers une "Gestalt" et l'utilisation implicite des systèmes génératifs pour la représentation spatiale.
  • Read across and talk back (Sabine Gebhardt Fink, Nora Landkammer, Anna Schürch)
    A di­a­logue on per­fo­mance the­o­ry and gallery ed­u­ca­tion Based on Judith Butler's definition of the performative act as an action that has to be constantly repeated and socially legitimized, ...
  • Whether we like it or not (Agnieszka Czejkowska)
    Cul­tur­al ed­u­ca­tion and re­search based on ex­ter­nal fundsUniversities, research and non-profit institutions have their dependence on external funds in common. Agnieszka Czejkowska's article d...
  • A kind of punk rock, teaching machine. Queer-feministische Zines im Kunstunterricht. (Elke Zobl)
    Elke Zobel stellt Zines als eine Alternative zu den Mainstream-Medien vor, die die Möglichkeit und das Potential vielfältiger Selbstrepräsentation, des Ausdrucks anderer Seiten des Selbst und der H...
  • Em­pow­er­ment as a strat­e­gy of ac­tion against racism (Žaklina Mamutovič)
    Current antiracist education in Germany is mostly directed towards members of the majority society and conceived in their perspective. In practice, perspectives of minority member or People of Colo...
  • The orig­i­nal­i­ty of mod­ernism and oth­er west­ern myths: (Christian Kravagna)
    Art in the (post-​) colo­nial in­ter­stice Through an analysis of how 19th and 20th century European avant-garde art perpetuates and continues to affirm ideas of originality and purity and subseque...
  • Be­tween In­struc­tion and Self-​ed­u­ca­tion (Nanna Lüth)
    Didactic Pattern Analysis Starting From Art What role is played by the artworks in the representation of gallery education? From the spatial composition and the reactions of persons to the art in t...
  • The com­plex task of self-​chang­ing (Büro trafo. K)
    Prac­tices and ques­tions in ed­u­ca­tion­al projects in mi­gra­tion so­ci­ety Nine years ago we called one of our ambitious educational programs a «guide to self-emancipation». The title had an ir...
  • «By eat­ing an ap­ple, you’re eat­ing the scenery.» (Sabian Baumann, Simon Harder)
    In this interview by Simon Harder, Sabian Baumann discusses how s_he and the collaborating performers tried to conceptually and performatively queer nude drawing and its connected patriarchal unde...
  • How does school in­vest in the screen? (Simon Harder)
    In­Vis­i­bil­i­ties and so­cio-​po­lit­i­cal re­spon­si­bil­i­ty of art ed­u­ca­tion This article argues out of a queer-feminist perspective why an understanding of visibility is to be considered p...
  • Stimm­los 2 – Re­hearsal (Simon Harder)
    Stimmlos (voiceless/unvoiced/voting ticket), a series of experimental sound pieces and a work-in-progress, is based on and centred around artworks, giving rise to compact images in space and langua...
  • Every­one has to learn every­thing, or: emo­tion­al la­bor (Nana Adusei-Poku)
    “Everyone has to learn everything, or: emotional labor” is a reflection of the action-based research project “WdKA makes a difference” which took place between 2015 and 2017 at the Willem de Kooni...
  • Learning Processes about Non-Discriminatory Practices in the Field of Cultural Education  (Aïcha Diallo, Danja Erni)
    Since summer 2016, we have been leading the KontextSchule, a platform for the continuing education of teachers and artists in Berlin. Adopting the viewpoint of those who stand inside and outside o...
  • Nanna Lüth ()
    Art | A Crit­i­cal Per­spec­tive on Racism | Art Ed­u­ca­tion On Fragili­ty and Re­sis­tance to edit this issue of Art Education Research that focuses on the challenges related to work in art and a...
  • Ped­a­gogy for Democ­ra­cy. Art/Ed­u­ca­tion against Racism (Nanna Lüth)
    In her editorial, Nanna Lüth connects the issue of partiality within the field of critical art education to discussions about the notion of controversy in political pedagogy. Art education, she po...
  • Für­ein­an­der Sor­gen in den An­den: An­mer­kun­gen zu Pau­lo Frei­re (Grimaldo Rengifo)
    In his seminal essay Nurturance in the Andes, Grimaldo Rengifo Vásquez reflects on his early experiences with the use of the Freire literacy program in indigenous communities in northern Peru. He ...
  • How speech­less­ness can lead to ac­tion (Julia Draxler)
    The article asks the question, if not only «talking about art» but also «acting to art» is possible and usefull in art education. Artworks should not only be discussed in a rational way, but also ...
  • Assembling sustainable futures – Anticipatory practices and imaginations in art education (Michel Massmünster)
    The future does not just exist. We refer to it through diverse practices, assembling it as an experience in the now. The way we conceive of the future, experience it in the present, and thus also generate it socially, is the result of complex processes of production. However, historical meanings are involved in these processes as well. Based on contemporary practices in art education, I explore powerful configurations of the future in the present: knowledge, material, person and future determine each other interdependently in these processes. Imaginations of future in art education are characterized by the emphasis on their explorative and opening character. Occasionally, especially as regards a universal understanding of sustainability, they also predefine and fixate futures. This eventually leads to a restriction of ways of life in future. Thus, I argue, it is necessary for research and practice, to analyze one’s own involvement in these assembling processes and in the historical meanings associated. In consequence, I propose an understanding of sustainability that is more appropriate to the open, explorative future practices of art education; one which reckons uncertainty and multiplicity, and thereby continuously reinvents itself, reinvents resources, and current as well as future ways of life.
  • Re­vis­it­ing Eval­u­a­tion (Emily Pringle)
    This text examines the important and potentially creative role that evaluation plays in participatory arts projects taking place in education contexts. A brief overview of evaluation is given befo...
  • Les sauts micropédagogiques dans le contexte de l'éducation esthétique (Silvia Henke, Wiktoria Furrer)
    L’éducation esthétique est un vaste projet civilisationnel, éducatif et politique, que le présent article explore pour l’époque actuelle à travers des sauts micro-pédagogiques. Le concept de micro-pédagogie n’est pas encore clairement défini en pédagogie artistique. Dans le cadre du discours pédagogique, ce concept a été introduit par Stefan Danner comme improvisation pédagogique des enseignant*es, sous la forme de transitions et de ponctuations entre différents motifs pédagogiques (Danner 2001: 11). Pourquoi parler de pédagogies au pluriel? D’abord pour accentuer le concept de formation au sens premier, et pour examiner la manière dont les pratiques esthétiques, didactiques et artistiques forment concrètement les choses, au sens micrologique du terme. L’article postule que la formation se produit à travers des ouvertures, quand quelque chose se produit de manière volontaire ou involontaire, planifiée ou non planifiée. Personne ne sait exactement quand se produisent les processus d’apprentissage, ni quand et comment se produisent les ouvertures. Le concept des sauts a donc un rôle très spécifique à jouer, car il prolonge les processus éducatifs dans d’autres temporalités et d’autres espaces, étant donné que ces sauts se produisent sans intention clairement définie (cf. Pazzini, 2015, p.16). Nous décrivons ce genre de sauts d’un point de vue micro-pédagogique, en partant de deux situations spécifiques de pédagogie artistique: d’une part un cadre institutionnel qui est l’enseignement artistique supérieur (Master Fine Arts / Art Education), et d’autre part certains procédés dans des ateliers destinés à des artistes, dans un cadre extra-institutionnel. Le motif du saut, dans sa triple connotation de mouvement vital, d’interruption et de fissure [en allemand: «Sprung»], permet de penser le caractère d’événement et la singularité de la situation éducative. L’enjeu de pédagogie artistique qu’est la pratique cognitive «en sauts» [«sprunghaft»] comme élément de l’éducation esthétique (cf. Mersch 2018: 26 ss. et Kunz 2019: 24) est étudié sous trois angles: celui de l’enseignante, celui de la participante, puis sous l’angle commun, qui combine des pratiques concrètes et avec des éléments de théorie de l’art.
  • Apprendre entre le réel et le possible – le projet de développement interdisciplinaire AMAMuG (Lukas Bardill, Sabine Bietenhader)
    AMAMuG est un projet de développement interdisciplinaire et interinstitutionnel qui s’est déroulé du 1er avril 2018 au 1er août 2019. L’acronyme se réfère au titre du projet: «Archäologische Mustergrabung und Archäologisches Museum für Gegenwart» [«Fouillles archéologiques pédagogiques et Musée d’archéologie contemporaine»]. Le projet était dirigé par une enseignante en sciences humaines et sociales, et un enseignant en arts visuels, tous deux chargés de cours à la Haute école pédagogique des Grisons, et qui sont aussi les auteur*es de l’article. Le projet a été développé et mis en œuvre en coopération avec le Service archéologique du canton des Grisons, le service de médiation artistique du Musée rhétique et deux classes du degré primaire. L’objectif était de créer une séquence pédagogique pour le 2e cycle (5e année primaire). La séquence permet aux élèves de découvrir les outils de la pratique archéologique, afin de comprendre comment reconstruire et déconstruire l’histoire de la région. Les objets exposés au Musée d’archéologie contemporaine se rapportent à la vie quotidienne des enfants. Le travail créatif sur des objets apportés par les élèves leur permet d’en accélérer le vieillissement ou la fossilisation, ce qui est le point de départ d’une perception historique et muséale de ces objets. Notre approche interdisciplinaire vise à étudier dans quelle mesure les enfants du degré primaire parviennent à un jugement critique et émancipé des informations qui leur sont proposées, qu’elles soient institutionnelles ou alternatives. Le projet examine donc la capacité des enfants à reconstruire les contextes historiques (objets historiques), à construire des scénarios plausibles (artéfacts) et finalement à déconstruire les différentes dimensions. L’article se conclut par un dialogue entre l’historienne et le pédagogue des arts, à propos des apports générés par la démarche interdisciplinaire du projet AMAMuG pour les disciplines scolaires impliquées.
  • Gestaltung von Wahrnehmungs-, Erfahrungs- und Erlebnisräumen. Kunstpädagogische Ansätze im Bereich Tanz für junges Publikum (Lea Moro , Mona De Weerdt)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Anthologie florale (Jacqueline Baum, Ursula Jakob)
    Notre projet de longue date intitulé Connected in Isolation s’est d’abord concentré sur la pluralité des approches et des représentations des objets de la nature, qui se trouvent détachés de leur c...
  • An ontology of the present. On the transformation of art educational knowledge (Anna Schürch)
    Curriculum revision projects, such as the current revision of the secondary school (Gymnasium) basis curriculum 2020-22 in Switzerland, call for a review of the content and objectives of the individual subjects and provide an opportunity to reflect on the knowledge within a subject, and the way it changes. How can such change be conceived and how can it be oriented if intended to go beyond the pragmatic framework of an educational policy-motivated revision project, which is characterized by scarce time resources and acute pressure to act? The article builds on Michel Foucault’s ontology of the present and seeks, via according educational-philosophical considerations, a perspective on change that positions itself both critically and self-reflexively; that is not oriented to what are diagnosed to be the great challenges of the future, but engages with what is already present and appears in everyday life. A possibility to grasp and reflect on existing art education knowledge is created. A footnote by Margot Zanni and a questionnaire by Michèle Novak expand the text, rooting the gesture of (self-)critical reflection in the act reading.
  • A kind of punk rock, teaching machine. Queer-feministische Zines im Kunstunterricht. (Elke Zobl)
    Elke Zobel stellt Zines als eine Alternative zu den Mainstream-Medien vor, die die Möglichkeit und das Potential vielfältiger Selbstrepräsentation, des Ausdrucks anderer Seiten des Selbst und der H...
  • Flic Flac* - Feministische Materialien für den Kunstunterricht. (Elke Smodics-Kuscher, Nora Sternfeld, Büro trafo. K)
    Flic Flac* – Fe­mi­nis­ti­sche Ma­te­ria­li­en für den Kunstun­ter­richt. Mit Flic Flac* versuchen Elke Smodics-Kuscher und Nora Sternfeld vom Büro trafo.K sich den Kodierungen, Fallstricken und Wi...
  • Queer und DIY im Kunstunterricht. Eine Einführung (Bernadett Settele)
    In der Einführung werden die Ziele aufgezeigt, die Art Education Research Nr. 3 verfolgt: als „Schulbuch“ Anregungen aus der queer theory und den Kulturwissenschaften für den Kunstunterricht zu ver...
  • Schwierige Themen im Bildnerischen Gestaltung-Unterricht (Danja Erni)
    Danja Erni wirft in der Perspektive der Netzwerkveranstaltung Persönlichkeitsverwicklung # 1: Queer und Do-it-Yourself im Kunstunterricht einen Blick auf ihren eigenen Unterricht sowie auf das Beru...
  • The com­plex task of self-​chang­ing (Büro trafo. K)
    Prac­tices and ques­tions in ed­u­ca­tion­al projects in mi­gra­tion so­ci­ety Nine years ago we called one of our ambitious educational programs a «guide to self-emancipation». The title had an ir...
  • How does school in­vest in the screen? (Simon Harder)
    In­Vis­i­bil­i­ties and so­cio-​po­lit­i­cal re­spon­si­bil­i­ty of art ed­u­ca­tion This article argues out of a queer-feminist perspective why an understanding of visibility is to be considered p...
  • Stimm­los 2 – Re­hearsal (Simon Harder)
    Stimmlos (voiceless/unvoiced/voting ticket), a series of experimental sound pieces and a work-in-progress, is based on and centred around artworks, giving rise to compact images in space and langua...
  • Every­one has to learn every­thing, or: emo­tion­al la­bor (Nana Adusei-Poku)
    “Everyone has to learn everything, or: emotional labor” is a reflection of the action-based research project “WdKA makes a difference” which took place between 2015 and 2017 at the Willem de Kooni...
  • Being exposed as a lecturer. Proposal for a reflexive positioning of university teaching on the exemplary basis of art pedagogy (Bernadett Settele)
    To reflect on teaching art education "from art" (see Sturm 2011), I select being exposed as a starting point. Being exposed marks a place on the threshold between the critical appreciation of action and its conditions and a perspective that makes it possible to consider its passive aspects (see Settele 2019). In pursuit of the feeling of being exposed, I develop a perspective for feminist art education at master level. Taking interest in powerful addresses, roles and norms as well as in emancipatory pedagogy, I observe, from a theory-driven perspective, how individual and collective subjects of teaching interact with each other from their respective positions in teaching situations, and also what acts on them. To this end, I employ Judith Butler’s feminist concept of the post-sovereign, bound subject, making it the starting point for a reflexive positioning of teaching. This necessitates differentiating how I apply a political-philosophical concept in a non-existential, aesthetic field. As a reflexive concept, being exposed is not to be equated with the stronger concepts of feminist theoretical approaches, such as precariousness or vulnerability (see Butler 2016), or impressionability and susceptibility (see Butler 2014: 177). Situating an exercise on the reception of art in the context of art-pedagogical teacher education provides occasion for reflection on the conditionality of the subjects of teaching. The result is a textual contribution, which asks how art pedagogy educates and what takes effect within it.
  • Anthologie florale (Jacqueline Baum, Ursula Jakob)
    Notre projet de longue date intitulé Connected in Isolation s’est d’abord concentré sur la pluralité des approches et des représentations des objets de la nature, qui se trouvent détachés de leur c...
  • Pratiques éphémères. Le projet de recherche "The Art Educator's Walk" – Agir et attitude des médiatrices et médiateurs en art contemporain à l’exemple de l’exposition documenta 14 à Kassel (Gila Kolb)
    Comment les médiateurs d'art peuvent-ils créer une situation dans laquelle l'art contemporain peut être médiatisé ? Quelle attitude développent-ils à l'égard de leurs activités de médiation artistique ? Quelles sont les stratégies qu'ils développent ? Lors de l'exposition documenta 14 (2017), dans le cadre du projet de recherche "The Art Educator's Walk - Action and Attitude of Contemporary Art Mediators using the example of the major exhibition documenta 14 in Kassel", 20 "promenades" de 10 "choristes" (médiateurs artistiques de la documenta 14) ont été accompagnées et interviewées sur ces questions. Le projet de recherche a exploré la pratique per se éphémère de la médiation artistique dans les expositions d'art dans le cadre d'un projet de recherche à l'Institut Pratiques et Théories des Arts de la BUA Berne, avec la thèse que la médiation artistique se pratique à partir d'une attitude. Après une argumentation biographique du "milieu", cet article présente d'abord la situation historique de la documenta et de sa médiation. Les concepts et les contextes de l'éducation artistique à la documenta 14, en particulier le désapprentissage, ont constitué le cadre d'action des choristes interviewés et accompagnés. Un aperçu du cadre qualitatif et empirique de l'acquisition de données sous la forme d'une observation participative de la pratique de la médiation artistique avec des groupes de visiteurs de la documenta 14 reflète le contexte de l'acquisition de données. Dans le cadre de trois "expéditions", qui analysent les premières phrases d'une promenade, le dilemme de la connaissance et la médiation de l'art en tant qu'œuvre, le matériel obtenu est présenté et discuté de manière exemplaire.
  • Objets, ambiances, actions : l’excursion comme constellation (Markus Schwander)
    Tant dans les projets de recherche artistique que dans l’enseignement, les excursions servent à étudier la perception de l’espace. Le fait de marcher ensemble est analysé comme une constellation permettant de reconnaître et d’influencer les facteurs qui déterminent l’action, c’est-à-dire de façonner l’action collective. L’article présente des exemples artistiques pour illustrer le rapport entre l’espace et la perception, et la reconstruction permanente de ce rapport.
  • 3 FRAGEN AN ... Konstanze Schütze (Konstanze Schütze)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Trois questions à... (Hannah Horst)
    Les revues d’art proposent généralement des articles sur des expositions en cours ou à venir. La revue électronique de la SSPA e Journal Art Education Research souhaite reprendre ce format, et le transposer au domaine de la pédagogie de l’art. Chaque numéro présente ainsi un projet de pédagogie de l’art, en explicitant l’approche d’une personne ou d’un collectif en matière de médiation artistique. La rubrique pourra varier quant à la forme. Elle donnera un aperçu de l’état actuel des pratiques en pédagogie artistique. Les réponses pourront prendre la forme d’images, de textes ou autre.
  • Revue (Gitta Bertram)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Learning Lab Arts and Design: Collecte de données en pédagogie de l’art et du design (Dorothée King)
    La Biennale de design d’Istanbul 2018 consistait en six écoles pop-up, dont le cadre général était «le design en tant qu’apprentissage et l’apprentissage en tant que design» . Proclamé dans les arts depuis plus d’une décennie, le phénomène appelé «tournant pédagogique» s’étend ainsi au monde du design. Ce tournant pédagogique dans les arts remet en question l’idée que l’apprentissage serait un transfert de connaissances à sens unique, et qu’il serait la clé du succès dans le cadre d’une société capitaliste. Le tournant pédagogique tend au contraire à faire émerger des méthodes alternatives de pédagogie et d’apprentissage, c’est-à-dire des méthodes ayant des finalités alternatives. Istanbul a été l’occasion de voir l’apprentissage dans le design comme une manière de s’adapter aux multiples changements d’une société en fragmentation (numérique). Mais les débats sur la pédagogie menés par les commissaires d’exposition font-ils vraiment évoluer les cultures d’apprentissage des écoles d’art et de design? L’apprentissage de l’art et du design ne serait-il pas plutôt en évolution permanente, reflétant le changement plus général des cadres politiques et culturels? Faudrait-il tenter une réorientation totale par désapprentissage, comme le propose l’institution Haus der Kulturen der Welt? Dans cet article, j’entends présenter une autre approche. En 2019, le plus grand défi pour les enseignant*es comme pour les apprenant*es est de savoir comment gérer l’accumulation des connaissances et des méthodes, notamment la croissance rapide des données sur l’apprentissage en art et en design . Dans les écoles d’art et de design, les étudiant*s doivent être préparé*es à aborder les multiples possibilités d’apprentissage comme des ensembles de données. Dans le cadre de la nouvelle plateforme «Learning Lab Arts and Design» (LLAD) à l’Institut de pédagogie de l’art et du design de Bâle, je propose une boîte à outils de données, qui est destinée au traitement et à l’enregistrement des différentes pratiques d’apprentissage dans les arts et le design. L’approche que je développe permet des apprentissages qui s’inspirent des cultures passées et futures ainsi que d’autres disciplines des arts et du design. Elle stimule le mélange spontané, l’exploration et le brouillage des pratiques d’apprentissage traditionnelles. Le texte propose une réflexion sur les méthodes d’apprentissage passées et présentes dans les arts et le design, afin de lancer la collecte de données pour la boîte à outils d’apprentissage LLAD. L’histoire est riche en profonds changements et en nouvelles tentatives en matière d’apprentissage. Thierry de Duve, historien d’art de nationalité belge, a étudié l’évolution des cultures d’apprentissage dans les écoles d’art occidentales, qui sont passées de l’imitation à la copie, puis à l’imagination, à la déconstruction et à la simulation . Suivant son exemple, je considère l’échantillonnage de données historiques concernant les méthodes d’apprentissage dans les arts et le design comme une possibilité d’identifier différentes activités d’apprentissage, activités qu’il s’agit de collecter, d’explorer et d’expérimenter au LLAD.
  • Emergency Remote Art Education? Reflections on a study with students on art- and aesthetic-cultural educational practices in a state of emergency (Miriam Schmidt-Wetzel, Laura Zachmann)
    The article provides an overview of a study being considered an investigation of and with actors in art education and orients itself methodically/methodologically on characteristics of phenomenological case research. Subject of the qualitative-empirical study is the experience of various actors involved in teaching in the field of art education, or in the subject of Bildnerisches Gestalten, in the midst of the global state of emergency triggered by the Covid-19 pandemic in spring 2020. The investigation is based on two assumptions: first, that under the pressure of the first pandemic wave, educational formats developed ad hoc and without sound knowledge of e-didactics in the mode of Emergency Remote Teaching (ERT) (Hodges et al. 2020); secondly, that the understandings and approaches that are evident in the art educational activities of the ERT are important for developing a well-founded Remote Art Education. In-depth insights into the study are provided by excerpts from the first of three sub-studies. It is focused on a group discussion with three bachelor students about their first professional internships in aesthetic-educational and socio-cultural fields under lockdown conditions. Drawing on observations from the sub-study, the article sketches initial findings on forms of ERT specific to art education and sheds light on their potential for teaching concepts expanding into the digital and into the distance. Via critical reflection on the methodological approach in the context of this first sub-study, it further examines the selected approaches in terms of how they deal with the specific challenges of research at a distance and under exceptional circumstances – in the mode, so to speak, of Emergency Remote Art Education Research.
  • Assembling sustainable futures – Anticipatory practices and imaginations in art education (Michel Massmünster)
    The future does not just exist. We refer to it through diverse practices, assembling it as an experience in the now. The way we conceive of the future, experience it in the present, and thus also generate it socially, is the result of complex processes of production. However, historical meanings are involved in these processes as well. Based on contemporary practices in art education, I explore powerful configurations of the future in the present: knowledge, material, person and future determine each other interdependently in these processes. Imaginations of future in art education are characterized by the emphasis on their explorative and opening character. Occasionally, especially as regards a universal understanding of sustainability, they also predefine and fixate futures. This eventually leads to a restriction of ways of life in future. Thus, I argue, it is necessary for research and practice, to analyze one’s own involvement in these assembling processes and in the historical meanings associated. In consequence, I propose an understanding of sustainability that is more appropriate to the open, explorative future practices of art education; one which reckons uncertainty and multiplicity, and thereby continuously reinvents itself, reinvents resources, and current as well as future ways of life.
  • An ontology of the present. On the transformation of art educational knowledge (Anna Schürch)
    Curriculum revision projects, such as the current revision of the secondary school (Gymnasium) basis curriculum 2020-22 in Switzerland, call for a review of the content and objectives of the individual subjects and provide an opportunity to reflect on the knowledge within a subject, and the way it changes. How can such change be conceived and how can it be oriented if intended to go beyond the pragmatic framework of an educational policy-motivated revision project, which is characterized by scarce time resources and acute pressure to act? The article builds on Michel Foucault’s ontology of the present and seeks, via according educational-philosophical considerations, a perspective on change that positions itself both critically and self-reflexively; that is not oriented to what are diagnosed to be the great challenges of the future, but engages with what is already present and appears in everyday life. A possibility to grasp and reflect on existing art education knowledge is created. A footnote by Margot Zanni and a questionnaire by Michèle Novak expand the text, rooting the gesture of (self-)critical reflection in the act reading.
  • Being exposed as a lecturer. Proposal for a reflexive positioning of university teaching on the exemplary basis of art pedagogy (Bernadett Settele)
    To reflect on teaching art education "from art" (see Sturm 2011), I select being exposed as a starting point. Being exposed marks a place on the threshold between the critical appreciation of action and its conditions and a perspective that makes it possible to consider its passive aspects (see Settele 2019). In pursuit of the feeling of being exposed, I develop a perspective for feminist art education at master level. Taking interest in powerful addresses, roles and norms as well as in emancipatory pedagogy, I observe, from a theory-driven perspective, how individual and collective subjects of teaching interact with each other from their respective positions in teaching situations, and also what acts on them. To this end, I employ Judith Butler’s feminist concept of the post-sovereign, bound subject, making it the starting point for a reflexive positioning of teaching. This necessitates differentiating how I apply a political-philosophical concept in a non-existential, aesthetic field. As a reflexive concept, being exposed is not to be equated with the stronger concepts of feminist theoretical approaches, such as precariousness or vulnerability (see Butler 2016), or impressionability and susceptibility (see Butler 2014: 177). Situating an exercise on the reception of art in the context of art-pedagogical teacher education provides occasion for reflection on the conditionality of the subjects of teaching. The result is a textual contribution, which asks how art pedagogy educates and what takes effect within it.
  • À propos de la recherche actuelle en pédagogie artistique en Suisse (Ruth Kunz, Gila Kolb)
    Entretien avec Ruth Kunz, octobre 2019. Le symposium «Le regard professionnalisé» a eu lieu en 2019, peu après la publication du volume du même nom. La revue électronique de la SSPA «Art Education Research» est consacrée à la recherche actuelle en pédagogie de l’art en Suisse, et le premier numéro publie un entretien avec Ruth Kunz. L’entretien revient sur ses longues années de pratique et de recherche, son enseignement et le contexte de la recherche en pédagogie de l’art en Suisse alémanique. Le texte met en lumière le potentiel spécifique de la pédagogie de l’art en matière de recherche. Propos recueillis par Gila Kolb.
  • Gestalt et bienformation: Les enfants dessinent des corps spatials (Stefanie Stadler Elmer, Lea Weniger)
    Ce texte présente le cadre théorique de notre étude sur dessiner spatialment dans le contexte de l'école primaire. Nous étudions comment les enfants représentent graphiquement un seul corps spatial. C'est l'un des trois aspects du dessin de la représentation spatiale des enfants. Les autres concernent les relations spatiales entre des objets et l'organisation spatiale globale de l'image. La représentation plate d'un cuboïde sous la forme d'une boîte est un problème de représentation générale pour lequel diverses solutions sont enseignées et pratiquées dans notre culture. Partant d'une épistémologie génétique structurelle, nous nous concentrons sur le processus d'élaboration de solutions par les enfants, sur la façon dont ils emergent dans les études de cas individuelles et vidéographiés – accompagnés par l'enseignant d'une manière adaptative et intuitive. Nous reconstruisons ces processus en détail avec une méthodologie microgénétique. A l'aide d'un exemple, nous montrons empiriquement comment nous appliquons le concept de "bienformation" (Wohlgeformheit) pour décrire l'orientation structurelle vers une "Gestalt" et l'utilisation implicite des systèmes génératifs pour la représentation spatiale.
  • trébucher radicalement pour (dés-) apprendre à voir Comment les «séquences de langage» reflètent-elles l’enseignement? (Judit Villiger)
    Le texte traite de questions concernant l’enseignement. Il analyse ce que les étudiant*es observent et pensent concrètement en situation pédagogique réelle, dans leur rôle transitoire peu avant le stage pratique d’enseignement du Master Art Education. Il n’est pas facile d’avoir une perception consciente et une réflexion active sur la pratique d’enseignement. En dehors de toutes les actions qui se déroulent en parallèle en salle de classe, il faut aussi tenir compte du fait que les visiteurs*euses, par leur seule présence, deviennent également des participant*es. Ce qui se passe en classe peut donc être analysé comme un réseau d’actions individuelles impossibles à appréhender intégralement, quel que soit le point d’observation. La méthode «Sprachstücke» («séquences de langage») est une introduction à des situations pratiques d’enseignement. Elle s’appuie sur l’attitude et la sensibilité artistiques acquises par les étudiant*es au cours de leur formation, pour ensuite développer leur capacité d’observation. Cette démarche attire l’attention sur ce qui est considéré comme allant de soi, notamment dans les processus les plus courants. La méthode des «Sprachstücke» invite les étudiant*es à traduire en leurs propres termes ce genre d’observations à la fois quotidiennes et insolites. En fonction de l’intérêt manifesté par les étudiant*es, l’article décrit à titre d’exemple comment une étudiante réagit à l’enseignement en reprenant une «séquence de langage» du T-shirt d’un élève. Les objectifs du projet sont: (a) développer une perception active de l’enseignement, c’est-à-dire apprendre à voir, (b) désapprendre à voir par la réflexion et la révision, (c) afin de rendre ce processus intelligible pour soi-même et pour les autres, et de le transposer dans un univers linguistique au moyen de la sensibilité artistique.
  • Flight of Riddles – Thinking Through the Difficult Legacy of Progressive Art Education in Austria (Karin Schneider, Andrea Hubin)
    Andrea Hubin and Karin Schneider’s contribution gives an insight into their explorations of Austrian art education’s difficult legacy. Reflecting on the boundaries, aversions, distortions, interru...
  • Pratiques éphémères. Le projet de recherche "The Art Educator's Walk" – Agir et attitude des médiatrices et médiateurs en art contemporain à l’exemple de l’exposition documenta 14 à Kassel (Gila Kolb)
    Comment les médiateurs d'art peuvent-ils créer une situation dans laquelle l'art contemporain peut être médiatisé ? Quelle attitude développent-ils à l'égard de leurs activités de médiation artistique ? Quelles sont les stratégies qu'ils développent ? Lors de l'exposition documenta 14 (2017), dans le cadre du projet de recherche "The Art Educator's Walk - Action and Attitude of Contemporary Art Mediators using the example of the major exhibition documenta 14 in Kassel", 20 "promenades" de 10 "choristes" (médiateurs artistiques de la documenta 14) ont été accompagnées et interviewées sur ces questions. Le projet de recherche a exploré la pratique per se éphémère de la médiation artistique dans les expositions d'art dans le cadre d'un projet de recherche à l'Institut Pratiques et Théories des Arts de la BUA Berne, avec la thèse que la médiation artistique se pratique à partir d'une attitude. Après une argumentation biographique du "milieu", cet article présente d'abord la situation historique de la documenta et de sa médiation. Les concepts et les contextes de l'éducation artistique à la documenta 14, en particulier le désapprentissage, ont constitué le cadre d'action des choristes interviewés et accompagnés. Un aperçu du cadre qualitatif et empirique de l'acquisition de données sous la forme d'une observation participative de la pratique de la médiation artistique avec des groupes de visiteurs de la documenta 14 reflète le contexte de l'acquisition de données. Dans le cadre de trois "expéditions", qui analysent les premières phrases d'une promenade, le dilemme de la connaissance et la médiation de l'art en tant qu'œuvre, le matériel obtenu est présenté et discuté de manière exemplaire.
  • For­ma­tion of taste as «do­ing na­tion»: ob­ser­va­tions while tak­ing a break (Carmen Mörsch)
    This text documents thoughts – on the formation of taste as a hegemonial practice of nation building, on taste and distinction and on the author's own habitus – developed during repeated visits to ...
  • The taste of an­oth­er pos­si­bil­i­ty (Elke Smodics-Kuscher, Nora Sternfeld, Büro trafo. K)
    We would like to trace the oscillating logic of taste from a perspective of educational practice. How can this logic be understood, between the normalizing production of certainties on the one han...
  • How art schools ex­clude and nor­mal­ize (Philippe Saner)
    Re­flec­tions based on a par­tic­i­pa­tive re­search process Based on experiences in the participative co-research-process of Art.School.Differences, an ongoing research and development project at ...
  • Not for the im­pa­tient: (Carmen Mörsch)
    the sketch of a his­to­ry of con­flict­ing ideas and po­lit­i­cal trends in ac­tion re­search The text provides an outline of the history of action research from its beginnings in the 1920s up unti...
  • «Ma­te­r­i­al Mem­o­ry» and Post­mi­grant So­ci­ety (Jonas Bürgi)
    Pro­pos­als for col­lec­tion de­vel­op­ment and in­ter­pre­ta­tion at the Swiss Na­tion­al Mu­se­um National Museums claim authority in defining ‚cultural heritage’. Migration histories, as relativ...
  • What Emerges in the Si­lence of … (Hong-Kai Wang)
    In universities, there are various referents of knowledge. They are usually embedded in social forms of power relation in precluding rather than opening up other knowledges to us. Using ‘listening’...
  • Un­writ­ing the Body (Fouad Asfour)
    Based on my lecture at Un_University platform in April 2016, this text is a collection of fragments from an ongoing practice of unwriting the body as deschooling option, drawing on Walter Mignolo’...
  • Questions of Inside and Outside – resolved in the utopia of communal,[1] anti-hegemonic knowledge production (Die „Universität der Ignorant_innen“)
    Everyone is ‘ignorant’ as long as marginalized knowledge is ignored, as long as knowledge is produced without critical reflection on its dimension of power. Knowledge production is linked to viole...
  • The An­ti-​Lec­ture Mul­ti_Verse (Jamika Ajalon)
    (un­re­hearsed) I aim to explore the ways in which artistic practice, academic research, and the blending of multilayered narratives destabilizes traditional, hegemonic sagacity, and static structu...
  • Every­one has to learn every­thing, or: emo­tion­al la­bor (Nana Adusei-Poku)
    “Everyone has to learn everything, or: emotional labor” is a reflection of the action-based research project “WdKA makes a difference” which took place between 2015 and 2017 at the Willem de Kooni...
  • Read across and talk back (Sabine Gebhardt Fink, Nora Landkammer, Anna Schürch)
    A di­a­logue on per­fo­mance the­o­ry and gallery ed­u­ca­tion Based on Judith Butler's definition of the performative act as an action that has to be constantly repeated and socially legitimized, ...
  • Agency at the mar­gins of pow­er (Andrea Hubin)
    Lo­cat­ing a gallery ed­u­ca­tion that op­er­ates with con­cepts of per­for­ma­tiv­i­ty Why is gallery education interested in performativity? Between fights for recognition, reflection on one’s ow...
  • Per­form­ing the ed­u­ca­tor (Bernadett Settele)
    What if we think of mediation not as a tool for the frictionless transportation of information but as a vehicle of transformation? How can art educators obtain a certain (different) kind of facult...
  • How speech­less­ness can lead to ac­tion (Julia Draxler)
    The article asks the question, if not only «talking about art» but also «acting to art» is possible and usefull in art education. Artworks should not only be discussed in a rational way, but also ...
  • Gallery ed­u­ca­tion – per­for­mance – the dif­fer­end (Carmen Mörsch, Eva Sturm)
    The paper is based on an introductory talk given at the conference Perfoming the Museum as a Public Sphere at Kunstmuseum Lentos, Linz, in April 2008. It parts from Charles Garoian’s thesis that a...
  • Whether we like it or not (Agnieszka Czejkowska)
    Cul­tur­al ed­u­ca­tion and re­search based on ex­ter­nal fundsUniversities, research and non-profit institutions have their dependence on external funds in common. Agnieszka Czejkowska's article d...
  • Aes­thet­ic Learn­ing in Ur­ban Space – On­go­ing Syn­the­ses of Prac­tice and The­o­ry (Wolfgang Zacharias)
    Wolfgang Zacharias’ contribution shows his interest in aesthetic and urban learning in the context of «Cultural Education 2.0». The text encompasses the experimental educational activities in publ...
  • Do it yourself und Radikal Crafting. Wie radikal ist die Handarbeit? Zu Geschichte und Aktualität von Do it yourself-Strategien in Aktivismus und Kunst. (Sonja Eismann)
    Sonja Eismann zeigt in ihrem Beitrag die Geschichte und Aktualität von Do-it-yourself-Strategien in Aktivismus und Kunst auf. Sie geht der Frage der Etablierung dieser Gegenkultur nach, die sich An...
  • Em­pow­er­ment as a strat­e­gy of ac­tion against racism (Žaklina Mamutovič)
    Current antiracist education in Germany is mostly directed towards members of the majority society and conceived in their perspective. In practice, perspectives of minority member or People of Colo...
  • Refugees as «ma­te­r­i­al» for art projects? (Das AntikultiAtelier)
    An­ti­kul­ti­Ate­lier We are a group of people living in Switzerland and working on asylum and migration policies, racism and representation: many of us as refugees, others as migrants or Swiss. In...
  • «In­te­gra­tion as An­ti-​Re­flec­tive Coat­ing» (Judith Rahner, Nicola Lauré al-Samarai)
    Con­sid­er­ing His­tor­i­cal-​Po­lit­i­cal Ed­u­ca­tion and Mem­o­ry Work with Young Peo­ple of Col­or in Ger­many Dominant debates on so-called Holocaust-education in the migration society not onl...
  • (Un)learn­ing Taste in the every­day (at school) (Danja Erni)
    How does my taste influence my teaching? Why, as a teacher, it almost slightly offends me if the sovereignty of my «good» (qua «educated») taste is challenged by the aesthetical preferences of stu...
  • Counter/Act­ing: Per­for­ma­tive Poros­i­ty (Elke Krasny)
    Based on Counter/Acting, a symposium at the Institute for Education in the Arts at Vienna’s Academy of Fine Arts in cooperation with Kunsthalle Wien, this text opens up links between possible acti...
  • The Liv­ing School (Brandon LaBElle)
    The Living School was held in London from February to June 2016 in collaboration with the South London Gallery and taking place at a range of venues in the city. Focusing on the issues of social ho...
  • Mu­se­um of Burn­ing Ques­tions (Nora Sternfeld)
    Negotiating with reality at the Bergen Assembly 2016 Are exhibition contexts places of refuge for critical teaching and learning, precursors of their total economization, or both? And what does thi...
  • Stimm­los 2 – Re­hearsal (Simon Harder)
    Stimmlos (voiceless/unvoiced/voting ticket), a series of experimental sound pieces and a work-in-progress, is based on and centred around artworks, giving rise to compact images in space and langua...
  • Mediation of Realities: The Society of Friends of Halit (Ayşe Güleç)
    Carried out as part of documenta 14 in Kassel, The Society Friends of Halit focused on the crimes of the National Socialist Underground (NSU) and its belated prosecution. Though it received overwh...
  • ‘Natural Art Education’  – On Biologisms in Art Educational Discourse (Anna Schürch)
    In her contribution on the history of her discipline, Anna Schürch explores how biologicistic argumentative figures have shaped the thinkable and sayable in the context of German-language art educa...
  • Pratiques éphémères. Le projet de recherche "The Art Educator's Walk" – Agir et attitude des médiatrices et médiateurs en art contemporain à l’exemple de l’exposition documenta 14 à Kassel (Gila Kolb)
    Comment les médiateurs d'art peuvent-ils créer une situation dans laquelle l'art contemporain peut être médiatisé ? Quelle attitude développent-ils à l'égard de leurs activités de médiation artistique ? Quelles sont les stratégies qu'ils développent ? Lors de l'exposition documenta 14 (2017), dans le cadre du projet de recherche "The Art Educator's Walk - Action and Attitude of Contemporary Art Mediators using the example of the major exhibition documenta 14 in Kassel", 20 "promenades" de 10 "choristes" (médiateurs artistiques de la documenta 14) ont été accompagnées et interviewées sur ces questions. Le projet de recherche a exploré la pratique per se éphémère de la médiation artistique dans les expositions d'art dans le cadre d'un projet de recherche à l'Institut Pratiques et Théories des Arts de la BUA Berne, avec la thèse que la médiation artistique se pratique à partir d'une attitude. Après une argumentation biographique du "milieu", cet article présente d'abord la situation historique de la documenta et de sa médiation. Les concepts et les contextes de l'éducation artistique à la documenta 14, en particulier le désapprentissage, ont constitué le cadre d'action des choristes interviewés et accompagnés. Un aperçu du cadre qualitatif et empirique de l'acquisition de données sous la forme d'une observation participative de la pratique de la médiation artistique avec des groupes de visiteurs de la documenta 14 reflète le contexte de l'acquisition de données. Dans le cadre de trois "expéditions", qui analysent les premières phrases d'une promenade, le dilemme de la connaissance et la médiation de l'art en tant qu'œuvre, le matériel obtenu est présenté et discuté de manière exemplaire.
  • Ac­ti­vat­ing the Dis­play (Karin Schneider)
    The­ses from the Re­search Project „sci­ence with all sens­es – sci­ence and gen­der in the mak­ing“ The following theses are based on the research project „science with all senses – science and ge...
  • What are we do­ing here? (Claus Melter)
    Re­flec­tions on bar­ri­ers and dis­crim­i­na­tion in ed­u­ca­tion­al in­sti­tu­tions This text is concerned with self-reflexivity in institutions regarding the critique of barriers and discriminat...
  • Cy­borg Ex­its in the Class­room (Doris Arztmann, Eva Egermann)
    Body-​het­eroglos­sia and crip tools for dirty knowl­edges in art teach­ing Choosing the form of an email-conversation, Doris Arztmann and Eva Egermann discuss their workshop Body-Heteroglossia – u...
  • En­ab­ling ques­ti­ons (Ursula Ulrich)
    The text retraces how studying the theatrical design workshop «role kids» with primary school children from Lucerne turned into a challenging expedition. Ulrich shows how team-based action researc...
  • Nanna Lüth ()
    Art | A Crit­i­cal Per­spec­tive on Racism | Art Ed­u­ca­tion On Fragili­ty and Re­sis­tance to edit this issue of Art Education Research that focuses on the challenges related to work in art and a...
  • Ped­a­gogy for Democ­ra­cy. Art/Ed­u­ca­tion against Racism (Nanna Lüth)
    In her editorial, Nanna Lüth connects the issue of partiality within the field of critical art education to discussions about the notion of controversy in political pedagogy. Art education, she po...
  • Déplacements dans l’espace – le "displacement" scolaire en tant que démarche critique (Margot Zanni)
    Comment réfléchir à l’impact implicite des espaces scolaires, tout en participant à l’expérience de la constitution d’un «espace autre»? L’article traite des pratiques de déplacement, de variation ou de glissement dans l’espace. Il aborde en particulier la notion de «displacement» en tant que stratégie donnant à voir les effets des espaces scolaires, en présentant un ensemble hétérogène d’études de cas. Le texte revisite la démarche de Christiane Brohl et son concept de «displacement» comme stratégie artistique et pédagogique. Le cadre théorique de l’hétérotopie proposé par cette auteure est discuté à la lumière d’autres réceptions, pour aboutir à une méthodologie qui est ensuite illustrée à l’aide du séminaire «Lernen am/als/durch Raum» («Apprendre dans/comme/par l’espace»). Cette réflexion méthodologique est complétée par une analyse des infractions aux règles (tricheries) fréquentes en milieu scolaire. En tant que rupture hétérotopique de l’ordre scolaire, la tricherie a servi de modèle pour élaborer l’approche du séminaire. Ce séminaire à l’intention des étudiant*es en pédagogie artistique s’est déroulé dans le cadre d’une utilisation transitoire des salles vides de l’ancienne Villa Bellerive. Le point de départ du processus d’organisation des espaces a été une recherche artistique sur des bâtiments scolaires dont la construction remonte à différentes époques historiques. En transposant de manière situationnelle les résultats de cette recherche au contexte des salles de la villa, il a été possible de faire ressortir et d’analyser une série d’aspects des espaces scolaires, que ce soit sur le mode de l’analogie ou du contraste. Dans la perspective des futures activités d’enseignement des participant*es, il s’agissait de créer l’expérience d’une intervention créative, destinée à contrecarrer dans une certaine mesure l’effet de la standardisation des mises en scènes scolaires.
  • «Poor images» — À propos des «copies in motion» et des endroits où les trouver (Helena Schmidt)
    La contribution «Poor images» — À propos des «copies in motion» et des endroits où les trouver traite du terme «poor images» (selon Hito Steyerl, 2009) et situe le concept dans la pratique de la médiation artistique contemporaine. Il s’agit de poser un regard critique sur Internet et ses nouveaux phénomènes et pratiques en lien avec l’image. La notion de «poor images» est discutée sous l’angle de son potentiel pour notre pratique de l’image à l’ère post-numérique.
  • trébucher radicalement pour (dés-) apprendre à voir Comment les «séquences de langage» reflètent-elles l’enseignement? (Judit Villiger)
    Le texte traite de questions concernant l’enseignement. Il analyse ce que les étudiant*es observent et pensent concrètement en situation pédagogique réelle, dans leur rôle transitoire peu avant le stage pratique d’enseignement du Master Art Education. Il n’est pas facile d’avoir une perception consciente et une réflexion active sur la pratique d’enseignement. En dehors de toutes les actions qui se déroulent en parallèle en salle de classe, il faut aussi tenir compte du fait que les visiteurs*euses, par leur seule présence, deviennent également des participant*es. Ce qui se passe en classe peut donc être analysé comme un réseau d’actions individuelles impossibles à appréhender intégralement, quel que soit le point d’observation. La méthode «Sprachstücke» («séquences de langage») est une introduction à des situations pratiques d’enseignement. Elle s’appuie sur l’attitude et la sensibilité artistiques acquises par les étudiant*es au cours de leur formation, pour ensuite développer leur capacité d’observation. Cette démarche attire l’attention sur ce qui est considéré comme allant de soi, notamment dans les processus les plus courants. La méthode des «Sprachstücke» invite les étudiant*es à traduire en leurs propres termes ce genre d’observations à la fois quotidiennes et insolites. En fonction de l’intérêt manifesté par les étudiant*es, l’article décrit à titre d’exemple comment une étudiante réagit à l’enseignement en reprenant une «séquence de langage» du T-shirt d’un élève. Les objectifs du projet sont: (a) développer une perception active de l’enseignement, c’est-à-dire apprendre à voir, (b) désapprendre à voir par la réflexion et la révision, (c) afin de rendre ce processus intelligible pour soi-même et pour les autres, et de le transposer dans un univers linguistique au moyen de la sensibilité artistique.
  • reise zum :) (Helen Stefanie)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • «Poor images» — À propos des «copies in motion» et des endroits où les trouver (Helena Schmidt)
    La contribution «Poor images» — À propos des «copies in motion» et des endroits où les trouver traite du terme «poor images» (selon Hito Steyerl, 2009) et situe le concept dans la pratique de la médiation artistique contemporaine. Il s’agit de poser un regard critique sur Internet et ses nouveaux phénomènes et pratiques en lien avec l’image. La notion de «poor images» est discutée sous l’angle de son potentiel pour notre pratique de l’image à l’ère post-numérique.
  • reise zum :) (Helen Stefanie)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • «Poor images» — À propos des «copies in motion» et des endroits où les trouver (Helena Schmidt)
    La contribution «Poor images» — À propos des «copies in motion» et des endroits où les trouver traite du terme «poor images» (selon Hito Steyerl, 2009) et situe le concept dans la pratique de la médiation artistique contemporaine. Il s’agit de poser un regard critique sur Internet et ses nouveaux phénomènes et pratiques en lien avec l’image. La notion de «poor images» est discutée sous l’angle de son potentiel pour notre pratique de l’image à l’ère post-numérique.
  • From The­o­ry in­to Prac­tice – Re­search and Trans­for­ma­tion (Dolores Smith)
    The research project to which this text refers was based on the challenge to provide conditions for equal access to arts education for children and young people placed at a disadvantage - especiall...
  • Ac­ti­vat­ing the Dis­play (Karin Schneider)
    The­ses from the Re­search Project „sci­ence with all sens­es – sci­ence and gen­der in the mak­ing“ The following theses are based on the research project „science with all senses – science and ge...
  • The vis­i­tors are miss­ing. Which vis­i­tors? (Nora Landkammer)
    A re­flex­ion on the Sym­po­sium KUN­ST [auf] FÜHREN The text parts from critique expressed by participants of the symposium KUNST[auf] FÜHREN in Kassel in June 2009: We had been talking about gall...
  • Art School with mi­gra­tion back­ground (Catrin Seefranz)
    Pre­lim­i­nary thoughts based on a study of in­equal­i­ty in the field of the art school Based on the results of the project making differences which deals with social injustice in the field of Swi...
  • Refugees as «ma­te­r­i­al» for art projects? (Das AntikultiAtelier)
    An­ti­kul­ti­Ate­lier We are a group of people living in Switzerland and working on asylum and migration policies, racism and representation: many of us as refugees, others as migrants or Swiss. In...
  • The com­plex task of self-​chang­ing (Büro trafo. K)
    Prac­tices and ques­tions in ed­u­ca­tion­al projects in mi­gra­tion so­ci­ety Nine years ago we called one of our ambitious educational programs a «guide to self-emancipation». The title had an ir...
  • How art schools ex­clude and nor­mal­ize (Philippe Saner)
    Re­flec­tions based on a par­tic­i­pa­tive re­search process Based on experiences in the participative co-research-process of Art.School.Differences, an ongoing research and development project at ...
  • Teach­ing the world to the arts (Wanda Wieczorek)
    Many cultural institutions today find themselves in a dilemma: On the one hand, programming should, and wants, to reach as many people as possible – especially young people, and particularly those...
  • Unterrichtssprache - Working Language (Marlene Lahmer)
    The choice of a working language influences the content and type of discussions and creates in and out groups. At an art university in the German-speaking world, should one speak English due to the...
  • What Emerges in the Si­lence of … (Hong-Kai Wang)
    In universities, there are various referents of knowledge. They are usually embedded in social forms of power relation in precluding rather than opening up other knowledges to us. Using ‘listening’...
  • Every­one has to learn every­thing, or: emo­tion­al la­bor (Nana Adusei-Poku)
    “Everyone has to learn everything, or: emotional labor” is a reflection of the action-based research project “WdKA makes a difference” which took place between 2015 and 2017 at the Willem de Kooni...
  • Sown by Scat­ter­ing: Re­flec­tions on an Un­re­al­ized Com­mis­sion for an Artis­tic Project at an Asy­lum Cen­ter (Pascal Schwaighofer)
    What are the implications of a commissioned monument that envisages a participatory process between an artist and the inhabitants of an asylum center? From defining the context and identifying the ...
  • Challenges of a Disciplinary Anchorage – Questions Addressed at Art Education (Anna Schürch, Sophie Vögele)
    The article investigates the contradictions associated with the formation and institutionalization of academic disciplines, and explores the anchoring of art education as a discipline in tertiary education. The text thus pursues an attempt to provide a conceptual framework for the further development of art education and its disciplining in Switzerland. From their different institutional and research positions, the authors negotiate disciplinary and institutional relationships in the writing process itself. Thereby, interdisciplinarity as a characteristic of art education is essential to the undertaking and raises a number of questions: to what extent is a distinction from reference disciplines possible by disciplining art education as interdisciplinary? And how can the dichotomy that to a great extent characterizes the understanding of art education be overcome? What does an inquiring self-understanding entail and how can the lack of a disciplines tradition in this subject be dealt with? How big of a part do institutional structures play and what is the role of self-reflection in the process of stabilization?
  • Challenges of a Disciplinary Anchorage – Questions Addressed at Art Education (Anna Schürch, Sophie Vögele)
    The article investigates the contradictions associated with the formation and institutionalization of academic disciplines, and explores the anchoring of art education as a discipline in tertiary education. The text thus pursues an attempt to provide a conceptual framework for the further development of art education and its disciplining in Switzerland. From their different institutional and research positions, the authors negotiate disciplinary and institutional relationships in the writing process itself. Thereby, interdisciplinarity as a characteristic of art education is essential to the undertaking and raises a number of questions: to what extent is a distinction from reference disciplines possible by disciplining art education as interdisciplinary? And how can the dichotomy that to a great extent characterizes the understanding of art education be overcome? What does an inquiring self-understanding entail and how can the lack of a disciplines tradition in this subject be dealt with? How big of a part do institutional structures play and what is the role of self-reflection in the process of stabilization?
  • 3 Questions (Barnaby Drabble)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • From The­o­ry in­to Prac­tice – Re­search and Trans­for­ma­tion (Dolores Smith)
    The research project to which this text refers was based on the challenge to provide conditions for equal access to arts education for children and young people placed at a disadvantage - especiall...
  • Flic Flac* - Feministische Materialien für den Kunstunterricht. (Elke Smodics-Kuscher, Nora Sternfeld, Büro trafo. K)
    Flic Flac* – Fe­mi­nis­ti­sche Ma­te­ria­li­en für den Kunstun­ter­richt. Mit Flic Flac* versuchen Elke Smodics-Kuscher und Nora Sternfeld vom Büro trafo.K sich den Kodierungen, Fallstricken und Wi...
  • Materialien zum Selbststudium (Danja Erni, Nora Landkammer, Anna Schürch, Bernadett Settele)
    Die Materialien zum Selbststudium sind mit dem Ziel konzipiert, eine Diskussions- und Wissensbasis zu den Themen «queer» und «Do it yourself» im Kunstunterricht zur Verfügung zu stellen. Sie beschä...
  • Em­pow­er­ment as a strat­e­gy of ac­tion against racism (Žaklina Mamutovič)
    Current antiracist education in Germany is mostly directed towards members of the majority society and conceived in their perspective. In practice, perspectives of minority member or People of Colo...
  • Priorités de recherche didactique en pédagogie de l’art au jardin d’enfants. Enquête à l’interface de la discipline scientifique, de l’enseignement et de la méthodologie de recherche en sciences sociales (Dr. des. Anja Morawietz)
    Cet article traite de l’interface entre la discipline scientifique, l’enseignement et la méthodologie de recherche en sciences sociales dans le cadre de la pédagogie de l’art et de la recherche didactique au jardin d’enfants. Le texte présente d’abord les questions qui se posent en pédagogie de l’art au jardin d’enfants. Il passe ensuite aux raisons qui justifient les méthodes scientifiques systématiques ainsi que la recherche esthétique ou artistique en pédagogie de l’art. Une étude intitulée «Dessiner comme opportunité pédagogique au jardin d’enfants. Comment les enfants de 5 à 6 ans réagissent lorsqu’on leur demande de dessiner d’après des objets ou des scènes» démontre l’efficacité des méthodes de recherche qualitatives-empiriques en pédagogie de l’art. Cette étude présente la méthode de la vidéographie qui, dans sa version adaptée, correspond parfaitement aux questions et aux objets esthétiques de la recherche en pédagogie de l’art. L’étude brièvement résumée ici cherche à savoir dans quelle mesure les jeunes enfants s’intéressent au dessin d’après un modèle dans un cadre scolaire. Elle étudie la réaction des enfants aux injonctions didactiques, et identifie les opportunités formatrices qui en découlent. Il apparaît que la vidéographie est parfaitement adaptée à l’observation, à la description et à l’analyse de la pratique créative en milieu scolaire, avec ses modalités d’enseignement, ses processus d’apprentissage et ses méthodes pédagogiques. Les Hautes écoles pédagogiques suisses disposent de connaissances solides dans le domaine des méthodes systématiques en sciences de l’éducation et en sciences sociales. Il serait souhaitable de favoriser les synergies entre les sciences de l’éducation, les sciences sociales et la didactique des différentes disciplines. L’introduction du Joint Master en didactique des arts à la HEP de Zurich offre désormais l’opportunité d’aborder les questions d’enseignement artistique pour tous les niveaux scolaires à l’aide des méthodes de recherche courantes dans le cadre d’un mémoire de Master.
  • Challenges of a Disciplinary Anchorage – Questions Addressed at Art Education (Anna Schürch, Sophie Vögele)
    The article investigates the contradictions associated with the formation and institutionalization of academic disciplines, and explores the anchoring of art education as a discipline in tertiary education. The text thus pursues an attempt to provide a conceptual framework for the further development of art education and its disciplining in Switzerland. From their different institutional and research positions, the authors negotiate disciplinary and institutional relationships in the writing process itself. Thereby, interdisciplinarity as a characteristic of art education is essential to the undertaking and raises a number of questions: to what extent is a distinction from reference disciplines possible by disciplining art education as interdisciplinary? And how can the dichotomy that to a great extent characterizes the understanding of art education be overcome? What does an inquiring self-understanding entail and how can the lack of a disciplines tradition in this subject be dealt with? How big of a part do institutional structures play and what is the role of self-reflection in the process of stabilization?
  • Apprendre entre le réel et le possible – le projet de développement interdisciplinaire AMAMuG (Lukas Bardill, Sabine Bietenhader)
    AMAMuG est un projet de développement interdisciplinaire et interinstitutionnel qui s’est déroulé du 1er avril 2018 au 1er août 2019. L’acronyme se réfère au titre du projet: «Archäologische Mustergrabung und Archäologisches Museum für Gegenwart» [«Fouillles archéologiques pédagogiques et Musée d’archéologie contemporaine»]. Le projet était dirigé par une enseignante en sciences humaines et sociales, et un enseignant en arts visuels, tous deux chargés de cours à la Haute école pédagogique des Grisons, et qui sont aussi les auteur*es de l’article. Le projet a été développé et mis en œuvre en coopération avec le Service archéologique du canton des Grisons, le service de médiation artistique du Musée rhétique et deux classes du degré primaire. L’objectif était de créer une séquence pédagogique pour le 2e cycle (5e année primaire). La séquence permet aux élèves de découvrir les outils de la pratique archéologique, afin de comprendre comment reconstruire et déconstruire l’histoire de la région. Les objets exposés au Musée d’archéologie contemporaine se rapportent à la vie quotidienne des enfants. Le travail créatif sur des objets apportés par les élèves leur permet d’en accélérer le vieillissement ou la fossilisation, ce qui est le point de départ d’une perception historique et muséale de ces objets. Notre approche interdisciplinaire vise à étudier dans quelle mesure les enfants du degré primaire parviennent à un jugement critique et émancipé des informations qui leur sont proposées, qu’elles soient institutionnelles ou alternatives. Le projet examine donc la capacité des enfants à reconstruire les contextes historiques (objets historiques), à construire des scénarios plausibles (artéfacts) et finalement à déconstruire les différentes dimensions. L’article se conclut par un dialogue entre l’historienne et le pédagogue des arts, à propos des apports générés par la démarche interdisciplinaire du projet AMAMuG pour les disciplines scolaires impliquées.
  • Response-Ability: Dringende Fragen in der künstlerische Praxis, Forschung und Lehre (Jacqueline Baum)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Humus (Christiane Hamacher)
    Nicht übersetzt
  • reise zum :) (Helen Stefanie)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • 3 FRAGEN AN ... Konstanze Schütze (Konstanze Schütze)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • «Poor images» — À propos des «copies in motion» et des endroits où les trouver (Helena Schmidt)
    La contribution «Poor images» — À propos des «copies in motion» et des endroits où les trouver traite du terme «poor images» (selon Hito Steyerl, 2009) et situe le concept dans la pratique de la médiation artistique contemporaine. Il s’agit de poser un regard critique sur Internet et ses nouveaux phénomènes et pratiques en lien avec l’image. La notion de «poor images» est discutée sous l’angle de son potentiel pour notre pratique de l’image à l’ère post-numérique.
  • Priorités de recherche didactique en pédagogie de l’art au jardin d’enfants. Enquête à l’interface de la discipline scientifique, de l’enseignement et de la méthodologie de recherche en sciences sociales (Dr. des. Anja Morawietz)
    Cet article traite de l’interface entre la discipline scientifique, l’enseignement et la méthodologie de recherche en sciences sociales dans le cadre de la pédagogie de l’art et de la recherche didactique au jardin d’enfants. Le texte présente d’abord les questions qui se posent en pédagogie de l’art au jardin d’enfants. Il passe ensuite aux raisons qui justifient les méthodes scientifiques systématiques ainsi que la recherche esthétique ou artistique en pédagogie de l’art. Une étude intitulée «Dessiner comme opportunité pédagogique au jardin d’enfants. Comment les enfants de 5 à 6 ans réagissent lorsqu’on leur demande de dessiner d’après des objets ou des scènes» démontre l’efficacité des méthodes de recherche qualitatives-empiriques en pédagogie de l’art. Cette étude présente la méthode de la vidéographie qui, dans sa version adaptée, correspond parfaitement aux questions et aux objets esthétiques de la recherche en pédagogie de l’art. L’étude brièvement résumée ici cherche à savoir dans quelle mesure les jeunes enfants s’intéressent au dessin d’après un modèle dans un cadre scolaire. Elle étudie la réaction des enfants aux injonctions didactiques, et identifie les opportunités formatrices qui en découlent. Il apparaît que la vidéographie est parfaitement adaptée à l’observation, à la description et à l’analyse de la pratique créative en milieu scolaire, avec ses modalités d’enseignement, ses processus d’apprentissage et ses méthodes pédagogiques. Les Hautes écoles pédagogiques suisses disposent de connaissances solides dans le domaine des méthodes systématiques en sciences de l’éducation et en sciences sociales. Il serait souhaitable de favoriser les synergies entre les sciences de l’éducation, les sciences sociales et la didactique des différentes disciplines. L’introduction du Joint Master en didactique des arts à la HEP de Zurich offre désormais l’opportunité d’aborder les questions d’enseignement artistique pour tous les niveaux scolaires à l’aide des méthodes de recherche courantes dans le cadre d’un mémoire de Master.
  • Priorités de recherche didactique en pédagogie de l’art au jardin d’enfants. Enquête à l’interface de la discipline scientifique, de l’enseignement et de la méthodologie de recherche en sciences sociales (Dr. des. Anja Morawietz)
    Cet article traite de l’interface entre la discipline scientifique, l’enseignement et la méthodologie de recherche en sciences sociales dans le cadre de la pédagogie de l’art et de la recherche didactique au jardin d’enfants. Le texte présente d’abord les questions qui se posent en pédagogie de l’art au jardin d’enfants. Il passe ensuite aux raisons qui justifient les méthodes scientifiques systématiques ainsi que la recherche esthétique ou artistique en pédagogie de l’art. Une étude intitulée «Dessiner comme opportunité pédagogique au jardin d’enfants. Comment les enfants de 5 à 6 ans réagissent lorsqu’on leur demande de dessiner d’après des objets ou des scènes» démontre l’efficacité des méthodes de recherche qualitatives-empiriques en pédagogie de l’art. Cette étude présente la méthode de la vidéographie qui, dans sa version adaptée, correspond parfaitement aux questions et aux objets esthétiques de la recherche en pédagogie de l’art. L’étude brièvement résumée ici cherche à savoir dans quelle mesure les jeunes enfants s’intéressent au dessin d’après un modèle dans un cadre scolaire. Elle étudie la réaction des enfants aux injonctions didactiques, et identifie les opportunités formatrices qui en découlent. Il apparaît que la vidéographie est parfaitement adaptée à l’observation, à la description et à l’analyse de la pratique créative en milieu scolaire, avec ses modalités d’enseignement, ses processus d’apprentissage et ses méthodes pédagogiques. Les Hautes écoles pédagogiques suisses disposent de connaissances solides dans le domaine des méthodes systématiques en sciences de l’éducation et en sciences sociales. Il serait souhaitable de favoriser les synergies entre les sciences de l’éducation, les sciences sociales et la didactique des différentes disciplines. L’introduction du Joint Master en didactique des arts à la HEP de Zurich offre désormais l’opportunité d’aborder les questions d’enseignement artistique pour tous les niveaux scolaires à l’aide des méthodes de recherche courantes dans le cadre d’un mémoire de Master.
  • From The­o­ry in­to Prac­tice – Re­search and Trans­for­ma­tion (Dolores Smith)
    The research project to which this text refers was based on the challenge to provide conditions for equal access to arts education for children and young people placed at a disadvantage - especiall...
  • How speech­less­ness can lead to ac­tion (Julia Draxler)
    The article asks the question, if not only «talking about art» but also «acting to art» is possible and usefull in art education. Artworks should not only be discussed in a rational way, but also ...
  • A kind of punk rock, teaching machine. Queer-feministische Zines im Kunstunterricht. (Elke Zobl)
    Elke Zobel stellt Zines als eine Alternative zu den Mainstream-Medien vor, die die Möglichkeit und das Potential vielfältiger Selbstrepräsentation, des Ausdrucks anderer Seiten des Selbst und der H...
  • Crit­i­cal White­ness in Ped­a­gog­i­cal Prac­tice -​ (Regina Richter, Claude Preetz)
    how to deal with one’s own role as a white teacher in a critical perspective on racism? Background text for a workshop The paper aims to encourage a critical reflection on the privileged position o...
  • Lost in edu­ca­ti­on? Kul­Tür auf! (Ahmed Shah, Nils Erhard)
    «We don’t want inclusion, nor participation, nor integration, what we want is SELF emancipation» (from Schwarzkopf BRD, JugendtheaterBüro Berlin). The paper, based on experiences from the work of ...
  • «In­te­gra­tion as An­ti-​Re­flec­tive Coat­ing» (Judith Rahner, Nicola Lauré al-Samarai)
    Con­sid­er­ing His­tor­i­cal-​Po­lit­i­cal Ed­u­ca­tion and Mem­o­ry Work with Young Peo­ple of Col­or in Ger­many Dominant debates on so-called Holocaust-education in the migration society not onl...
  • AUS MIT RAUS (Eva Lausegger)
    or AM I RACIST? The text deals with an intent to deport a student at our school, the protest movement that mobilized against the deportation, and an art project with students from several courses o...
  • En­gage­ment and vis­i­bil­i­ty. Who ben­e­fits? (Henrike Plegge)
    Work­ing with young mi­grants in gallery ed­u­ca­tion and ex­hi­bi­tions In her paper, Henrike Plegge discusses different forms of participation and visibility of young migrants in a gallery educat...
  • Who hears as I do and to whom do I be­long? (Dorothee Barth)
    About the no­tion of cul­tur­al iden­ti­ty in the con­text of an (in­ter­cul­tur­al) mu­sic ed­u­ca­tion This paper discusses the question, how the «Intercultural Music Education» can contribute to...
  • How does school in­vest in the screen? (Simon Harder)
    In­Vis­i­bil­i­ties and so­cio-​po­lit­i­cal re­spon­si­bil­i­ty of art ed­u­ca­tion This article argues out of a queer-feminist perspective why an understanding of visibility is to be considered p...
  • From The­o­ry in­to Prac­tice – Re­search and Trans­for­ma­tion (Dolores Smith)
    The research project to which this text refers was based on the challenge to provide conditions for equal access to arts education for children and young people placed at a disadvantage - especiall...
  • Ac­ti­vat­ing the Dis­play (Karin Schneider)
    The­ses from the Re­search Project „sci­ence with all sens­es – sci­ence and gen­der in the mak­ing“ The following theses are based on the research project „science with all senses – science and ge...
  • How speech­less­ness can lead to ac­tion (Julia Draxler)
    The article asks the question, if not only «talking about art» but also «acting to art» is possible and usefull in art education. Artworks should not only be discussed in a rational way, but also ...
  • The «work­shop about my­self» (Urs Bachmann, Sandra Lippuner)
    Be­tween af­fir­ma­tion and am­bi­gu­i­ty Who «belongs» and who doesn’t? What do I have to do to belong? What happens if I don’t fit the norm? The «workshop about myself» offers foster children pos...
  • En­ab­ling ques­ti­ons (Ursula Ulrich)
    The text retraces how studying the theatrical design workshop «role kids» with primary school children from Lucerne turned into a challenging expedition. Ulrich shows how team-based action researc...
  • Read across and talk back (Sabine Gebhardt Fink, Nora Landkammer, Anna Schürch)
    A di­a­logue on per­fo­mance the­o­ry and gallery ed­u­ca­tion Based on Judith Butler's definition of the performative act as an action that has to be constantly repeated and socially legitimized, ...
  • The Liv­ing School (Brandon LaBElle)
    The Living School was held in London from February to June 2016 in collaboration with the South London Gallery and taking place at a range of venues in the city. Focusing on the issues of social ho...
  • Mu­se­um of Burn­ing Ques­tions (Nora Sternfeld)
    Negotiating with reality at the Bergen Assembly 2016 Are exhibition contexts places of refuge for critical teaching and learning, precursors of their total economization, or both? And what does thi...
  • A Gen­tle Raw­ness (Jianan Qu)
    Before any kind of exchange, I think about being, seeing and feeling. In this sense, to feel something is more real than to study something. A comfortable way of being next to each other, with no ...
  • Questions of Inside and Outside – resolved in the utopia of communal,[1] anti-hegemonic knowledge production (Die „Universität der Ignorant_innen“)
    Everyone is ‘ignorant’ as long as marginalized knowledge is ignored, as long as knowledge is produced without critical reflection on its dimension of power. Knowledge production is linked to viole...
  • Acting Together: rethinking existing approaches to collective action (Yen Noh)
    This text investigates collective action as an artistic practice. Such practice is often collaborative and curatorial, both working within artist groups and by involving the audience and other art...
  • … um das Ende der Welt aufzuhalten! Ein kollektives Nachdenken zum Klimawandel (Bené Asefa Feireiss , Silke Ballath , Kunigunde Berberich , Raphael Daibert , Lukas Oertel , Katharina Stahlhoven , Wiebke Janzen )
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Challenges of a Disciplinary Anchorage – Questions Addressed at Art Education (Anna Schürch, Sophie Vögele)
    The article investigates the contradictions associated with the formation and institutionalization of academic disciplines, and explores the anchoring of art education as a discipline in tertiary education. The text thus pursues an attempt to provide a conceptual framework for the further development of art education and its disciplining in Switzerland. From their different institutional and research positions, the authors negotiate disciplinary and institutional relationships in the writing process itself. Thereby, interdisciplinarity as a characteristic of art education is essential to the undertaking and raises a number of questions: to what extent is a distinction from reference disciplines possible by disciplining art education as interdisciplinary? And how can the dichotomy that to a great extent characterizes the understanding of art education be overcome? What does an inquiring self-understanding entail and how can the lack of a disciplines tradition in this subject be dealt with? How big of a part do institutional structures play and what is the role of self-reflection in the process of stabilization?
  • Objets, ambiances, actions : l’excursion comme constellation (Markus Schwander)
    Tant dans les projets de recherche artistique que dans l’enseignement, les excursions servent à étudier la perception de l’espace. Le fait de marcher ensemble est analysé comme une constellation permettant de reconnaître et d’influencer les facteurs qui déterminent l’action, c’est-à-dire de façonner l’action collective. L’article présente des exemples artistiques pour illustrer le rapport entre l’espace et la perception, et la reconstruction permanente de ce rapport.
  • An ontology of the present. On the transformation of art educational knowledge (Anna Schürch)
    Curriculum revision projects, such as the current revision of the secondary school (Gymnasium) basis curriculum 2020-22 in Switzerland, call for a review of the content and objectives of the individual subjects and provide an opportunity to reflect on the knowledge within a subject, and the way it changes. How can such change be conceived and how can it be oriented if intended to go beyond the pragmatic framework of an educational policy-motivated revision project, which is characterized by scarce time resources and acute pressure to act? The article builds on Michel Foucault’s ontology of the present and seeks, via according educational-philosophical considerations, a perspective on change that positions itself both critically and self-reflexively; that is not oriented to what are diagnosed to be the great challenges of the future, but engages with what is already present and appears in everyday life. A possibility to grasp and reflect on existing art education knowledge is created. A footnote by Margot Zanni and a questionnaire by Michèle Novak expand the text, rooting the gesture of (self-)critical reflection in the act reading.
  • Revue (Cornelia Dinsleder )
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • An ontology of the present. On the transformation of art educational knowledge (Anna Schürch)
    Curriculum revision projects, such as the current revision of the secondary school (Gymnasium) basis curriculum 2020-22 in Switzerland, call for a review of the content and objectives of the individual subjects and provide an opportunity to reflect on the knowledge within a subject, and the way it changes. How can such change be conceived and how can it be oriented if intended to go beyond the pragmatic framework of an educational policy-motivated revision project, which is characterized by scarce time resources and acute pressure to act? The article builds on Michel Foucault’s ontology of the present and seeks, via according educational-philosophical considerations, a perspective on change that positions itself both critically and self-reflexively; that is not oriented to what are diagnosed to be the great challenges of the future, but engages with what is already present and appears in everyday life. A possibility to grasp and reflect on existing art education knowledge is created. A footnote by Margot Zanni and a questionnaire by Michèle Novak expand the text, rooting the gesture of (self-)critical reflection in the act reading.
  • (Un-)Learning Ecologies – An exploration of two research-based artistic teaching formats as experimental platforms for ecologically sustainable ways of being and becoming (Janina Krepart, Chantal Küng, Judith Tonner)
    To what extent and by which new and urgent challenges are art educators confronted through current and future effects of the climate crisis? And how can artistic teaching practices contribute to a sense of responsibility, and ultimately to ecologically sustainable practices, in “kulturelle Bildung” and arts education? Motivated by these questions, the authors designed and realized two teaching modules for the Bachelor and Master Art Education (ZHdK) in the academic year 2020–21. The article stages a critical dialogue to discuss the courses’ underlying postulations and to consider potential implications for art education research. The conceptual frameworks of the two teaching formats and their respective implementation expose not only diverging underlying accounts of the “subject”; they also present different perspectives, associations and conceptions of ecology and sustainability.
  • 3 Questions (Barnaby Drabble)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Being exposed as a lecturer. Proposal for a reflexive positioning of university teaching on the exemplary basis of art pedagogy (Bernadett Settele)
    To reflect on teaching art education "from art" (see Sturm 2011), I select being exposed as a starting point. Being exposed marks a place on the threshold between the critical appreciation of action and its conditions and a perspective that makes it possible to consider its passive aspects (see Settele 2019). In pursuit of the feeling of being exposed, I develop a perspective for feminist art education at master level. Taking interest in powerful addresses, roles and norms as well as in emancipatory pedagogy, I observe, from a theory-driven perspective, how individual and collective subjects of teaching interact with each other from their respective positions in teaching situations, and also what acts on them. To this end, I employ Judith Butler’s feminist concept of the post-sovereign, bound subject, making it the starting point for a reflexive positioning of teaching. This necessitates differentiating how I apply a political-philosophical concept in a non-existential, aesthetic field. As a reflexive concept, being exposed is not to be equated with the stronger concepts of feminist theoretical approaches, such as precariousness or vulnerability (see Butler 2016), or impressionability and susceptibility (see Butler 2014: 177). Situating an exercise on the reception of art in the context of art-pedagogical teacher education provides occasion for reflection on the conditionality of the subjects of teaching. The result is a textual contribution, which asks how art pedagogy educates and what takes effect within it.
  • EcoArtLab. Transdisziplinäre Zugänge zum Klimawandel (Yvonne Schmidt)
    Keine Übersetzung vorhanden
  • An ontology of the present. On the transformation of art educational knowledge (Anna Schürch)
    Curriculum revision projects, such as the current revision of the secondary school (Gymnasium) basis curriculum 2020-22 in Switzerland, call for a review of the content and objectives of the individual subjects and provide an opportunity to reflect on the knowledge within a subject, and the way it changes. How can such change be conceived and how can it be oriented if intended to go beyond the pragmatic framework of an educational policy-motivated revision project, which is characterized by scarce time resources and acute pressure to act? The article builds on Michel Foucault’s ontology of the present and seeks, via according educational-philosophical considerations, a perspective on change that positions itself both critically and self-reflexively; that is not oriented to what are diagnosed to be the great challenges of the future, but engages with what is already present and appears in everyday life. A possibility to grasp and reflect on existing art education knowledge is created. A footnote by Margot Zanni and a questionnaire by Michèle Novak expand the text, rooting the gesture of (self-)critical reflection in the act reading.
  • «Poor images» — À propos des «copies in motion» et des endroits où les trouver (Helena Schmidt)
    La contribution «Poor images» — À propos des «copies in motion» et des endroits où les trouver traite du terme «poor images» (selon Hito Steyerl, 2009) et situe le concept dans la pratique de la médiation artistique contemporaine. Il s’agit de poser un regard critique sur Internet et ses nouveaux phénomènes et pratiques en lien avec l’image. La notion de «poor images» est discutée sous l’angle de son potentiel pour notre pratique de l’image à l’ère post-numérique.
  • Learning Lab Arts and Design: Collecte de données en pédagogie de l’art et du design (Dorothée King)
    La Biennale de design d’Istanbul 2018 consistait en six écoles pop-up, dont le cadre général était «le design en tant qu’apprentissage et l’apprentissage en tant que design» . Proclamé dans les arts depuis plus d’une décennie, le phénomène appelé «tournant pédagogique» s’étend ainsi au monde du design. Ce tournant pédagogique dans les arts remet en question l’idée que l’apprentissage serait un transfert de connaissances à sens unique, et qu’il serait la clé du succès dans le cadre d’une société capitaliste. Le tournant pédagogique tend au contraire à faire émerger des méthodes alternatives de pédagogie et d’apprentissage, c’est-à-dire des méthodes ayant des finalités alternatives. Istanbul a été l’occasion de voir l’apprentissage dans le design comme une manière de s’adapter aux multiples changements d’une société en fragmentation (numérique). Mais les débats sur la pédagogie menés par les commissaires d’exposition font-ils vraiment évoluer les cultures d’apprentissage des écoles d’art et de design? L’apprentissage de l’art et du design ne serait-il pas plutôt en évolution permanente, reflétant le changement plus général des cadres politiques et culturels? Faudrait-il tenter une réorientation totale par désapprentissage, comme le propose l’institution Haus der Kulturen der Welt? Dans cet article, j’entends présenter une autre approche. En 2019, le plus grand défi pour les enseignant*es comme pour les apprenant*es est de savoir comment gérer l’accumulation des connaissances et des méthodes, notamment la croissance rapide des données sur l’apprentissage en art et en design . Dans les écoles d’art et de design, les étudiant*s doivent être préparé*es à aborder les multiples possibilités d’apprentissage comme des ensembles de données. Dans le cadre de la nouvelle plateforme «Learning Lab Arts and Design» (LLAD) à l’Institut de pédagogie de l’art et du design de Bâle, je propose une boîte à outils de données, qui est destinée au traitement et à l’enregistrement des différentes pratiques d’apprentissage dans les arts et le design. L’approche que je développe permet des apprentissages qui s’inspirent des cultures passées et futures ainsi que d’autres disciplines des arts et du design. Elle stimule le mélange spontané, l’exploration et le brouillage des pratiques d’apprentissage traditionnelles. Le texte propose une réflexion sur les méthodes d’apprentissage passées et présentes dans les arts et le design, afin de lancer la collecte de données pour la boîte à outils d’apprentissage LLAD. L’histoire est riche en profonds changements et en nouvelles tentatives en matière d’apprentissage. Thierry de Duve, historien d’art de nationalité belge, a étudié l’évolution des cultures d’apprentissage dans les écoles d’art occidentales, qui sont passées de l’imitation à la copie, puis à l’imagination, à la déconstruction et à la simulation . Suivant son exemple, je considère l’échantillonnage de données historiques concernant les méthodes d’apprentissage dans les arts et le design comme une possibilité d’identifier différentes activités d’apprentissage, activités qu’il s’agit de collecter, d’explorer et d’expérimenter au LLAD.
  • Objets, ambiances, actions : l’excursion comme constellation (Markus Schwander)
    Tant dans les projets de recherche artistique que dans l’enseignement, les excursions servent à étudier la perception de l’espace. Le fait de marcher ensemble est analysé comme une constellation permettant de reconnaître et d’influencer les facteurs qui déterminent l’action, c’est-à-dire de façonner l’action collective. L’article présente des exemples artistiques pour illustrer le rapport entre l’espace et la perception, et la reconstruction permanente de ce rapport.
  • An ontology of the present. On the transformation of art educational knowledge (Anna Schürch)
    Curriculum revision projects, such as the current revision of the secondary school (Gymnasium) basis curriculum 2020-22 in Switzerland, call for a review of the content and objectives of the individual subjects and provide an opportunity to reflect on the knowledge within a subject, and the way it changes. How can such change be conceived and how can it be oriented if intended to go beyond the pragmatic framework of an educational policy-motivated revision project, which is characterized by scarce time resources and acute pressure to act? The article builds on Michel Foucault’s ontology of the present and seeks, via according educational-philosophical considerations, a perspective on change that positions itself both critically and self-reflexively; that is not oriented to what are diagnosed to be the great challenges of the future, but engages with what is already present and appears in everyday life. A possibility to grasp and reflect on existing art education knowledge is created. A footnote by Margot Zanni and a questionnaire by Michèle Novak expand the text, rooting the gesture of (self-)critical reflection in the act reading.
  • Objets, ambiances, actions : l’excursion comme constellation (Markus Schwander)
    Tant dans les projets de recherche artistique que dans l’enseignement, les excursions servent à étudier la perception de l’espace. Le fait de marcher ensemble est analysé comme une constellation permettant de reconnaître et d’influencer les facteurs qui déterminent l’action, c’est-à-dire de façonner l’action collective. L’article présente des exemples artistiques pour illustrer le rapport entre l’espace et la perception, et la reconstruction permanente de ce rapport.
  • Sketch­es on Re­flex­iv­i­ty (Rubia Salgado)
    Learn­ing the hege­mo­ni­al lan­guage in mu­se­ums Based on brief sketches on topics such as dialogue, difference, recognition, knowledge, reciprocity and reflexivity in pedagogical settings, this ...
  • Be­tween In­struc­tion and Self-​ed­u­ca­tion (Nanna Lüth)
    Didactic Pattern Analysis Starting From Art What role is played by the artworks in the representation of gallery education? From the spatial composition and the reactions of persons to the art in t...
  • Crip Ma­te­ri­als as Forms of Un_Uni­ver­si­ty Think­ing (Eva Egermann)
    In 1990, writing about women’s studies, Elizabeth Minnich noted: ‘Invisibility itself teaches something. Students who never hear of a woman philosopher have trouble believing in such a creature.’ ...
  • Assembling sustainable futures – Anticipatory practices and imaginations in art education (Michel Massmünster)
    The future does not just exist. We refer to it through diverse practices, assembling it as an experience in the now. The way we conceive of the future, experience it in the present, and thus also generate it socially, is the result of complex processes of production. However, historical meanings are involved in these processes as well. Based on contemporary practices in art education, I explore powerful configurations of the future in the present: knowledge, material, person and future determine each other interdependently in these processes. Imaginations of future in art education are characterized by the emphasis on their explorative and opening character. Occasionally, especially as regards a universal understanding of sustainability, they also predefine and fixate futures. This eventually leads to a restriction of ways of life in future. Thus, I argue, it is necessary for research and practice, to analyze one’s own involvement in these assembling processes and in the historical meanings associated. In consequence, I propose an understanding of sustainability that is more appropriate to the open, explorative future practices of art education; one which reckons uncertainty and multiplicity, and thereby continuously reinvents itself, reinvents resources, and current as well as future ways of life.
  • Gestalt et bienformation: Les enfants dessinent des corps spatials (Stefanie Stadler Elmer, Lea Weniger)
    Ce texte présente le cadre théorique de notre étude sur dessiner spatialment dans le contexte de l'école primaire. Nous étudions comment les enfants représentent graphiquement un seul corps spatial. C'est l'un des trois aspects du dessin de la représentation spatiale des enfants. Les autres concernent les relations spatiales entre des objets et l'organisation spatiale globale de l'image. La représentation plate d'un cuboïde sous la forme d'une boîte est un problème de représentation générale pour lequel diverses solutions sont enseignées et pratiquées dans notre culture. Partant d'une épistémologie génétique structurelle, nous nous concentrons sur le processus d'élaboration de solutions par les enfants, sur la façon dont ils emergent dans les études de cas individuelles et vidéographiés – accompagnés par l'enseignant d'une manière adaptative et intuitive. Nous reconstruisons ces processus en détail avec une méthodologie microgénétique. A l'aide d'un exemple, nous montrons empiriquement comment nous appliquons le concept de "bienformation" (Wohlgeformheit) pour décrire l'orientation structurelle vers une "Gestalt" et l'utilisation implicite des systèmes génératifs pour la représentation spatiale.
  • Les sauts micropédagogiques dans le contexte de l'éducation esthétique (Silvia Henke, Wiktoria Furrer)
    L’éducation esthétique est un vaste projet civilisationnel, éducatif et politique, que le présent article explore pour l’époque actuelle à travers des sauts micro-pédagogiques. Le concept de micro-pédagogie n’est pas encore clairement défini en pédagogie artistique. Dans le cadre du discours pédagogique, ce concept a été introduit par Stefan Danner comme improvisation pédagogique des enseignant*es, sous la forme de transitions et de ponctuations entre différents motifs pédagogiques (Danner 2001: 11). Pourquoi parler de pédagogies au pluriel? D’abord pour accentuer le concept de formation au sens premier, et pour examiner la manière dont les pratiques esthétiques, didactiques et artistiques forment concrètement les choses, au sens micrologique du terme. L’article postule que la formation se produit à travers des ouvertures, quand quelque chose se produit de manière volontaire ou involontaire, planifiée ou non planifiée. Personne ne sait exactement quand se produisent les processus d’apprentissage, ni quand et comment se produisent les ouvertures. Le concept des sauts a donc un rôle très spécifique à jouer, car il prolonge les processus éducatifs dans d’autres temporalités et d’autres espaces, étant donné que ces sauts se produisent sans intention clairement définie (cf. Pazzini, 2015, p.16). Nous décrivons ce genre de sauts d’un point de vue micro-pédagogique, en partant de deux situations spécifiques de pédagogie artistique: d’une part un cadre institutionnel qui est l’enseignement artistique supérieur (Master Fine Arts / Art Education), et d’autre part certains procédés dans des ateliers destinés à des artistes, dans un cadre extra-institutionnel. Le motif du saut, dans sa triple connotation de mouvement vital, d’interruption et de fissure [en allemand: «Sprung»], permet de penser le caractère d’événement et la singularité de la situation éducative. L’enjeu de pédagogie artistique qu’est la pratique cognitive «en sauts» [«sprunghaft»] comme élément de l’éducation esthétique (cf. Mersch 2018: 26 ss. et Kunz 2019: 24) est étudié sous trois angles: celui de l’enseignante, celui de la participante, puis sous l’angle commun, qui combine des pratiques concrètes et avec des éléments de théorie de l’art.
  • Les sauts micropédagogiques dans le contexte de l'éducation esthétique (Silvia Henke, Wiktoria Furrer)
    L’éducation esthétique est un vaste projet civilisationnel, éducatif et politique, que le présent article explore pour l’époque actuelle à travers des sauts micro-pédagogiques. Le concept de micro-pédagogie n’est pas encore clairement défini en pédagogie artistique. Dans le cadre du discours pédagogique, ce concept a été introduit par Stefan Danner comme improvisation pédagogique des enseignant*es, sous la forme de transitions et de ponctuations entre différents motifs pédagogiques (Danner 2001: 11). Pourquoi parler de pédagogies au pluriel? D’abord pour accentuer le concept de formation au sens premier, et pour examiner la manière dont les pratiques esthétiques, didactiques et artistiques forment concrètement les choses, au sens micrologique du terme. L’article postule que la formation se produit à travers des ouvertures, quand quelque chose se produit de manière volontaire ou involontaire, planifiée ou non planifiée. Personne ne sait exactement quand se produisent les processus d’apprentissage, ni quand et comment se produisent les ouvertures. Le concept des sauts a donc un rôle très spécifique à jouer, car il prolonge les processus éducatifs dans d’autres temporalités et d’autres espaces, étant donné que ces sauts se produisent sans intention clairement définie (cf. Pazzini, 2015, p.16). Nous décrivons ce genre de sauts d’un point de vue micro-pédagogique, en partant de deux situations spécifiques de pédagogie artistique: d’une part un cadre institutionnel qui est l’enseignement artistique supérieur (Master Fine Arts / Art Education), et d’autre part certains procédés dans des ateliers destinés à des artistes, dans un cadre extra-institutionnel. Le motif du saut, dans sa triple connotation de mouvement vital, d’interruption et de fissure [en allemand: «Sprung»], permet de penser le caractère d’événement et la singularité de la situation éducative. L’enjeu de pédagogie artistique qu’est la pratique cognitive «en sauts» [«sprunghaft»] comme élément de l’éducation esthétique (cf. Mersch 2018: 26 ss. et Kunz 2019: 24) est étudié sous trois angles: celui de l’enseignante, celui de la participante, puis sous l’angle commun, qui combine des pratiques concrètes et avec des éléments de théorie de l’art.
  • Ac­ti­vat­ing the Dis­play (Karin Schneider)
    The­ses from the Re­search Project „sci­ence with all sens­es – sci­ence and gen­der in the mak­ing“ The following theses are based on the research project „science with all senses – science and ge...
  • Art School with mi­gra­tion back­ground (Catrin Seefranz)
    Pre­lim­i­nary thoughts based on a study of in­equal­i­ty in the field of the art school Based on the results of the project making differences which deals with social injustice in the field of Swi...
  • A post­colo­nial per­spec­tive on il­le­gal­ized im­mi­gra­tion in Switzer­land: (Francesca Falk)
    On de­por­ta­tions, the «ex­change with Africa» and the fear of re­verse col­o­niza­tion In her text, Francesca Falk connects contemporary illegalized immigration and the postcolonial constellation...
  • Refugees as «ma­te­r­i­al» for art projects? (Das AntikultiAtelier)
    An­ti­kul­ti­Ate­lier We are a group of people living in Switzerland and working on asylum and migration policies, racism and representation: many of us as refugees, others as migrants or Swiss. In...
  • Aes­thet­ic ed­u­ca­tion and art teach­ing (Paul Mecheril)
    Notes from the per­spec­tive of mi­gra­tion ped­a­gogy Rather than asking about the culture of specific migrant groups, how these cultures can be described and what enables the understanding betwee...
  • Sketch­es on Re­flex­iv­i­ty (Rubia Salgado)
    Learn­ing the hege­mo­ni­al lan­guage in mu­se­ums Based on brief sketches on topics such as dialogue, difference, recognition, knowledge, reciprocity and reflexivity in pedagogical settings, this ...
  • «In­te­gra­tion as An­ti-​Re­flec­tive Coat­ing» (Judith Rahner, Nicola Lauré al-Samarai)
    Con­sid­er­ing His­tor­i­cal-​Po­lit­i­cal Ed­u­ca­tion and Mem­o­ry Work with Young Peo­ple of Col­or in Ger­many Dominant debates on so-called Holocaust-education in the migration society not onl...
  • The com­plex task of self-​chang­ing (Büro trafo. K)
    Prac­tices and ques­tions in ed­u­ca­tion­al projects in mi­gra­tion so­ci­ety Nine years ago we called one of our ambitious educational programs a «guide to self-emancipation». The title had an ir...
  • «Sich Verze­ich­nen» – with and through dif­fer­ences (Mikki Muhr)
    Build­ing re­la­tions and leav­ing rests in car­togra­phies What enables reflective processes, that can help to view one’s own thoughts and actions in their conditioning frameworks and to criticall...
  • En­gage­ment and vis­i­bil­i­ty. Who ben­e­fits? (Henrike Plegge)
    Work­ing with young mi­grants in gallery ed­u­ca­tion and ex­hi­bi­tions In her paper, Henrike Plegge discusses different forms of participation and visibility of young migrants in a gallery educat...
  • Who hears as I do and to whom do I be­long? (Dorothee Barth)
    About the no­tion of cul­tur­al iden­ti­ty in the con­text of an (in­ter­cul­tur­al) mu­sic ed­u­ca­tion This paper discusses the question, how the «Intercultural Music Education» can contribute to...
  • Mem­o­ry, Archive and Me­di­a­tion (Felipe Polanía)
    Ap­proach­es for me­di­a­tion prac­tice with refugees Is it possible to speak of a collective memory of people who have fled their places of home? Can mediation contribute to contruct a collective ...
  • «Ma­te­r­i­al Mem­o­ry» and Post­mi­grant So­ci­ety (Jonas Bürgi)
    Pro­pos­als for col­lec­tion de­vel­op­ment and in­ter­pre­ta­tion at the Swiss Na­tion­al Mu­se­um National Museums claim authority in defining ‚cultural heritage’. Migration histories, as relativ...
  • Learning Processes about Non-Discriminatory Practices in the Field of Cultural Education  (Aïcha Diallo, Danja Erni)
    Since summer 2016, we have been leading the KontextSchule, a platform for the continuing education of teachers and artists in Berlin. Adopting the viewpoint of those who stand inside and outside o...
  • Nanna Lüth ()
    Art | A Crit­i­cal Per­spec­tive on Racism | Art Ed­u­ca­tion On Fragili­ty and Re­sis­tance to edit this issue of Art Education Research that focuses on the challenges related to work in art and a...
  • Ped­a­gogy for Democ­ra­cy. Art/Ed­u­ca­tion against Racism (Nanna Lüth)
    In her editorial, Nanna Lüth connects the issue of partiality within the field of critical art education to discussions about the notion of controversy in political pedagogy. Art education, she po...
  • Priorités de recherche didactique en pédagogie de l’art au jardin d’enfants. Enquête à l’interface de la discipline scientifique, de l’enseignement et de la méthodologie de recherche en sciences sociales (Dr. des. Anja Morawietz)
    Cet article traite de l’interface entre la discipline scientifique, l’enseignement et la méthodologie de recherche en sciences sociales dans le cadre de la pédagogie de l’art et de la recherche didactique au jardin d’enfants. Le texte présente d’abord les questions qui se posent en pédagogie de l’art au jardin d’enfants. Il passe ensuite aux raisons qui justifient les méthodes scientifiques systématiques ainsi que la recherche esthétique ou artistique en pédagogie de l’art. Une étude intitulée «Dessiner comme opportunité pédagogique au jardin d’enfants. Comment les enfants de 5 à 6 ans réagissent lorsqu’on leur demande de dessiner d’après des objets ou des scènes» démontre l’efficacité des méthodes de recherche qualitatives-empiriques en pédagogie de l’art. Cette étude présente la méthode de la vidéographie qui, dans sa version adaptée, correspond parfaitement aux questions et aux objets esthétiques de la recherche en pédagogie de l’art. L’étude brièvement résumée ici cherche à savoir dans quelle mesure les jeunes enfants s’intéressent au dessin d’après un modèle dans un cadre scolaire. Elle étudie la réaction des enfants aux injonctions didactiques, et identifie les opportunités formatrices qui en découlent. Il apparaît que la vidéographie est parfaitement adaptée à l’observation, à la description et à l’analyse de la pratique créative en milieu scolaire, avec ses modalités d’enseignement, ses processus d’apprentissage et ses méthodes pédagogiques. Les Hautes écoles pédagogiques suisses disposent de connaissances solides dans le domaine des méthodes systématiques en sciences de l’éducation et en sciences sociales. Il serait souhaitable de favoriser les synergies entre les sciences de l’éducation, les sciences sociales et la didactique des différentes disciplines. L’introduction du Joint Master en didactique des arts à la HEP de Zurich offre désormais l’opportunité d’aborder les questions d’enseignement artistique pour tous les niveaux scolaires à l’aide des méthodes de recherche courantes dans le cadre d’un mémoire de Master.
  • Mem­o­ry, Archive and Me­di­a­tion (Felipe Polanía)
    Ap­proach­es for me­di­a­tion prac­tice with refugees Is it possible to speak of a collective memory of people who have fled their places of home? Can mediation contribute to contruct a collective ...
  • «Ma­te­r­i­al Mem­o­ry» and Post­mi­grant So­ci­ety (Jonas Bürgi)
    Pro­pos­als for col­lec­tion de­vel­op­ment and in­ter­pre­ta­tion at the Swiss Na­tion­al Mu­se­um National Museums claim authority in defining ‚cultural heritage’. Migration histories, as relativ...
  • Mu­se­um of Burn­ing Ques­tions (Nora Sternfeld)
    Negotiating with reality at the Bergen Assembly 2016 Are exhibition contexts places of refuge for critical teaching and learning, precursors of their total economization, or both? And what does thi...
  • GERMAN, NATURAL AND NAKED? The Colonial Entanglements of the Life Reform (Saskia Köbschall)
    Taking the author’s personal experiences with the German nudist movement as a starting point, this essay explores the discursive link between colonialism, its ideology of racial hierarchies and th...
  • Ac­ti­vat­ing the Dis­play (Karin Schneider)
    The­ses from the Re­search Project „sci­ence with all sens­es – sci­ence and gen­der in the mak­ing“ The following theses are based on the research project „science with all senses – science and ge...
  • The vis­i­tors are miss­ing. Which vis­i­tors? (Nora Landkammer)
    A re­flex­ion on the Sym­po­sium KUN­ST [auf] FÜHREN The text parts from critique expressed by participants of the symposium KUNST[auf] FÜHREN in Kassel in June 2009: We had been talking about gall...
  • Per­form­ing the ed­u­ca­tor (Bernadett Settele)
    What if we think of mediation not as a tool for the frictionless transportation of information but as a vehicle of transformation? How can art educators obtain a certain (different) kind of facult...
  • Per­for­ma­tive in­ter­ven­tions (Sandra Ortmann)
    A performance script for the exhibitions Fomuška, by Micol Assaël, and Frühling, by Pawel Althamer and children living in Kassel, at Kunsthalle Fridericianum Performtive interventions, as a format,...
  • How speech­less­ness can lead to ac­tion (Julia Draxler)
    The article asks the question, if not only «talking about art» but also «acting to art» is possible and usefull in art education. Artworks should not only be discussed in a rational way, but also ...
  • Gallery ed­u­ca­tion – per­for­mance – the dif­fer­end (Carmen Mörsch, Eva Sturm)
    The paper is based on an introductory talk given at the conference Perfoming the Museum as a Public Sphere at Kunstmuseum Lentos, Linz, in April 2008. It parts from Charles Garoian’s thesis that a...
  • Au­ton­o­my with­in the in­sti­tu­tion (Microsilions – Olivier Desvoignes/Marianne Guarino-Huet)
    To­wards a crit­i­cal art ed­u­ca­tion The performative production of the institution is at the center of the contribution by the artists/art educators collective microsillons. They discuss their r...
  • Lear­ning from Kas­sel (Wanda Wieczorek, Ayşe Güleç, Carmen Mörsch)
    The fifth issue of Art Education Research, entitled «Von Kassel lernen» (Learning from Kassel) reflects on the intersection between cultural and political education, and is based on the example of ...
  • Sketch­es on Re­flex­iv­i­ty (Rubia Salgado)
    Learn­ing the hege­mo­ni­al lan­guage in mu­se­ums Based on brief sketches on topics such as dialogue, difference, recognition, knowledge, reciprocity and reflexivity in pedagogical settings, this ...
  • Be­tween In­struc­tion and Self-​ed­u­ca­tion (Nanna Lüth)
    Didactic Pattern Analysis Starting From Art What role is played by the artworks in the representation of gallery education? From the spatial composition and the reactions of persons to the art in t...
  • In­hab­it­ed, fa­mil­iar, dis­rupt­ed. (Microsilions – Olivier Desvoignes/Marianne Guarino-Huet)
    An «oth­er» in­sti­tu­tion of con­tem­po­rary art in rep­re­sen­ta­tions of gallery ed­u­ca­tion? This article develops a description of two regimes of representation at the center of communication...
  • Mediation of Realities: The Society of Friends of Halit (Ayşe Güleç)
    Carried out as part of documenta 14 in Kassel, The Society Friends of Halit focused on the crimes of the National Socialist Underground (NSU) and its belated prosecution. Though it received overwh...
  • Flight of Riddles – Thinking Through the Difficult Legacy of Progressive Art Education in Austria (Karin Schneider, Andrea Hubin)
    Andrea Hubin and Karin Schneider’s contribution gives an insight into their explorations of Austrian art education’s difficult legacy. Reflecting on the boundaries, aversions, distortions, interru...
  • Pratiques éphémères. Le projet de recherche "The Art Educator's Walk" – Agir et attitude des médiatrices et médiateurs en art contemporain à l’exemple de l’exposition documenta 14 à Kassel (Gila Kolb)
    Comment les médiateurs d'art peuvent-ils créer une situation dans laquelle l'art contemporain peut être médiatisé ? Quelle attitude développent-ils à l'égard de leurs activités de médiation artistique ? Quelles sont les stratégies qu'ils développent ? Lors de l'exposition documenta 14 (2017), dans le cadre du projet de recherche "The Art Educator's Walk - Action and Attitude of Contemporary Art Mediators using the example of the major exhibition documenta 14 in Kassel", 20 "promenades" de 10 "choristes" (médiateurs artistiques de la documenta 14) ont été accompagnées et interviewées sur ces questions. Le projet de recherche a exploré la pratique per se éphémère de la médiation artistique dans les expositions d'art dans le cadre d'un projet de recherche à l'Institut Pratiques et Théories des Arts de la BUA Berne, avec la thèse que la médiation artistique se pratique à partir d'une attitude. Après une argumentation biographique du "milieu", cet article présente d'abord la situation historique de la documenta et de sa médiation. Les concepts et les contextes de l'éducation artistique à la documenta 14, en particulier le désapprentissage, ont constitué le cadre d'action des choristes interviewés et accompagnés. Un aperçu du cadre qualitatif et empirique de l'acquisition de données sous la forme d'une observation participative de la pratique de la médiation artistique avec des groupes de visiteurs de la documenta 14 reflète le contexte de l'acquisition de données. Dans le cadre de trois "expéditions", qui analysent les premières phrases d'une promenade, le dilemme de la connaissance et la médiation de l'art en tant qu'œuvre, le matériel obtenu est présenté et discuté de manière exemplaire.
  • Being exposed as a lecturer. Proposal for a reflexive positioning of university teaching on the exemplary basis of art pedagogy (Bernadett Settele)
    To reflect on teaching art education "from art" (see Sturm 2011), I select being exposed as a starting point. Being exposed marks a place on the threshold between the critical appreciation of action and its conditions and a perspective that makes it possible to consider its passive aspects (see Settele 2019). In pursuit of the feeling of being exposed, I develop a perspective for feminist art education at master level. Taking interest in powerful addresses, roles and norms as well as in emancipatory pedagogy, I observe, from a theory-driven perspective, how individual and collective subjects of teaching interact with each other from their respective positions in teaching situations, and also what acts on them. To this end, I employ Judith Butler’s feminist concept of the post-sovereign, bound subject, making it the starting point for a reflexive positioning of teaching. This necessitates differentiating how I apply a political-philosophical concept in a non-existential, aesthetic field. As a reflexive concept, being exposed is not to be equated with the stronger concepts of feminist theoretical approaches, such as precariousness or vulnerability (see Butler 2016), or impressionability and susceptibility (see Butler 2014: 177). Situating an exercise on the reception of art in the context of art-pedagogical teacher education provides occasion for reflection on the conditionality of the subjects of teaching. The result is a textual contribution, which asks how art pedagogy educates and what takes effect within it.
  • Trois questions à... (Hannah Horst)
    Les revues d’art proposent généralement des articles sur des expositions en cours ou à venir. La revue électronique de la SSPA e Journal Art Education Research souhaite reprendre ce format, et le transposer au domaine de la pédagogie de l’art. Chaque numéro présente ainsi un projet de pédagogie de l’art, en explicitant l’approche d’une personne ou d’un collectif en matière de médiation artistique. La rubrique pourra varier quant à la forme. Elle donnera un aperçu de l’état actuel des pratiques en pédagogie artistique. Les réponses pourront prendre la forme d’images, de textes ou autre.
  • Lear­ning from Kas­sel (Wanda Wieczorek, Ayşe Güleç, Carmen Mörsch)
    The fifth issue of Art Education Research, entitled «Von Kassel lernen» (Learning from Kassel) reflects on the intersection between cultural and political education, and is based on the example of ...
  • «At­tached, please find my im­age archive» (Anne Gruber)
    Based on the assignment 'image archive', Anne Gruber shows how an attentiveness she developed during her studies to questions from art theory, cultural studies and art can be integrated in her prac...
  • Learning Lab Arts and Design: Collecte de données en pédagogie de l’art et du design (Dorothée King)
    La Biennale de design d’Istanbul 2018 consistait en six écoles pop-up, dont le cadre général était «le design en tant qu’apprentissage et l’apprentissage en tant que design» . Proclamé dans les arts depuis plus d’une décennie, le phénomène appelé «tournant pédagogique» s’étend ainsi au monde du design. Ce tournant pédagogique dans les arts remet en question l’idée que l’apprentissage serait un transfert de connaissances à sens unique, et qu’il serait la clé du succès dans le cadre d’une société capitaliste. Le tournant pédagogique tend au contraire à faire émerger des méthodes alternatives de pédagogie et d’apprentissage, c’est-à-dire des méthodes ayant des finalités alternatives. Istanbul a été l’occasion de voir l’apprentissage dans le design comme une manière de s’adapter aux multiples changements d’une société en fragmentation (numérique). Mais les débats sur la pédagogie menés par les commissaires d’exposition font-ils vraiment évoluer les cultures d’apprentissage des écoles d’art et de design? L’apprentissage de l’art et du design ne serait-il pas plutôt en évolution permanente, reflétant le changement plus général des cadres politiques et culturels? Faudrait-il tenter une réorientation totale par désapprentissage, comme le propose l’institution Haus der Kulturen der Welt? Dans cet article, j’entends présenter une autre approche. En 2019, le plus grand défi pour les enseignant*es comme pour les apprenant*es est de savoir comment gérer l’accumulation des connaissances et des méthodes, notamment la croissance rapide des données sur l’apprentissage en art et en design . Dans les écoles d’art et de design, les étudiant*s doivent être préparé*es à aborder les multiples possibilités d’apprentissage comme des ensembles de données. Dans le cadre de la nouvelle plateforme «Learning Lab Arts and Design» (LLAD) à l’Institut de pédagogie de l’art et du design de Bâle, je propose une boîte à outils de données, qui est destinée au traitement et à l’enregistrement des différentes pratiques d’apprentissage dans les arts et le design. L’approche que je développe permet des apprentissages qui s’inspirent des cultures passées et futures ainsi que d’autres disciplines des arts et du design. Elle stimule le mélange spontané, l’exploration et le brouillage des pratiques d’apprentissage traditionnelles. Le texte propose une réflexion sur les méthodes d’apprentissage passées et présentes dans les arts et le design, afin de lancer la collecte de données pour la boîte à outils d’apprentissage LLAD. L’histoire est riche en profonds changements et en nouvelles tentatives en matière d’apprentissage. Thierry de Duve, historien d’art de nationalité belge, a étudié l’évolution des cultures d’apprentissage dans les écoles d’art occidentales, qui sont passées de l’imitation à la copie, puis à l’imagination, à la déconstruction et à la simulation . Suivant son exemple, je considère l’échantillonnage de données historiques concernant les méthodes d’apprentissage dans les arts et le design comme une possibilité d’identifier différentes activités d’apprentissage, activités qu’il s’agit de collecter, d’explorer et d’expérimenter au LLAD.
  • Pratiques éphémères. Le projet de recherche "The Art Educator's Walk" – Agir et attitude des médiatrices et médiateurs en art contemporain à l’exemple de l’exposition documenta 14 à Kassel (Gila Kolb)
    Comment les médiateurs d'art peuvent-ils créer une situation dans laquelle l'art contemporain peut être médiatisé ? Quelle attitude développent-ils à l'égard de leurs activités de médiation artistique ? Quelles sont les stratégies qu'ils développent ? Lors de l'exposition documenta 14 (2017), dans le cadre du projet de recherche "The Art Educator's Walk - Action and Attitude of Contemporary Art Mediators using the example of the major exhibition documenta 14 in Kassel", 20 "promenades" de 10 "choristes" (médiateurs artistiques de la documenta 14) ont été accompagnées et interviewées sur ces questions. Le projet de recherche a exploré la pratique per se éphémère de la médiation artistique dans les expositions d'art dans le cadre d'un projet de recherche à l'Institut Pratiques et Théories des Arts de la BUA Berne, avec la thèse que la médiation artistique se pratique à partir d'une attitude. Après une argumentation biographique du "milieu", cet article présente d'abord la situation historique de la documenta et de sa médiation. Les concepts et les contextes de l'éducation artistique à la documenta 14, en particulier le désapprentissage, ont constitué le cadre d'action des choristes interviewés et accompagnés. Un aperçu du cadre qualitatif et empirique de l'acquisition de données sous la forme d'une observation participative de la pratique de la médiation artistique avec des groupes de visiteurs de la documenta 14 reflète le contexte de l'acquisition de données. Dans le cadre de trois "expéditions", qui analysent les premières phrases d'une promenade, le dilemme de la connaissance et la médiation de l'art en tant qu'œuvre, le matériel obtenu est présenté et discuté de manière exemplaire.
  • Les sauts micropédagogiques dans le contexte de l'éducation esthétique (Silvia Henke, Wiktoria Furrer)
    L’éducation esthétique est un vaste projet civilisationnel, éducatif et politique, que le présent article explore pour l’époque actuelle à travers des sauts micro-pédagogiques. Le concept de micro-pédagogie n’est pas encore clairement défini en pédagogie artistique. Dans le cadre du discours pédagogique, ce concept a été introduit par Stefan Danner comme improvisation pédagogique des enseignant*es, sous la forme de transitions et de ponctuations entre différents motifs pédagogiques (Danner 2001: 11). Pourquoi parler de pédagogies au pluriel? D’abord pour accentuer le concept de formation au sens premier, et pour examiner la manière dont les pratiques esthétiques, didactiques et artistiques forment concrètement les choses, au sens micrologique du terme. L’article postule que la formation se produit à travers des ouvertures, quand quelque chose se produit de manière volontaire ou involontaire, planifiée ou non planifiée. Personne ne sait exactement quand se produisent les processus d’apprentissage, ni quand et comment se produisent les ouvertures. Le concept des sauts a donc un rôle très spécifique à jouer, car il prolonge les processus éducatifs dans d’autres temporalités et d’autres espaces, étant donné que ces sauts se produisent sans intention clairement définie (cf. Pazzini, 2015, p.16). Nous décrivons ce genre de sauts d’un point de vue micro-pédagogique, en partant de deux situations spécifiques de pédagogie artistique: d’une part un cadre institutionnel qui est l’enseignement artistique supérieur (Master Fine Arts / Art Education), et d’autre part certains procédés dans des ateliers destinés à des artistes, dans un cadre extra-institutionnel. Le motif du saut, dans sa triple connotation de mouvement vital, d’interruption et de fissure [en allemand: «Sprung»], permet de penser le caractère d’événement et la singularité de la situation éducative. L’enjeu de pédagogie artistique qu’est la pratique cognitive «en sauts» [«sprunghaft»] comme élément de l’éducation esthétique (cf. Mersch 2018: 26 ss. et Kunz 2019: 24) est étudié sous trois angles: celui de l’enseignante, celui de la participante, puis sous l’angle commun, qui combine des pratiques concrètes et avec des éléments de théorie de l’art.
  • Déplacements dans l’espace – le "displacement" scolaire en tant que démarche critique (Margot Zanni)
    Comment réfléchir à l’impact implicite des espaces scolaires, tout en participant à l’expérience de la constitution d’un «espace autre»? L’article traite des pratiques de déplacement, de variation ou de glissement dans l’espace. Il aborde en particulier la notion de «displacement» en tant que stratégie donnant à voir les effets des espaces scolaires, en présentant un ensemble hétérogène d’études de cas. Le texte revisite la démarche de Christiane Brohl et son concept de «displacement» comme stratégie artistique et pédagogique. Le cadre théorique de l’hétérotopie proposé par cette auteure est discuté à la lumière d’autres réceptions, pour aboutir à une méthodologie qui est ensuite illustrée à l’aide du séminaire «Lernen am/als/durch Raum» («Apprendre dans/comme/par l’espace»). Cette réflexion méthodologique est complétée par une analyse des infractions aux règles (tricheries) fréquentes en milieu scolaire. En tant que rupture hétérotopique de l’ordre scolaire, la tricherie a servi de modèle pour élaborer l’approche du séminaire. Ce séminaire à l’intention des étudiant*es en pédagogie artistique s’est déroulé dans le cadre d’une utilisation transitoire des salles vides de l’ancienne Villa Bellerive. Le point de départ du processus d’organisation des espaces a été une recherche artistique sur des bâtiments scolaires dont la construction remonte à différentes époques historiques. En transposant de manière situationnelle les résultats de cette recherche au contexte des salles de la villa, il a été possible de faire ressortir et d’analyser une série d’aspects des espaces scolaires, que ce soit sur le mode de l’analogie ou du contraste. Dans la perspective des futures activités d’enseignement des participant*es, il s’agissait de créer l’expérience d’une intervention créative, destinée à contrecarrer dans une certaine mesure l’effet de la standardisation des mises en scènes scolaires.
  • (Un-)Learning Ecologies – An exploration of two research-based artistic teaching formats as experimental platforms for ecologically sustainable ways of being and becoming (Janina Krepart, Chantal Küng, Judith Tonner)
    To what extent and by which new and urgent challenges are art educators confronted through current and future effects of the climate crisis? And how can artistic teaching practices contribute to a sense of responsibility, and ultimately to ecologically sustainable practices, in “kulturelle Bildung” and arts education? Motivated by these questions, the authors designed and realized two teaching modules for the Bachelor and Master Art Education (ZHdK) in the academic year 2020–21. The article stages a critical dialogue to discuss the courses’ underlying postulations and to consider potential implications for art education research. The conceptual frameworks of the two teaching formats and their respective implementation expose not only diverging underlying accounts of the “subject”; they also present different perspectives, associations and conceptions of ecology and sustainability.
  • Assembling sustainable futures – Anticipatory practices and imaginations in art education (Michel Massmünster)
    The future does not just exist. We refer to it through diverse practices, assembling it as an experience in the now. The way we conceive of the future, experience it in the present, and thus also generate it socially, is the result of complex processes of production. However, historical meanings are involved in these processes as well. Based on contemporary practices in art education, I explore powerful configurations of the future in the present: knowledge, material, person and future determine each other interdependently in these processes. Imaginations of future in art education are characterized by the emphasis on their explorative and opening character. Occasionally, especially as regards a universal understanding of sustainability, they also predefine and fixate futures. This eventually leads to a restriction of ways of life in future. Thus, I argue, it is necessary for research and practice, to analyze one’s own involvement in these assembling processes and in the historical meanings associated. In consequence, I propose an understanding of sustainability that is more appropriate to the open, explorative future practices of art education; one which reckons uncertainty and multiplicity, and thereby continuously reinvents itself, reinvents resources, and current as well as future ways of life.
  • (Un-)Learning Ecologies – An exploration of two research-based artistic teaching formats as experimental platforms for ecologically sustainable ways of being and becoming (Janina Krepart, Chantal Küng, Judith Tonner)
    To what extent and by which new and urgent challenges are art educators confronted through current and future effects of the climate crisis? And how can artistic teaching practices contribute to a sense of responsibility, and ultimately to ecologically sustainable practices, in “kulturelle Bildung” and arts education? Motivated by these questions, the authors designed and realized two teaching modules for the Bachelor and Master Art Education (ZHdK) in the academic year 2020–21. The article stages a critical dialogue to discuss the courses’ underlying postulations and to consider potential implications for art education research. The conceptual frameworks of the two teaching formats and their respective implementation expose not only diverging underlying accounts of the “subject”; they also present different perspectives, associations and conceptions of ecology and sustainability.
  • Anthologie florale (Jacqueline Baum, Ursula Jakob)
    Notre projet de longue date intitulé Connected in Isolation s’est d’abord concentré sur la pluralité des approches et des représentations des objets de la nature, qui se trouvent détachés de leur c...
  • Assembling sustainable futures – Anticipatory practices and imaginations in art education (Michel Massmünster)
    The future does not just exist. We refer to it through diverse practices, assembling it as an experience in the now. The way we conceive of the future, experience it in the present, and thus also generate it socially, is the result of complex processes of production. However, historical meanings are involved in these processes as well. Based on contemporary practices in art education, I explore powerful configurations of the future in the present: knowledge, material, person and future determine each other interdependently in these processes. Imaginations of future in art education are characterized by the emphasis on their explorative and opening character. Occasionally, especially as regards a universal understanding of sustainability, they also predefine and fixate futures. This eventually leads to a restriction of ways of life in future. Thus, I argue, it is necessary for research and practice, to analyze one’s own involvement in these assembling processes and in the historical meanings associated. In consequence, I propose an understanding of sustainability that is more appropriate to the open, explorative future practices of art education; one which reckons uncertainty and multiplicity, and thereby continuously reinvents itself, reinvents resources, and current as well as future ways of life.
  • Oser peindre: expérimenter et créer avec les couleurs. Comment évaluer le développement de compétences dans l’enseignement artistique? (Ursula Aebersold, Susanne Junger)
    Le Plan d’études 21 pour les écoles alémaniques des cantons suisses formule une nouvelle orientation de l’enseignement des arts. Par rapport à l’ancienne approche axée sur les productions artistiques des élèves, le nouveau Plan d’études accentue davantage le développement des compétences de l’élève dans la discipline enseignée ainsi que ses compétences transversales. En travaillant sur des images du domaine artistique et de la vie quotidienne, les élèves sont sensibilisés aux différentes formes d’expression artistique dans trois domaines de compétences: perception et communication, processus et produits, contextes et orientations. Les élèves apprennent à exprimer leurs conceptions, leurs idées et leurs intentions en images, et à travailler sur les formes de communication visuelle en matière d’expression comme de perception. La compétence visuelle ainsi développée permet aux élèves de s’orienter dans un environnement dominé par les images. Les objectifs formulés par le nouveau Plan d’études dans le domaine artistique sont nombreux et exigeants. La formation initiale et continue du personnel enseignant doit donc inclure les apports théoriques et les aides pédagogiques nécessaires. Notre projet de recherche et développement vise à étoffer l’enseignement pour les 2e et 3e cycles en proposant des unités d’enseignement cumulatives et stimulant l’activité cognitive. Le développement des compétences des élèves est mis en évidence par une évaluation préalable et consécutive du niveau atteint. Les unités d’enseignement sont testées, documentées, analysées et évaluées dans trois classes scolaires. Les situations d’apprentissage se focalisent sur la couleur et la peinture. Le projet porte sur l’évaluation du niveau d’apprentissage, et sur la sensibilisation du corps enseignant aux capacités préexistantes, aux expériences et aux connaissances des élèves, ainsi que sur les possibilités de soutien pédagogique et d’accompagnement pour un développement individuel de compétences. C’est pourquoi le projet fournit des instruments pour l’évaluation du niveau d’apprentissage et du développement des compétences, ainsi que des sources d’inspiration et des aides pédagogiques pour promouvoir le développement des compétences.
  • Sketch­es on Re­flex­iv­i­ty (Rubia Salgado)
    Learn­ing the hege­mo­ni­al lan­guage in mu­se­ums Based on brief sketches on topics such as dialogue, difference, recognition, knowledge, reciprocity and reflexivity in pedagogical settings, this ...
  • What are we do­ing here? (Claus Melter)
    Re­flec­tions on bar­ri­ers and dis­crim­i­na­tion in ed­u­ca­tion­al in­sti­tu­tions This text is concerned with self-reflexivity in institutions regarding the critique of barriers and discriminat...
  • Para­dox and dis­sent (Groupe l’Aventin)
    re­flex­ions on the­atre ed­u­ca­tion in mi­gra­tion so­ci­ety The paper reflects on a theatre education project the Groupe l’Aventin developed with migrant women attending at the association Camar...
  • Cy­borg Ex­its in the Class­room (Doris Arztmann, Eva Egermann)
    Body-​het­eroglos­sia and crip tools for dirty knowl­edges in art teach­ing Choosing the form of an email-conversation, Doris Arztmann and Eva Egermann discuss their workshop Body-Heteroglossia – u...
  • Un­learn­ing to Re­late (Annette Krauss)
    How to approach processes of unlearning physically, intellectually, and collaboratively? This question has been at the core of my study and practice of unlearning in different constellations at the...
  • Counter/Act­ing: Per­for­ma­tive Poros­i­ty (Elke Krasny)
    Based on Counter/Acting, a symposium at the Institute for Education in the Arts at Vienna’s Academy of Fine Arts in cooperation with Kunsthalle Wien, this text opens up links between possible acti...
  • Crip Ma­te­ri­als as Forms of Un_Uni­ver­si­ty Think­ing (Eva Egermann)
    In 1990, writing about women’s studies, Elizabeth Minnich noted: ‘Invisibility itself teaches something. Students who never hear of a woman philosopher have trouble believing in such a creature.’ ...
  • Questions of Inside and Outside – resolved in the utopia of communal,[1] anti-hegemonic knowledge production (Die „Universität der Ignorant_innen“)
    Everyone is ‘ignorant’ as long as marginalized knowledge is ignored, as long as knowledge is produced without critical reflection on its dimension of power. Knowledge production is linked to viole...
  • Apprendre entre le réel et le possible – le projet de développement interdisciplinaire AMAMuG (Lukas Bardill, Sabine Bietenhader)
    AMAMuG est un projet de développement interdisciplinaire et interinstitutionnel qui s’est déroulé du 1er avril 2018 au 1er août 2019. L’acronyme se réfère au titre du projet: «Archäologische Mustergrabung und Archäologisches Museum für Gegenwart» [«Fouillles archéologiques pédagogiques et Musée d’archéologie contemporaine»]. Le projet était dirigé par une enseignante en sciences humaines et sociales, et un enseignant en arts visuels, tous deux chargés de cours à la Haute école pédagogique des Grisons, et qui sont aussi les auteur*es de l’article. Le projet a été développé et mis en œuvre en coopération avec le Service archéologique du canton des Grisons, le service de médiation artistique du Musée rhétique et deux classes du degré primaire. L’objectif était de créer une séquence pédagogique pour le 2e cycle (5e année primaire). La séquence permet aux élèves de découvrir les outils de la pratique archéologique, afin de comprendre comment reconstruire et déconstruire l’histoire de la région. Les objets exposés au Musée d’archéologie contemporaine se rapportent à la vie quotidienne des enfants. Le travail créatif sur des objets apportés par les élèves leur permet d’en accélérer le vieillissement ou la fossilisation, ce qui est le point de départ d’une perception historique et muséale de ces objets. Notre approche interdisciplinaire vise à étudier dans quelle mesure les enfants du degré primaire parviennent à un jugement critique et émancipé des informations qui leur sont proposées, qu’elles soient institutionnelles ou alternatives. Le projet examine donc la capacité des enfants à reconstruire les contextes historiques (objets historiques), à construire des scénarios plausibles (artéfacts) et finalement à déconstruire les différentes dimensions. L’article se conclut par un dialogue entre l’historienne et le pédagogue des arts, à propos des apports générés par la démarche interdisciplinaire du projet AMAMuG pour les disciplines scolaires impliquées.
  • (Un-)Learning Ecologies – An exploration of two research-based artistic teaching formats as experimental platforms for ecologically sustainable ways of being and becoming (Janina Krepart, Chantal Küng, Judith Tonner)
    To what extent and by which new and urgent challenges are art educators confronted through current and future effects of the climate crisis? And how can artistic teaching practices contribute to a sense of responsibility, and ultimately to ecologically sustainable practices, in “kulturelle Bildung” and arts education? Motivated by these questions, the authors designed and realized two teaching modules for the Bachelor and Master Art Education (ZHdK) in the academic year 2020–21. The article stages a critical dialogue to discuss the courses’ underlying postulations and to consider potential implications for art education research. The conceptual frameworks of the two teaching formats and their respective implementation expose not only diverging underlying accounts of the “subject”; they also present different perspectives, associations and conceptions of ecology and sustainability.
  • (Un-)Learning Ecologies – An exploration of two research-based artistic teaching formats as experimental platforms for ecologically sustainable ways of being and becoming (Janina Krepart, Chantal Küng, Judith Tonner)
    To what extent and by which new and urgent challenges are art educators confronted through current and future effects of the climate crisis? And how can artistic teaching practices contribute to a sense of responsibility, and ultimately to ecologically sustainable practices, in “kulturelle Bildung” and arts education? Motivated by these questions, the authors designed and realized two teaching modules for the Bachelor and Master Art Education (ZHdK) in the academic year 2020–21. The article stages a critical dialogue to discuss the courses’ underlying postulations and to consider potential implications for art education research. The conceptual frameworks of the two teaching formats and their respective implementation expose not only diverging underlying accounts of the “subject”; they also present different perspectives, associations and conceptions of ecology and sustainability.
  • Oser peindre: expérimenter et créer avec les couleurs. Comment évaluer le développement de compétences dans l’enseignement artistique? (Ursula Aebersold, Susanne Junger)
    Le Plan d’études 21 pour les écoles alémaniques des cantons suisses formule une nouvelle orientation de l’enseignement des arts. Par rapport à l’ancienne approche axée sur les productions artistiques des élèves, le nouveau Plan d’études accentue davantage le développement des compétences de l’élève dans la discipline enseignée ainsi que ses compétences transversales. En travaillant sur des images du domaine artistique et de la vie quotidienne, les élèves sont sensibilisés aux différentes formes d’expression artistique dans trois domaines de compétences: perception et communication, processus et produits, contextes et orientations. Les élèves apprennent à exprimer leurs conceptions, leurs idées et leurs intentions en images, et à travailler sur les formes de communication visuelle en matière d’expression comme de perception. La compétence visuelle ainsi développée permet aux élèves de s’orienter dans un environnement dominé par les images. Les objectifs formulés par le nouveau Plan d’études dans le domaine artistique sont nombreux et exigeants. La formation initiale et continue du personnel enseignant doit donc inclure les apports théoriques et les aides pédagogiques nécessaires. Notre projet de recherche et développement vise à étoffer l’enseignement pour les 2e et 3e cycles en proposant des unités d’enseignement cumulatives et stimulant l’activité cognitive. Le développement des compétences des élèves est mis en évidence par une évaluation préalable et consécutive du niveau atteint. Les unités d’enseignement sont testées, documentées, analysées et évaluées dans trois classes scolaires. Les situations d’apprentissage se focalisent sur la couleur et la peinture. Le projet porte sur l’évaluation du niveau d’apprentissage, et sur la sensibilisation du corps enseignant aux capacités préexistantes, aux expériences et aux connaissances des élèves, ainsi que sur les possibilités de soutien pédagogique et d’accompagnement pour un développement individuel de compétences. C’est pourquoi le projet fournit des instruments pour l’évaluation du niveau d’apprentissage et du développement des compétences, ainsi que des sources d’inspiration et des aides pédagogiques pour promouvoir le développement des compétences.
  • 3 Questions (Barnaby Drabble)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Re­vis­it­ing Eval­u­a­tion (Emily Pringle)
    This text examines the important and potentially creative role that evaluation plays in participatory arts projects taking place in education contexts. A brief overview of evaluation is given befo...
  • Objets, ambiances, actions : l’excursion comme constellation (Markus Schwander)
    Tant dans les projets de recherche artistique que dans l’enseignement, les excursions servent à étudier la perception de l’espace. Le fait de marcher ensemble est analysé comme une constellation permettant de reconnaître et d’influencer les facteurs qui déterminent l’action, c’est-à-dire de façonner l’action collective. L’article présente des exemples artistiques pour illustrer le rapport entre l’espace et la perception, et la reconstruction permanente de ce rapport.
  • Oser peindre: expérimenter et créer avec les couleurs. Comment évaluer le développement de compétences dans l’enseignement artistique? (Ursula Aebersold, Susanne Junger)
    Le Plan d’études 21 pour les écoles alémaniques des cantons suisses formule une nouvelle orientation de l’enseignement des arts. Par rapport à l’ancienne approche axée sur les productions artistiques des élèves, le nouveau Plan d’études accentue davantage le développement des compétences de l’élève dans la discipline enseignée ainsi que ses compétences transversales. En travaillant sur des images du domaine artistique et de la vie quotidienne, les élèves sont sensibilisés aux différentes formes d’expression artistique dans trois domaines de compétences: perception et communication, processus et produits, contextes et orientations. Les élèves apprennent à exprimer leurs conceptions, leurs idées et leurs intentions en images, et à travailler sur les formes de communication visuelle en matière d’expression comme de perception. La compétence visuelle ainsi développée permet aux élèves de s’orienter dans un environnement dominé par les images. Les objectifs formulés par le nouveau Plan d’études dans le domaine artistique sont nombreux et exigeants. La formation initiale et continue du personnel enseignant doit donc inclure les apports théoriques et les aides pédagogiques nécessaires. Notre projet de recherche et développement vise à étoffer l’enseignement pour les 2e et 3e cycles en proposant des unités d’enseignement cumulatives et stimulant l’activité cognitive. Le développement des compétences des élèves est mis en évidence par une évaluation préalable et consécutive du niveau atteint. Les unités d’enseignement sont testées, documentées, analysées et évaluées dans trois classes scolaires. Les situations d’apprentissage se focalisent sur la couleur et la peinture. Le projet porte sur l’évaluation du niveau d’apprentissage, et sur la sensibilisation du corps enseignant aux capacités préexistantes, aux expériences et aux connaissances des élèves, ainsi que sur les possibilités de soutien pédagogique et d’accompagnement pour un développement individuel de compétences. C’est pourquoi le projet fournit des instruments pour l’évaluation du niveau d’apprentissage et du développement des compétences, ainsi que des sources d’inspiration et des aides pédagogiques pour promouvoir le développement des compétences.
  • DESSINER – PARLER – MONTRER (Nadia Bader)
    L’étude «Dessiner – parler – montrer» s’intéresse à la manière dont les échanges communicatifs influencent la conception et la réalisation du dessin dans le cadre de l’enseignement artistique. Le but de cette étude est une analyse à la fois empirique et ancrée dans la théorie (de la pratique). Elle porte sur les influences et les interactions qui se produisent entre la communication et la création, et les circonstances qui sous-tendent ces interdépendances, dans l’enseignement au sens large et plus particulièrement en pédagogie de l’art. L’étude consiste en une analyse systémique de la pratique de l’enseignement sous l’angle de sa contingence et de sa complexité. Elle s’appuie sur des approches qui mettent en relief le caractère imprévisible, volatil, phatique et vulnérable de l’enseignement et de l’apprentissage (Meyer-Drawe, Pazzini, Sabisch, Schürch/Willenbacher, Wimmer, etc.). Lors d’une leçon au niveau gymnasial consacrée au dessin à partir d’un modèle, les conversations entre enseignent*es et apprenant*es et les processus de dessin ont été enregistrés sur vidéo. Ces enregistrements ont ensuite fait l’objet d’une analyse qualitative et empirique faisant intervenir des méthodes de recherche et de représentation jouant sur la visualisation. Quatre études de cas détaillent des situations d’enseignement et d’apprentissage selon une approche multi-perspectives. L’analyse fait apparaître une conjonction d’influences variées, parfois contradictoires, qui marquent le développement situationnel des processus d’enseignement et d’apprentissage. À la lumière de divers concepts de théorie de la pratique (Reckwitz, Schmidt, Polanyi, Neuweg, etc.), les résultats transversaux et comparatifs sont recoupés avec des positions de pédagogie de l’art et du théâtre axées sur la performativité, l’événement, la corporéité et la matérialité de l’enseignement (Lange, Hentschel, etc.). Le présent article est consacré à deux aspects de l’étude: le lien avec l’étude pilote «Dessiner – parler» (HKB, 2012/13), et le développement des méthodes de recherche vidéo mettant l’accent sur la dimension visuelle.
  • Read across and talk back (Sabine Gebhardt Fink, Nora Landkammer, Anna Schürch)
    A di­a­logue on per­fo­mance the­o­ry and gallery ed­u­ca­tion Based on Judith Butler's definition of the performative act as an action that has to be constantly repeated and socially legitimized, ...
  • Agency at the mar­gins of pow­er (Andrea Hubin)
    Lo­cat­ing a gallery ed­u­ca­tion that op­er­ates with con­cepts of per­for­ma­tiv­i­ty Why is gallery education interested in performativity? Between fights for recognition, reflection on one’s ow...
  • Per­form­ing the ed­u­ca­tor (Bernadett Settele)
    What if we think of mediation not as a tool for the frictionless transportation of information but as a vehicle of transformation? How can art educators obtain a certain (different) kind of facult...
  • Per­for­ma­tive in­ter­ven­tions (Sandra Ortmann)
    A performance script for the exhibitions Fomuška, by Micol Assaël, and Frühling, by Pawel Althamer and children living in Kassel, at Kunsthalle Fridericianum Performtive interventions, as a format,...
  • How speech­less­ness can lead to ac­tion (Julia Draxler)
    The article asks the question, if not only «talking about art» but also «acting to art» is possible and usefull in art education. Artworks should not only be discussed in a rational way, but also ...
  • Gallery ed­u­ca­tion – per­for­mance – the dif­fer­end (Carmen Mörsch, Eva Sturm)
    The paper is based on an introductory talk given at the conference Perfoming the Museum as a Public Sphere at Kunstmuseum Lentos, Linz, in April 2008. It parts from Charles Garoian’s thesis that a...
  • Materialien zum Selbststudium (Danja Erni, Nora Landkammer, Anna Schürch, Bernadett Settele)
    Die Materialien zum Selbststudium sind mit dem Ziel konzipiert, eine Diskussions- und Wissensbasis zu den Themen «queer» und «Do it yourself» im Kunstunterricht zur Verfügung zu stellen. Sie beschä...
  • Mu­sic ed­u­ca­tion as crit­i­cal cul­tur­al sci­ences – re­vis­it­ed (Jürgen Vogt)
    This paper contains meta-theoretical considerations about the status of the research in music education. The author states, that music education – at least in Germany – concentrates on «Empirical ...
  • «By eat­ing an ap­ple, you’re eat­ing the scenery.» (Sabian Baumann, Simon Harder)
    In this interview by Simon Harder, Sabian Baumann discusses how s_he and the collaborating performers tried to conceptually and performatively queer nude drawing and its connected patriarchal unde...
  • Counter/Act­ing: Per­for­ma­tive Poros­i­ty (Elke Krasny)
    Based on Counter/Acting, a symposium at the Institute for Education in the Arts at Vienna’s Academy of Fine Arts in cooperation with Kunsthalle Wien, this text opens up links between possible acti...
  • Stimm­los 2 – Re­hearsal (Simon Harder)
    Stimmlos (voiceless/unvoiced/voting ticket), a series of experimental sound pieces and a work-in-progress, is based on and centred around artworks, giving rise to compact images in space and langua...
  • Partizipative Räume im Schulfeld Transfer eines museumspädagogischem Angebot mit Theatermethoden (Bettina Gassmann)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Being exposed as a lecturer. Proposal for a reflexive positioning of university teaching on the exemplary basis of art pedagogy (Bernadett Settele)
    To reflect on teaching art education "from art" (see Sturm 2011), I select being exposed as a starting point. Being exposed marks a place on the threshold between the critical appreciation of action and its conditions and a perspective that makes it possible to consider its passive aspects (see Settele 2019). In pursuit of the feeling of being exposed, I develop a perspective for feminist art education at master level. Taking interest in powerful addresses, roles and norms as well as in emancipatory pedagogy, I observe, from a theory-driven perspective, how individual and collective subjects of teaching interact with each other from their respective positions in teaching situations, and also what acts on them. To this end, I employ Judith Butler’s feminist concept of the post-sovereign, bound subject, making it the starting point for a reflexive positioning of teaching. This necessitates differentiating how I apply a political-philosophical concept in a non-existential, aesthetic field. As a reflexive concept, being exposed is not to be equated with the stronger concepts of feminist theoretical approaches, such as precariousness or vulnerability (see Butler 2016), or impressionability and susceptibility (see Butler 2014: 177). Situating an exercise on the reception of art in the context of art-pedagogical teacher education provides occasion for reflection on the conditionality of the subjects of teaching. The result is a textual contribution, which asks how art pedagogy educates and what takes effect within it.
  • Learning from Wallmapu (Aldir Polymeris )
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Assembling sustainable futures – Anticipatory practices and imaginations in art education (Michel Massmünster)
    The future does not just exist. We refer to it through diverse practices, assembling it as an experience in the now. The way we conceive of the future, experience it in the present, and thus also generate it socially, is the result of complex processes of production. However, historical meanings are involved in these processes as well. Based on contemporary practices in art education, I explore powerful configurations of the future in the present: knowledge, material, person and future determine each other interdependently in these processes. Imaginations of future in art education are characterized by the emphasis on their explorative and opening character. Occasionally, especially as regards a universal understanding of sustainability, they also predefine and fixate futures. This eventually leads to a restriction of ways of life in future. Thus, I argue, it is necessary for research and practice, to analyze one’s own involvement in these assembling processes and in the historical meanings associated. In consequence, I propose an understanding of sustainability that is more appropriate to the open, explorative future practices of art education; one which reckons uncertainty and multiplicity, and thereby continuously reinvents itself, reinvents resources, and current as well as future ways of life.
  • Oser peindre: expérimenter et créer avec les couleurs. Comment évaluer le développement de compétences dans l’enseignement artistique? (Ursula Aebersold, Susanne Junger)
    Le Plan d’études 21 pour les écoles alémaniques des cantons suisses formule une nouvelle orientation de l’enseignement des arts. Par rapport à l’ancienne approche axée sur les productions artistiques des élèves, le nouveau Plan d’études accentue davantage le développement des compétences de l’élève dans la discipline enseignée ainsi que ses compétences transversales. En travaillant sur des images du domaine artistique et de la vie quotidienne, les élèves sont sensibilisés aux différentes formes d’expression artistique dans trois domaines de compétences: perception et communication, processus et produits, contextes et orientations. Les élèves apprennent à exprimer leurs conceptions, leurs idées et leurs intentions en images, et à travailler sur les formes de communication visuelle en matière d’expression comme de perception. La compétence visuelle ainsi développée permet aux élèves de s’orienter dans un environnement dominé par les images. Les objectifs formulés par le nouveau Plan d’études dans le domaine artistique sont nombreux et exigeants. La formation initiale et continue du personnel enseignant doit donc inclure les apports théoriques et les aides pédagogiques nécessaires. Notre projet de recherche et développement vise à étoffer l’enseignement pour les 2e et 3e cycles en proposant des unités d’enseignement cumulatives et stimulant l’activité cognitive. Le développement des compétences des élèves est mis en évidence par une évaluation préalable et consécutive du niveau atteint. Les unités d’enseignement sont testées, documentées, analysées et évaluées dans trois classes scolaires. Les situations d’apprentissage se focalisent sur la couleur et la peinture. Le projet porte sur l’évaluation du niveau d’apprentissage, et sur la sensibilisation du corps enseignant aux capacités préexistantes, aux expériences et aux connaissances des élèves, ainsi que sur les possibilités de soutien pédagogique et d’accompagnement pour un développement individuel de compétences. C’est pourquoi le projet fournit des instruments pour l’évaluation du niveau d’apprentissage et du développement des compétences, ainsi que des sources d’inspiration et des aides pédagogiques pour promouvoir le développement des compétences.
  • reise zum :) (Helen Stefanie)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • «Poor images» — À propos des «copies in motion» et des endroits où les trouver (Helena Schmidt)
    La contribution «Poor images» — À propos des «copies in motion» et des endroits où les trouver traite du terme «poor images» (selon Hito Steyerl, 2009) et situe le concept dans la pratique de la médiation artistique contemporaine. Il s’agit de poser un regard critique sur Internet et ses nouveaux phénomènes et pratiques en lien avec l’image. La notion de «poor images» est discutée sous l’angle de son potentiel pour notre pratique de l’image à l’ère post-numérique.
  • Challenges of a Disciplinary Anchorage – Questions Addressed at Art Education (Anna Schürch, Sophie Vögele)
    The article investigates the contradictions associated with the formation and institutionalization of academic disciplines, and explores the anchoring of art education as a discipline in tertiary education. The text thus pursues an attempt to provide a conceptual framework for the further development of art education and its disciplining in Switzerland. From their different institutional and research positions, the authors negotiate disciplinary and institutional relationships in the writing process itself. Thereby, interdisciplinarity as a characteristic of art education is essential to the undertaking and raises a number of questions: to what extent is a distinction from reference disciplines possible by disciplining art education as interdisciplinary? And how can the dichotomy that to a great extent characterizes the understanding of art education be overcome? What does an inquiring self-understanding entail and how can the lack of a disciplines tradition in this subject be dealt with? How big of a part do institutional structures play and what is the role of self-reflection in the process of stabilization?
  • (Un-)Learning Ecologies – An exploration of two research-based artistic teaching formats as experimental platforms for ecologically sustainable ways of being and becoming (Janina Krepart, Chantal Küng, Judith Tonner)
    To what extent and by which new and urgent challenges are art educators confronted through current and future effects of the climate crisis? And how can artistic teaching practices contribute to a sense of responsibility, and ultimately to ecologically sustainable practices, in “kulturelle Bildung” and arts education? Motivated by these questions, the authors designed and realized two teaching modules for the Bachelor and Master Art Education (ZHdK) in the academic year 2020–21. The article stages a critical dialogue to discuss the courses’ underlying postulations and to consider potential implications for art education research. The conceptual frameworks of the two teaching formats and their respective implementation expose not only diverging underlying accounts of the “subject”; they also present different perspectives, associations and conceptions of ecology and sustainability.
  • Trois questions à... (Hannah Horst)
    Les revues d’art proposent généralement des articles sur des expositions en cours ou à venir. La revue électronique de la SSPA e Journal Art Education Research souhaite reprendre ce format, et le transposer au domaine de la pédagogie de l’art. Chaque numéro présente ainsi un projet de pédagogie de l’art, en explicitant l’approche d’une personne ou d’un collectif en matière de médiation artistique. La rubrique pourra varier quant à la forme. Elle donnera un aperçu de l’état actuel des pratiques en pédagogie artistique. Les réponses pourront prendre la forme d’images, de textes ou autre.
  • Déplacements dans l’espace – le "displacement" scolaire en tant que démarche critique (Margot Zanni)
    Comment réfléchir à l’impact implicite des espaces scolaires, tout en participant à l’expérience de la constitution d’un «espace autre»? L’article traite des pratiques de déplacement, de variation ou de glissement dans l’espace. Il aborde en particulier la notion de «displacement» en tant que stratégie donnant à voir les effets des espaces scolaires, en présentant un ensemble hétérogène d’études de cas. Le texte revisite la démarche de Christiane Brohl et son concept de «displacement» comme stratégie artistique et pédagogique. Le cadre théorique de l’hétérotopie proposé par cette auteure est discuté à la lumière d’autres réceptions, pour aboutir à une méthodologie qui est ensuite illustrée à l’aide du séminaire «Lernen am/als/durch Raum» («Apprendre dans/comme/par l’espace»). Cette réflexion méthodologique est complétée par une analyse des infractions aux règles (tricheries) fréquentes en milieu scolaire. En tant que rupture hétérotopique de l’ordre scolaire, la tricherie a servi de modèle pour élaborer l’approche du séminaire. Ce séminaire à l’intention des étudiant*es en pédagogie artistique s’est déroulé dans le cadre d’une utilisation transitoire des salles vides de l’ancienne Villa Bellerive. Le point de départ du processus d’organisation des espaces a été une recherche artistique sur des bâtiments scolaires dont la construction remonte à différentes époques historiques. En transposant de manière situationnelle les résultats de cette recherche au contexte des salles de la villa, il a été possible de faire ressortir et d’analyser une série d’aspects des espaces scolaires, que ce soit sur le mode de l’analogie ou du contraste. Dans la perspective des futures activités d’enseignement des participant*es, il s’agissait de créer l’expérience d’une intervention créative, destinée à contrecarrer dans une certaine mesure l’effet de la standardisation des mises en scènes scolaires.
  • Rehearsing Researching: Re-enactment of a script through collaborative writing (Janina Krepart, Heinrich Lüber , Jules Sturm)
    This article is based on a critical engagement with the practical conditions of teaching and doing research, which are significantly influenced by the respective artistic and theoretical backgrounds of the three authors involved in this project, by the media through which they communicate and (inter)act, and by the artistic, educational and scientific strategies and practices implemented in the work itself. Together the writers try out the experimental practice of re-scription as a mode of research. They bring to bear their individual writing experiences on the situation of co-writing this e-journal article by engaging with concepts from artistic-educational theories, such as becoming research, working from conditions, turning education and chronopolitics. It is an experimental approach to methodological processes, developed by way of pedagogical, artistic, and radical publishing strategies. The making of this article thus becomes part of a time-permitting and probing research process, which aims to infuse future artistic ways of teaching and learning.
  • Priorités de recherche didactique en pédagogie de l’art au jardin d’enfants. Enquête à l’interface de la discipline scientifique, de l’enseignement et de la méthodologie de recherche en sciences sociales (Dr. des. Anja Morawietz)
    Cet article traite de l’interface entre la discipline scientifique, l’enseignement et la méthodologie de recherche en sciences sociales dans le cadre de la pédagogie de l’art et de la recherche didactique au jardin d’enfants. Le texte présente d’abord les questions qui se posent en pédagogie de l’art au jardin d’enfants. Il passe ensuite aux raisons qui justifient les méthodes scientifiques systématiques ainsi que la recherche esthétique ou artistique en pédagogie de l’art. Une étude intitulée «Dessiner comme opportunité pédagogique au jardin d’enfants. Comment les enfants de 5 à 6 ans réagissent lorsqu’on leur demande de dessiner d’après des objets ou des scènes» démontre l’efficacité des méthodes de recherche qualitatives-empiriques en pédagogie de l’art. Cette étude présente la méthode de la vidéographie qui, dans sa version adaptée, correspond parfaitement aux questions et aux objets esthétiques de la recherche en pédagogie de l’art. L’étude brièvement résumée ici cherche à savoir dans quelle mesure les jeunes enfants s’intéressent au dessin d’après un modèle dans un cadre scolaire. Elle étudie la réaction des enfants aux injonctions didactiques, et identifie les opportunités formatrices qui en découlent. Il apparaît que la vidéographie est parfaitement adaptée à l’observation, à la description et à l’analyse de la pratique créative en milieu scolaire, avec ses modalités d’enseignement, ses processus d’apprentissage et ses méthodes pédagogiques. Les Hautes écoles pédagogiques suisses disposent de connaissances solides dans le domaine des méthodes systématiques en sciences de l’éducation et en sciences sociales. Il serait souhaitable de favoriser les synergies entre les sciences de l’éducation, les sciences sociales et la didactique des différentes disciplines. L’introduction du Joint Master en didactique des arts à la HEP de Zurich offre désormais l’opportunité d’aborder les questions d’enseignement artistique pour tous les niveaux scolaires à l’aide des méthodes de recherche courantes dans le cadre d’un mémoire de Master.
  • Re­vis­it­ing Eval­u­a­tion (Emily Pringle)
    This text examines the important and potentially creative role that evaluation plays in participatory arts projects taking place in education contexts. A brief overview of evaluation is given befo...
  • Per­for­ma­tive in­ter­ven­tions (Sandra Ortmann)
    A performance script for the exhibitions Fomuška, by Micol Assaël, and Frühling, by Pawel Althamer and children living in Kassel, at Kunsthalle Fridericianum Performtive interventions, as a format,...
  • How speech­less­ness can lead to ac­tion (Julia Draxler)
    The article asks the question, if not only «talking about art» but also «acting to art» is possible and usefull in art education. Artworks should not only be discussed in a rational way, but also ...
  • Do it yourself und Radikal Crafting. Wie radikal ist die Handarbeit? Zu Geschichte und Aktualität von Do it yourself-Strategien in Aktivismus und Kunst. (Sonja Eismann)
    Sonja Eismann zeigt in ihrem Beitrag die Geschichte und Aktualität von Do-it-yourself-Strategien in Aktivismus und Kunst auf. Sie geht der Frage der Etablierung dieser Gegenkultur nach, die sich An...
  • Flic Flac* - Feministische Materialien für den Kunstunterricht. (Elke Smodics-Kuscher, Nora Sternfeld, Büro trafo. K)
    Flic Flac* – Fe­mi­nis­ti­sche Ma­te­ria­li­en für den Kunstun­ter­richt. Mit Flic Flac* versuchen Elke Smodics-Kuscher und Nora Sternfeld vom Büro trafo.K sich den Kodierungen, Fallstricken und Wi...
  • Queer und DIY im Kunstunterricht. Eine Einführung (Bernadett Settele)
    In der Einführung werden die Ziele aufgezeigt, die Art Education Research Nr. 3 verfolgt: als „Schulbuch“ Anregungen aus der queer theory und den Kulturwissenschaften für den Kunstunterricht zu ver...
  • AUS MIT RAUS (Eva Lausegger)
    or AM I RACIST? The text deals with an intent to deport a student at our school, the protest movement that mobilized against the deportation, and an art project with students from several courses o...
  • «Sich Verze­ich­nen» – with and through dif­fer­ences (Mikki Muhr)
    Build­ing re­la­tions and leav­ing rests in car­togra­phies What enables reflective processes, that can help to view one’s own thoughts and actions in their conditioning frameworks and to criticall...
  • Front Cov­ers for Vir­tu­al Es­says and Non-​Ex­is­tent Books, 2004-​2016 (Roee Rosen)
    The board presented here, echoing those found in school libraries, was made for the exhibition Art School, curated by Avi Lubin at Tel Aviv Museum of Art in 2016. Celebrating the 70th anniversary o...
  • Counter/Act­ing: Per­for­ma­tive Poros­i­ty (Elke Krasny)
    Based on Counter/Acting, a symposium at the Institute for Education in the Arts at Vienna’s Academy of Fine Arts in cooperation with Kunsthalle Wien, this text opens up links between possible acti...
  • How to Speak with Your Mouth Full? (Studio Without Master)
    If every art school class can be perceived as a collective body, it is usually headed by a master. We want to keep this anatomical metaphor and symbolically decapitate it. The head is generally un...
  • The Liv­ing School (Brandon LaBElle)
    The Living School was held in London from February to June 2016 in collaboration with the South London Gallery and taking place at a range of venues in the city. Focusing on the issues of social ho...
  • The An­ti-​Lec­ture Mul­ti_Verse (Jamika Ajalon)
    (un­re­hearsed) I aim to explore the ways in which artistic practice, academic research, and the blending of multilayered narratives destabilizes traditional, hegemonic sagacity, and static structu...
  • Acting Together: rethinking existing approaches to collective action (Yen Noh)
    This text investigates collective action as an artistic practice. Such practice is often collaborative and curatorial, both working within artist groups and by involving the audience and other art...
  • Stimm­los 2 – Re­hearsal (Simon Harder)
    Stimmlos (voiceless/unvoiced/voting ticket), a series of experimental sound pieces and a work-in-progress, is based on and centred around artworks, giving rise to compact images in space and langua...
  • Learning Processes about Non-Discriminatory Practices in the Field of Cultural Education  (Aïcha Diallo, Danja Erni)
    Since summer 2016, we have been leading the KontextSchule, a platform for the continuing education of teachers and artists in Berlin. Adopting the viewpoint of those who stand inside and outside o...
  • Sown by Scat­ter­ing: Re­flec­tions on an Un­re­al­ized Com­mis­sion for an Artis­tic Project at an Asy­lum Cen­ter (Pascal Schwaighofer)
    What are the implications of a commissioned monument that envisages a participatory process between an artist and the inhabitants of an asylum center? From defining the context and identifying the ...
  • … um das Ende der Welt aufzuhalten! Ein kollektives Nachdenken zum Klimawandel (Bené Asefa Feireiss , Silke Ballath , Kunigunde Berberich , Raphael Daibert , Lukas Oertel , Katharina Stahlhoven , Wiebke Janzen )
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Learning Lab Arts and Design: Collecte de données en pédagogie de l’art et du design (Dorothée King)
    La Biennale de design d’Istanbul 2018 consistait en six écoles pop-up, dont le cadre général était «le design en tant qu’apprentissage et l’apprentissage en tant que design» . Proclamé dans les arts depuis plus d’une décennie, le phénomène appelé «tournant pédagogique» s’étend ainsi au monde du design. Ce tournant pédagogique dans les arts remet en question l’idée que l’apprentissage serait un transfert de connaissances à sens unique, et qu’il serait la clé du succès dans le cadre d’une société capitaliste. Le tournant pédagogique tend au contraire à faire émerger des méthodes alternatives de pédagogie et d’apprentissage, c’est-à-dire des méthodes ayant des finalités alternatives. Istanbul a été l’occasion de voir l’apprentissage dans le design comme une manière de s’adapter aux multiples changements d’une société en fragmentation (numérique). Mais les débats sur la pédagogie menés par les commissaires d’exposition font-ils vraiment évoluer les cultures d’apprentissage des écoles d’art et de design? L’apprentissage de l’art et du design ne serait-il pas plutôt en évolution permanente, reflétant le changement plus général des cadres politiques et culturels? Faudrait-il tenter une réorientation totale par désapprentissage, comme le propose l’institution Haus der Kulturen der Welt? Dans cet article, j’entends présenter une autre approche. En 2019, le plus grand défi pour les enseignant*es comme pour les apprenant*es est de savoir comment gérer l’accumulation des connaissances et des méthodes, notamment la croissance rapide des données sur l’apprentissage en art et en design . Dans les écoles d’art et de design, les étudiant*s doivent être préparé*es à aborder les multiples possibilités d’apprentissage comme des ensembles de données. Dans le cadre de la nouvelle plateforme «Learning Lab Arts and Design» (LLAD) à l’Institut de pédagogie de l’art et du design de Bâle, je propose une boîte à outils de données, qui est destinée au traitement et à l’enregistrement des différentes pratiques d’apprentissage dans les arts et le design. L’approche que je développe permet des apprentissages qui s’inspirent des cultures passées et futures ainsi que d’autres disciplines des arts et du design. Elle stimule le mélange spontané, l’exploration et le brouillage des pratiques d’apprentissage traditionnelles. Le texte propose une réflexion sur les méthodes d’apprentissage passées et présentes dans les arts et le design, afin de lancer la collecte de données pour la boîte à outils d’apprentissage LLAD. L’histoire est riche en profonds changements et en nouvelles tentatives en matière d’apprentissage. Thierry de Duve, historien d’art de nationalité belge, a étudié l’évolution des cultures d’apprentissage dans les écoles d’art occidentales, qui sont passées de l’imitation à la copie, puis à l’imagination, à la déconstruction et à la simulation . Suivant son exemple, je considère l’échantillonnage de données historiques concernant les méthodes d’apprentissage dans les arts et le design comme une possibilité d’identifier différentes activités d’apprentissage, activités qu’il s’agit de collecter, d’explorer et d’expérimenter au LLAD.
  • Priorités de recherche didactique en pédagogie de l’art au jardin d’enfants. Enquête à l’interface de la discipline scientifique, de l’enseignement et de la méthodologie de recherche en sciences sociales (Dr. des. Anja Morawietz)
    Cet article traite de l’interface entre la discipline scientifique, l’enseignement et la méthodologie de recherche en sciences sociales dans le cadre de la pédagogie de l’art et de la recherche didactique au jardin d’enfants. Le texte présente d’abord les questions qui se posent en pédagogie de l’art au jardin d’enfants. Il passe ensuite aux raisons qui justifient les méthodes scientifiques systématiques ainsi que la recherche esthétique ou artistique en pédagogie de l’art. Une étude intitulée «Dessiner comme opportunité pédagogique au jardin d’enfants. Comment les enfants de 5 à 6 ans réagissent lorsqu’on leur demande de dessiner d’après des objets ou des scènes» démontre l’efficacité des méthodes de recherche qualitatives-empiriques en pédagogie de l’art. Cette étude présente la méthode de la vidéographie qui, dans sa version adaptée, correspond parfaitement aux questions et aux objets esthétiques de la recherche en pédagogie de l’art. L’étude brièvement résumée ici cherche à savoir dans quelle mesure les jeunes enfants s’intéressent au dessin d’après un modèle dans un cadre scolaire. Elle étudie la réaction des enfants aux injonctions didactiques, et identifie les opportunités formatrices qui en découlent. Il apparaît que la vidéographie est parfaitement adaptée à l’observation, à la description et à l’analyse de la pratique créative en milieu scolaire, avec ses modalités d’enseignement, ses processus d’apprentissage et ses méthodes pédagogiques. Les Hautes écoles pédagogiques suisses disposent de connaissances solides dans le domaine des méthodes systématiques en sciences de l’éducation et en sciences sociales. Il serait souhaitable de favoriser les synergies entre les sciences de l’éducation, les sciences sociales et la didactique des différentes disciplines. L’introduction du Joint Master en didactique des arts à la HEP de Zurich offre désormais l’opportunité d’aborder les questions d’enseignement artistique pour tous les niveaux scolaires à l’aide des méthodes de recherche courantes dans le cadre d’un mémoire de Master.
  • Anthologie florale (Jacqueline Baum, Ursula Jakob)
    Notre projet de longue date intitulé Connected in Isolation s’est d’abord concentré sur la pluralité des approches et des représentations des objets de la nature, qui se trouvent détachés de leur c...
  • Anthologie florale (Jacqueline Baum, Ursula Jakob)
    Notre projet de longue date intitulé Connected in Isolation s’est d’abord concentré sur la pluralité des approches et des représentations des objets de la nature, qui se trouvent détachés de leur c...
  • Editorial Ausgabe 16 (Gila Kolb, Beate Florenz)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • trébucher radicalement pour (dés-) apprendre à voir Comment les «séquences de langage» reflètent-elles l’enseignement? (Judit Villiger)
    Le texte traite de questions concernant l’enseignement. Il analyse ce que les étudiant*es observent et pensent concrètement en situation pédagogique réelle, dans leur rôle transitoire peu avant le stage pratique d’enseignement du Master Art Education. Il n’est pas facile d’avoir une perception consciente et une réflexion active sur la pratique d’enseignement. En dehors de toutes les actions qui se déroulent en parallèle en salle de classe, il faut aussi tenir compte du fait que les visiteurs*euses, par leur seule présence, deviennent également des participant*es. Ce qui se passe en classe peut donc être analysé comme un réseau d’actions individuelles impossibles à appréhender intégralement, quel que soit le point d’observation. La méthode «Sprachstücke» («séquences de langage») est une introduction à des situations pratiques d’enseignement. Elle s’appuie sur l’attitude et la sensibilité artistiques acquises par les étudiant*es au cours de leur formation, pour ensuite développer leur capacité d’observation. Cette démarche attire l’attention sur ce qui est considéré comme allant de soi, notamment dans les processus les plus courants. La méthode des «Sprachstücke» invite les étudiant*es à traduire en leurs propres termes ce genre d’observations à la fois quotidiennes et insolites. En fonction de l’intérêt manifesté par les étudiant*es, l’article décrit à titre d’exemple comment une étudiante réagit à l’enseignement en reprenant une «séquence de langage» du T-shirt d’un élève. Les objectifs du projet sont: (a) développer une perception active de l’enseignement, c’est-à-dire apprendre à voir, (b) désapprendre à voir par la réflexion et la révision, (c) afin de rendre ce processus intelligible pour soi-même et pour les autres, et de le transposer dans un univers linguistique au moyen de la sensibilité artistique.
  • Objets, ambiances, actions : l’excursion comme constellation (Markus Schwander)
    Tant dans les projets de recherche artistique que dans l’enseignement, les excursions servent à étudier la perception de l’espace. Le fait de marcher ensemble est analysé comme une constellation permettant de reconnaître et d’influencer les facteurs qui déterminent l’action, c’est-à-dire de façonner l’action collective. L’article présente des exemples artistiques pour illustrer le rapport entre l’espace et la perception, et la reconstruction permanente de ce rapport.
  • Read across and talk back (Sabine Gebhardt Fink, Nora Landkammer, Anna Schürch)
    A di­a­logue on per­fo­mance the­o­ry and gallery ed­u­ca­tion Based on Judith Butler's definition of the performative act as an action that has to be constantly repeated and socially legitimized, ...
  • Do­ing Is Rec­og­niz­ing and Rec­og­niz­ing Is Do­ing. The In­sep­a­ra­ble In­ter­re­la­tion be­tween The­o­ry and Prac­tice (Barbara Putz-Plecko)
    About the development of research and theory in the field of art-, gallery-, and cultural education at the University of Applied Arts Vienna The education of art teachers at the University of Appli...
  • Aes­thet­ic Learn­ing in Ur­ban Space – On­go­ing Syn­the­ses of Prac­tice and The­o­ry (Wolfgang Zacharias)
    Wolfgang Zacharias’ contribution shows his interest in aesthetic and urban learning in the context of «Cultural Education 2.0». The text encompasses the experimental educational activities in publ...
  • Aes­thet­ic ed­u­ca­tion and art teach­ing (Paul Mecheril)
    Notes from the per­spec­tive of mi­gra­tion ped­a­gogy Rather than asking about the culture of specific migrant groups, how these cultures can be described and what enables the understanding betwee...
  • Think­ing Through /Dif­fer­ence/ in Art Ed­u­ca­tion Con­texts (jan jagodzinski)
    Work­ing the Third Space and Be­yond This essay was published in 1999. It explores the difficulty of «difference» within pluriculturalist art education. It explores the dominant liberal humanist ap...
  • GERMAN, NATURAL AND NAKED? The Colonial Entanglements of the Life Reform (Saskia Köbschall)
    Taking the author’s personal experiences with the German nudist movement as a starting point, this essay explores the discursive link between colonialism, its ideology of racial hierarchies and th...
  • Being exposed as a lecturer. Proposal for a reflexive positioning of university teaching on the exemplary basis of art pedagogy (Bernadett Settele)
    To reflect on teaching art education "from art" (see Sturm 2011), I select being exposed as a starting point. Being exposed marks a place on the threshold between the critical appreciation of action and its conditions and a perspective that makes it possible to consider its passive aspects (see Settele 2019). In pursuit of the feeling of being exposed, I develop a perspective for feminist art education at master level. Taking interest in powerful addresses, roles and norms as well as in emancipatory pedagogy, I observe, from a theory-driven perspective, how individual and collective subjects of teaching interact with each other from their respective positions in teaching situations, and also what acts on them. To this end, I employ Judith Butler’s feminist concept of the post-sovereign, bound subject, making it the starting point for a reflexive positioning of teaching. This necessitates differentiating how I apply a political-philosophical concept in a non-existential, aesthetic field. As a reflexive concept, being exposed is not to be equated with the stronger concepts of feminist theoretical approaches, such as precariousness or vulnerability (see Butler 2016), or impressionability and susceptibility (see Butler 2014: 177). Situating an exercise on the reception of art in the context of art-pedagogical teacher education provides occasion for reflection on the conditionality of the subjects of teaching. The result is a textual contribution, which asks how art pedagogy educates and what takes effect within it.
  • Revue (Cornelia Dinsleder )
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • À propos de la recherche actuelle en pédagogie artistique en Suisse (Ruth Kunz, Gila Kolb)
    Entretien avec Ruth Kunz, octobre 2019. Le symposium «Le regard professionnalisé» a eu lieu en 2019, peu après la publication du volume du même nom. La revue électronique de la SSPA «Art Education Research» est consacrée à la recherche actuelle en pédagogie de l’art en Suisse, et le premier numéro publie un entretien avec Ruth Kunz. L’entretien revient sur ses longues années de pratique et de recherche, son enseignement et le contexte de la recherche en pédagogie de l’art en Suisse alémanique. Le texte met en lumière le potentiel spécifique de la pédagogie de l’art en matière de recherche. Propos recueillis par Gila Kolb.
  • Revue (Gitta Bertram)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Les sauts micropédagogiques dans le contexte de l'éducation esthétique (Silvia Henke, Wiktoria Furrer)
    L’éducation esthétique est un vaste projet civilisationnel, éducatif et politique, que le présent article explore pour l’époque actuelle à travers des sauts micro-pédagogiques. Le concept de micro-pédagogie n’est pas encore clairement défini en pédagogie artistique. Dans le cadre du discours pédagogique, ce concept a été introduit par Stefan Danner comme improvisation pédagogique des enseignant*es, sous la forme de transitions et de ponctuations entre différents motifs pédagogiques (Danner 2001: 11). Pourquoi parler de pédagogies au pluriel? D’abord pour accentuer le concept de formation au sens premier, et pour examiner la manière dont les pratiques esthétiques, didactiques et artistiques forment concrètement les choses, au sens micrologique du terme. L’article postule que la formation se produit à travers des ouvertures, quand quelque chose se produit de manière volontaire ou involontaire, planifiée ou non planifiée. Personne ne sait exactement quand se produisent les processus d’apprentissage, ni quand et comment se produisent les ouvertures. Le concept des sauts a donc un rôle très spécifique à jouer, car il prolonge les processus éducatifs dans d’autres temporalités et d’autres espaces, étant donné que ces sauts se produisent sans intention clairement définie (cf. Pazzini, 2015, p.16). Nous décrivons ce genre de sauts d’un point de vue micro-pédagogique, en partant de deux situations spécifiques de pédagogie artistique: d’une part un cadre institutionnel qui est l’enseignement artistique supérieur (Master Fine Arts / Art Education), et d’autre part certains procédés dans des ateliers destinés à des artistes, dans un cadre extra-institutionnel. Le motif du saut, dans sa triple connotation de mouvement vital, d’interruption et de fissure [en allemand: «Sprung»], permet de penser le caractère d’événement et la singularité de la situation éducative. L’enjeu de pédagogie artistique qu’est la pratique cognitive «en sauts» [«sprunghaft»] comme élément de l’éducation esthétique (cf. Mersch 2018: 26 ss. et Kunz 2019: 24) est étudié sous trois angles: celui de l’enseignante, celui de la participante, puis sous l’angle commun, qui combine des pratiques concrètes et avec des éléments de théorie de l’art.
  • Response-Ability: Dringende Fragen in der künstlerische Praxis, Forschung und Lehre (Jacqueline Baum)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • «Mu­sic has a mean­ing to me» (Martina Krause-Benz)
    Mean­ing con­struc­tion in mu­sic class­es as a di­men­sion of mu­sic re­lat­ed ed­u­ca­tion This paper discusses the educational potential of music classes in which music-related meaning is constr...
  • Aes­thet­ic ar­gu­ments as a medi­um of mu­sic class­es (Christian Rolle)
    About the sig­nif­i­cance of the ar­gu­ment-​based speech about mu­sic for aes­thet­ic ed­u­ca­tion This paper discusses the educational potential of aesthetic arguments in music classes. The descr...
  • Mu­sic ed­u­ca­tion as crit­i­cal cul­tur­al sci­ences – re­vis­it­ed (Jürgen Vogt)
    This paper contains meta-theoretical considerations about the status of the research in music education. The author states, that music education – at least in Germany – concentrates on «Empirical ...
  • In­di­vid­ual con­cepts of mu­sic teach­ers (Anne Niessen)
    An em­pir­i­cal study as a con­tri­bu­tion to ba­sic re­search in mu­sic ed­u­ca­tion This paper gives an insight into an empirical study about individual concepts of music teachers. Interviews abo...
  • Be­tween canon an so­cio-​cul­ture (Olivier Blanchard, Jürg Huber)
    Ex­plo­rations on the field of school mu­sic in the Ger­man speak­ing part of Switzer­land This paper presents an explorative study about music classes in «Sekundarschulen» and «Gymnasien» in the G...
  • Who hears as I do and to whom do I be­long? (Dorothee Barth)
    About the no­tion of cul­tur­al iden­ti­ty in the con­text of an (in­ter­cul­tur­al) mu­sic ed­u­ca­tion This paper discusses the question, how the «Intercultural Music Education» can contribute to...
  • Learned dur­ing leisure time, processed in school (Christoph Marty)
    The aim of the praxis-based research project in music pedagogy presented in this contribution involves in-class processing of musical competence and knowledge that music students have acquired out...
  • Emergency Remote Art Education? Reflections on a study with students on art- and aesthetic-cultural educational practices in a state of emergency (Miriam Schmidt-Wetzel, Laura Zachmann)
    The article provides an overview of a study being considered an investigation of and with actors in art education and orients itself methodically/methodologically on characteristics of phenomenological case research. Subject of the qualitative-empirical study is the experience of various actors involved in teaching in the field of art education, or in the subject of Bildnerisches Gestalten, in the midst of the global state of emergency triggered by the Covid-19 pandemic in spring 2020. The investigation is based on two assumptions: first, that under the pressure of the first pandemic wave, educational formats developed ad hoc and without sound knowledge of e-didactics in the mode of Emergency Remote Teaching (ERT) (Hodges et al. 2020); secondly, that the understandings and approaches that are evident in the art educational activities of the ERT are important for developing a well-founded Remote Art Education. In-depth insights into the study are provided by excerpts from the first of three sub-studies. It is focused on a group discussion with three bachelor students about their first professional internships in aesthetic-educational and socio-cultural fields under lockdown conditions. Drawing on observations from the sub-study, the article sketches initial findings on forms of ERT specific to art education and sheds light on their potential for teaching concepts expanding into the digital and into the distance. Via critical reflection on the methodological approach in the context of this first sub-study, it further examines the selected approaches in terms of how they deal with the specific challenges of research at a distance and under exceptional circumstances – in the mode, so to speak, of Emergency Remote Art Education Research.
  • Queer und DIY im Kunstunterricht. Eine Einführung (Bernadett Settele)
    In der Einführung werden die Ziele aufgezeigt, die Art Education Research Nr. 3 verfolgt: als „Schulbuch“ Anregungen aus der queer theory und den Kulturwissenschaften für den Kunstunterricht zu ver...
  • Materialien zum Selbststudium (Danja Erni, Nora Landkammer, Anna Schürch, Bernadett Settele)
    Die Materialien zum Selbststudium sind mit dem Ziel konzipiert, eine Diskussions- und Wissensbasis zu den Themen «queer» und «Do it yourself» im Kunstunterricht zur Verfügung zu stellen. Sie beschä...
  • «By eat­ing an ap­ple, you’re eat­ing the scenery.» (Sabian Baumann, Simon Harder)
    In this interview by Simon Harder, Sabian Baumann discusses how s_he and the collaborating performers tried to conceptually and performatively queer nude drawing and its connected patriarchal unde...
  • Stimm­los 2 – Re­hearsal (Simon Harder)
    Stimmlos (voiceless/unvoiced/voting ticket), a series of experimental sound pieces and a work-in-progress, is based on and centred around artworks, giving rise to compact images in space and langua...
  • Objets, ambiances, actions : l’excursion comme constellation (Markus Schwander)
    Tant dans les projets de recherche artistique que dans l’enseignement, les excursions servent à étudier la perception de l’espace. Le fait de marcher ensemble est analysé comme une constellation permettant de reconnaître et d’influencer les facteurs qui déterminent l’action, c’est-à-dire de façonner l’action collective. L’article présente des exemples artistiques pour illustrer le rapport entre l’espace et la perception, et la reconstruction permanente de ce rapport.
  • Trois questions à... (Hannah Horst)
    Les revues d’art proposent généralement des articles sur des expositions en cours ou à venir. La revue électronique de la SSPA e Journal Art Education Research souhaite reprendre ce format, et le transposer au domaine de la pédagogie de l’art. Chaque numéro présente ainsi un projet de pédagogie de l’art, en explicitant l’approche d’une personne ou d’un collectif en matière de médiation artistique. La rubrique pourra varier quant à la forme. Elle donnera un aperçu de l’état actuel des pratiques en pédagogie artistique. Les réponses pourront prendre la forme d’images, de textes ou autre.
  • À propos de la recherche actuelle en pédagogie artistique en Suisse (Ruth Kunz, Gila Kolb)
    Entretien avec Ruth Kunz, octobre 2019. Le symposium «Le regard professionnalisé» a eu lieu en 2019, peu après la publication du volume du même nom. La revue électronique de la SSPA «Art Education Research» est consacrée à la recherche actuelle en pédagogie de l’art en Suisse, et le premier numéro publie un entretien avec Ruth Kunz. L’entretien revient sur ses longues années de pratique et de recherche, son enseignement et le contexte de la recherche en pédagogie de l’art en Suisse alémanique. Le texte met en lumière le potentiel spécifique de la pédagogie de l’art en matière de recherche. Propos recueillis par Gila Kolb.
  • Editorial Ausgabe 16 (Gila Kolb, Beate Florenz)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Revue (Gitta Bertram)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • reise zum :) (Helen Stefanie)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Objets, ambiances, actions : l’excursion comme constellation (Markus Schwander)
    Tant dans les projets de recherche artistique que dans l’enseignement, les excursions servent à étudier la perception de l’espace. Le fait de marcher ensemble est analysé comme une constellation permettant de reconnaître et d’influencer les facteurs qui déterminent l’action, c’est-à-dire de façonner l’action collective. L’article présente des exemples artistiques pour illustrer le rapport entre l’espace et la perception, et la reconstruction permanente de ce rapport.
  • Anthologie florale (Jacqueline Baum, Ursula Jakob)
    Notre projet de longue date intitulé Connected in Isolation s’est d’abord concentré sur la pluralité des approches et des représentations des objets de la nature, qui se trouvent détachés de leur c...
  • Response-Ability: Dringende Fragen in der künstlerische Praxis, Forschung und Lehre (Jacqueline Baum)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • 3 Questions (Barnaby Drabble)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Humus (Christiane Hamacher)
    Nicht übersetzt
  • EcoArtLab. Transdisziplinäre Zugänge zum Klimawandel (Yvonne Schmidt)
    Keine Übersetzung vorhanden
  • DESSINER – PARLER – MONTRER (Nadia Bader)
    L’étude «Dessiner – parler – montrer» s’intéresse à la manière dont les échanges communicatifs influencent la conception et la réalisation du dessin dans le cadre de l’enseignement artistique. Le but de cette étude est une analyse à la fois empirique et ancrée dans la théorie (de la pratique). Elle porte sur les influences et les interactions qui se produisent entre la communication et la création, et les circonstances qui sous-tendent ces interdépendances, dans l’enseignement au sens large et plus particulièrement en pédagogie de l’art. L’étude consiste en une analyse systémique de la pratique de l’enseignement sous l’angle de sa contingence et de sa complexité. Elle s’appuie sur des approches qui mettent en relief le caractère imprévisible, volatil, phatique et vulnérable de l’enseignement et de l’apprentissage (Meyer-Drawe, Pazzini, Sabisch, Schürch/Willenbacher, Wimmer, etc.). Lors d’une leçon au niveau gymnasial consacrée au dessin à partir d’un modèle, les conversations entre enseignent*es et apprenant*es et les processus de dessin ont été enregistrés sur vidéo. Ces enregistrements ont ensuite fait l’objet d’une analyse qualitative et empirique faisant intervenir des méthodes de recherche et de représentation jouant sur la visualisation. Quatre études de cas détaillent des situations d’enseignement et d’apprentissage selon une approche multi-perspectives. L’analyse fait apparaître une conjonction d’influences variées, parfois contradictoires, qui marquent le développement situationnel des processus d’enseignement et d’apprentissage. À la lumière de divers concepts de théorie de la pratique (Reckwitz, Schmidt, Polanyi, Neuweg, etc.), les résultats transversaux et comparatifs sont recoupés avec des positions de pédagogie de l’art et du théâtre axées sur la performativité, l’événement, la corporéité et la matérialité de l’enseignement (Lange, Hentschel, etc.). Le présent article est consacré à deux aspects de l’étude: le lien avec l’étude pilote «Dessiner – parler» (HKB, 2012/13), et le développement des méthodes de recherche vidéo mettant l’accent sur la dimension visuelle.
  • À propos de la recherche actuelle en pédagogie artistique en Suisse (Ruth Kunz, Gila Kolb)
    Entretien avec Ruth Kunz, octobre 2019. Le symposium «Le regard professionnalisé» a eu lieu en 2019, peu après la publication du volume du même nom. La revue électronique de la SSPA «Art Education Research» est consacrée à la recherche actuelle en pédagogie de l’art en Suisse, et le premier numéro publie un entretien avec Ruth Kunz. L’entretien revient sur ses longues années de pratique et de recherche, son enseignement et le contexte de la recherche en pédagogie de l’art en Suisse alémanique. Le texte met en lumière le potentiel spécifique de la pédagogie de l’art en matière de recherche. Propos recueillis par Gila Kolb.
  • DESSINER – PARLER – MONTRER (Nadia Bader)
    L’étude «Dessiner – parler – montrer» s’intéresse à la manière dont les échanges communicatifs influencent la conception et la réalisation du dessin dans le cadre de l’enseignement artistique. Le but de cette étude est une analyse à la fois empirique et ancrée dans la théorie (de la pratique). Elle porte sur les influences et les interactions qui se produisent entre la communication et la création, et les circonstances qui sous-tendent ces interdépendances, dans l’enseignement au sens large et plus particulièrement en pédagogie de l’art. L’étude consiste en une analyse systémique de la pratique de l’enseignement sous l’angle de sa contingence et de sa complexité. Elle s’appuie sur des approches qui mettent en relief le caractère imprévisible, volatil, phatique et vulnérable de l’enseignement et de l’apprentissage (Meyer-Drawe, Pazzini, Sabisch, Schürch/Willenbacher, Wimmer, etc.). Lors d’une leçon au niveau gymnasial consacrée au dessin à partir d’un modèle, les conversations entre enseignent*es et apprenant*es et les processus de dessin ont été enregistrés sur vidéo. Ces enregistrements ont ensuite fait l’objet d’une analyse qualitative et empirique faisant intervenir des méthodes de recherche et de représentation jouant sur la visualisation. Quatre études de cas détaillent des situations d’enseignement et d’apprentissage selon une approche multi-perspectives. L’analyse fait apparaître une conjonction d’influences variées, parfois contradictoires, qui marquent le développement situationnel des processus d’enseignement et d’apprentissage. À la lumière de divers concepts de théorie de la pratique (Reckwitz, Schmidt, Polanyi, Neuweg, etc.), les résultats transversaux et comparatifs sont recoupés avec des positions de pédagogie de l’art et du théâtre axées sur la performativité, l’événement, la corporéité et la matérialité de l’enseignement (Lange, Hentschel, etc.). Le présent article est consacré à deux aspects de l’étude: le lien avec l’étude pilote «Dessiner – parler» (HKB, 2012/13), et le développement des méthodes de recherche vidéo mettant l’accent sur la dimension visuelle.
  • Pratiques éphémères. Le projet de recherche "The Art Educator's Walk" – Agir et attitude des médiatrices et médiateurs en art contemporain à l’exemple de l’exposition documenta 14 à Kassel (Gila Kolb)
    Comment les médiateurs d'art peuvent-ils créer une situation dans laquelle l'art contemporain peut être médiatisé ? Quelle attitude développent-ils à l'égard de leurs activités de médiation artistique ? Quelles sont les stratégies qu'ils développent ? Lors de l'exposition documenta 14 (2017), dans le cadre du projet de recherche "The Art Educator's Walk - Action and Attitude of Contemporary Art Mediators using the example of the major exhibition documenta 14 in Kassel", 20 "promenades" de 10 "choristes" (médiateurs artistiques de la documenta 14) ont été accompagnées et interviewées sur ces questions. Le projet de recherche a exploré la pratique per se éphémère de la médiation artistique dans les expositions d'art dans le cadre d'un projet de recherche à l'Institut Pratiques et Théories des Arts de la BUA Berne, avec la thèse que la médiation artistique se pratique à partir d'une attitude. Après une argumentation biographique du "milieu", cet article présente d'abord la situation historique de la documenta et de sa médiation. Les concepts et les contextes de l'éducation artistique à la documenta 14, en particulier le désapprentissage, ont constitué le cadre d'action des choristes interviewés et accompagnés. Un aperçu du cadre qualitatif et empirique de l'acquisition de données sous la forme d'une observation participative de la pratique de la médiation artistique avec des groupes de visiteurs de la documenta 14 reflète le contexte de l'acquisition de données. Dans le cadre de trois "expéditions", qui analysent les premières phrases d'une promenade, le dilemme de la connaissance et la médiation de l'art en tant qu'œuvre, le matériel obtenu est présenté et discuté de manière exemplaire.
  • Priorités de recherche didactique en pédagogie de l’art au jardin d’enfants. Enquête à l’interface de la discipline scientifique, de l’enseignement et de la méthodologie de recherche en sciences sociales (Dr. des. Anja Morawietz)
    Cet article traite de l’interface entre la discipline scientifique, l’enseignement et la méthodologie de recherche en sciences sociales dans le cadre de la pédagogie de l’art et de la recherche didactique au jardin d’enfants. Le texte présente d’abord les questions qui se posent en pédagogie de l’art au jardin d’enfants. Il passe ensuite aux raisons qui justifient les méthodes scientifiques systématiques ainsi que la recherche esthétique ou artistique en pédagogie de l’art. Une étude intitulée «Dessiner comme opportunité pédagogique au jardin d’enfants. Comment les enfants de 5 à 6 ans réagissent lorsqu’on leur demande de dessiner d’après des objets ou des scènes» démontre l’efficacité des méthodes de recherche qualitatives-empiriques en pédagogie de l’art. Cette étude présente la méthode de la vidéographie qui, dans sa version adaptée, correspond parfaitement aux questions et aux objets esthétiques de la recherche en pédagogie de l’art. L’étude brièvement résumée ici cherche à savoir dans quelle mesure les jeunes enfants s’intéressent au dessin d’après un modèle dans un cadre scolaire. Elle étudie la réaction des enfants aux injonctions didactiques, et identifie les opportunités formatrices qui en découlent. Il apparaît que la vidéographie est parfaitement adaptée à l’observation, à la description et à l’analyse de la pratique créative en milieu scolaire, avec ses modalités d’enseignement, ses processus d’apprentissage et ses méthodes pédagogiques. Les Hautes écoles pédagogiques suisses disposent de connaissances solides dans le domaine des méthodes systématiques en sciences de l’éducation et en sciences sociales. Il serait souhaitable de favoriser les synergies entre les sciences de l’éducation, les sciences sociales et la didactique des différentes disciplines. L’introduction du Joint Master en didactique des arts à la HEP de Zurich offre désormais l’opportunité d’aborder les questions d’enseignement artistique pour tous les niveaux scolaires à l’aide des méthodes de recherche courantes dans le cadre d’un mémoire de Master.
  • DESSINER – PARLER – MONTRER (Nadia Bader)
    L’étude «Dessiner – parler – montrer» s’intéresse à la manière dont les échanges communicatifs influencent la conception et la réalisation du dessin dans le cadre de l’enseignement artistique. Le but de cette étude est une analyse à la fois empirique et ancrée dans la théorie (de la pratique). Elle porte sur les influences et les interactions qui se produisent entre la communication et la création, et les circonstances qui sous-tendent ces interdépendances, dans l’enseignement au sens large et plus particulièrement en pédagogie de l’art. L’étude consiste en une analyse systémique de la pratique de l’enseignement sous l’angle de sa contingence et de sa complexité. Elle s’appuie sur des approches qui mettent en relief le caractère imprévisible, volatil, phatique et vulnérable de l’enseignement et de l’apprentissage (Meyer-Drawe, Pazzini, Sabisch, Schürch/Willenbacher, Wimmer, etc.). Lors d’une leçon au niveau gymnasial consacrée au dessin à partir d’un modèle, les conversations entre enseignent*es et apprenant*es et les processus de dessin ont été enregistrés sur vidéo. Ces enregistrements ont ensuite fait l’objet d’une analyse qualitative et empirique faisant intervenir des méthodes de recherche et de représentation jouant sur la visualisation. Quatre études de cas détaillent des situations d’enseignement et d’apprentissage selon une approche multi-perspectives. L’analyse fait apparaître une conjonction d’influences variées, parfois contradictoires, qui marquent le développement situationnel des processus d’enseignement et d’apprentissage. À la lumière de divers concepts de théorie de la pratique (Reckwitz, Schmidt, Polanyi, Neuweg, etc.), les résultats transversaux et comparatifs sont recoupés avec des positions de pédagogie de l’art et du théâtre axées sur la performativité, l’événement, la corporéité et la matérialité de l’enseignement (Lange, Hentschel, etc.). Le présent article est consacré à deux aspects de l’étude: le lien avec l’étude pilote «Dessiner – parler» (HKB, 2012/13), et le développement des méthodes de recherche vidéo mettant l’accent sur la dimension visuelle.
  • Schwierige Themen im Bildnerischen Gestaltung-Unterricht (Danja Erni)
    Danja Erni wirft in der Perspektive der Netzwerkveranstaltung Persönlichkeitsverwicklung # 1: Queer und Do-it-Yourself im Kunstunterricht einen Blick auf ihren eigenen Unterricht sowie auf das Beru...
  • The taste of an­oth­er pos­si­bil­i­ty (Elke Smodics-Kuscher, Nora Sternfeld, Büro trafo. K)
    We would like to trace the oscillating logic of taste from a perspective of educational practice. How can this logic be understood, between the normalizing production of certainties on the one han...
  • The An­ti-​Lec­ture Mul­ti_Verse (Jamika Ajalon)
    (un­re­hearsed) I aim to explore the ways in which artistic practice, academic research, and the blending of multilayered narratives destabilizes traditional, hegemonic sagacity, and static structu...
  • Margaret Trowell’s School of Art A Case Study in Colonial Subject Formation (Emma Wolukau-Wanambwa)
    Margaret Trowell (1904–1985) founded one of the first schools of ‘fine art’ for Africans in the Uganda Protectorate in the 1930s. This essay argues that both Trowell’s arguments for introducing fin...
  • Apprendre entre le réel et le possible – le projet de développement interdisciplinaire AMAMuG (Lukas Bardill, Sabine Bietenhader)
    AMAMuG est un projet de développement interdisciplinaire et interinstitutionnel qui s’est déroulé du 1er avril 2018 au 1er août 2019. L’acronyme se réfère au titre du projet: «Archäologische Mustergrabung und Archäologisches Museum für Gegenwart» [«Fouillles archéologiques pédagogiques et Musée d’archéologie contemporaine»]. Le projet était dirigé par une enseignante en sciences humaines et sociales, et un enseignant en arts visuels, tous deux chargés de cours à la Haute école pédagogique des Grisons, et qui sont aussi les auteur*es de l’article. Le projet a été développé et mis en œuvre en coopération avec le Service archéologique du canton des Grisons, le service de médiation artistique du Musée rhétique et deux classes du degré primaire. L’objectif était de créer une séquence pédagogique pour le 2e cycle (5e année primaire). La séquence permet aux élèves de découvrir les outils de la pratique archéologique, afin de comprendre comment reconstruire et déconstruire l’histoire de la région. Les objets exposés au Musée d’archéologie contemporaine se rapportent à la vie quotidienne des enfants. Le travail créatif sur des objets apportés par les élèves leur permet d’en accélérer le vieillissement ou la fossilisation, ce qui est le point de départ d’une perception historique et muséale de ces objets. Notre approche interdisciplinaire vise à étudier dans quelle mesure les enfants du degré primaire parviennent à un jugement critique et émancipé des informations qui leur sont proposées, qu’elles soient institutionnelles ou alternatives. Le projet examine donc la capacité des enfants à reconstruire les contextes historiques (objets historiques), à construire des scénarios plausibles (artéfacts) et finalement à déconstruire les différentes dimensions. L’article se conclut par un dialogue entre l’historienne et le pédagogue des arts, à propos des apports générés par la démarche interdisciplinaire du projet AMAMuG pour les disciplines scolaires impliquées.
  • Anthologie florale (Jacqueline Baum, Ursula Jakob)
    Notre projet de longue date intitulé Connected in Isolation s’est d’abord concentré sur la pluralité des approches et des représentations des objets de la nature, qui se trouvent détachés de leur c...
  • Emergency Remote Art Education? Reflections on a study with students on art- and aesthetic-cultural educational practices in a state of emergency (Miriam Schmidt-Wetzel, Laura Zachmann)
    The article provides an overview of a study being considered an investigation of and with actors in art education and orients itself methodically/methodologically on characteristics of phenomenological case research. Subject of the qualitative-empirical study is the experience of various actors involved in teaching in the field of art education, or in the subject of Bildnerisches Gestalten, in the midst of the global state of emergency triggered by the Covid-19 pandemic in spring 2020. The investigation is based on two assumptions: first, that under the pressure of the first pandemic wave, educational formats developed ad hoc and without sound knowledge of e-didactics in the mode of Emergency Remote Teaching (ERT) (Hodges et al. 2020); secondly, that the understandings and approaches that are evident in the art educational activities of the ERT are important for developing a well-founded Remote Art Education. In-depth insights into the study are provided by excerpts from the first of three sub-studies. It is focused on a group discussion with three bachelor students about their first professional internships in aesthetic-educational and socio-cultural fields under lockdown conditions. Drawing on observations from the sub-study, the article sketches initial findings on forms of ERT specific to art education and sheds light on their potential for teaching concepts expanding into the digital and into the distance. Via critical reflection on the methodological approach in the context of this first sub-study, it further examines the selected approaches in terms of how they deal with the specific challenges of research at a distance and under exceptional circumstances – in the mode, so to speak, of Emergency Remote Art Education Research.
  • An ontology of the present. On the transformation of art educational knowledge (Anna Schürch)
    Curriculum revision projects, such as the current revision of the secondary school (Gymnasium) basis curriculum 2020-22 in Switzerland, call for a review of the content and objectives of the individual subjects and provide an opportunity to reflect on the knowledge within a subject, and the way it changes. How can such change be conceived and how can it be oriented if intended to go beyond the pragmatic framework of an educational policy-motivated revision project, which is characterized by scarce time resources and acute pressure to act? The article builds on Michel Foucault’s ontology of the present and seeks, via according educational-philosophical considerations, a perspective on change that positions itself both critically and self-reflexively; that is not oriented to what are diagnosed to be the great challenges of the future, but engages with what is already present and appears in everyday life. A possibility to grasp and reflect on existing art education knowledge is created. A footnote by Margot Zanni and a questionnaire by Michèle Novak expand the text, rooting the gesture of (self-)critical reflection in the act reading.
  • Being exposed as a lecturer. Proposal for a reflexive positioning of university teaching on the exemplary basis of art pedagogy (Bernadett Settele)
    To reflect on teaching art education "from art" (see Sturm 2011), I select being exposed as a starting point. Being exposed marks a place on the threshold between the critical appreciation of action and its conditions and a perspective that makes it possible to consider its passive aspects (see Settele 2019). In pursuit of the feeling of being exposed, I develop a perspective for feminist art education at master level. Taking interest in powerful addresses, roles and norms as well as in emancipatory pedagogy, I observe, from a theory-driven perspective, how individual and collective subjects of teaching interact with each other from their respective positions in teaching situations, and also what acts on them. To this end, I employ Judith Butler’s feminist concept of the post-sovereign, bound subject, making it the starting point for a reflexive positioning of teaching. This necessitates differentiating how I apply a political-philosophical concept in a non-existential, aesthetic field. As a reflexive concept, being exposed is not to be equated with the stronger concepts of feminist theoretical approaches, such as precariousness or vulnerability (see Butler 2016), or impressionability and susceptibility (see Butler 2014: 177). Situating an exercise on the reception of art in the context of art-pedagogical teacher education provides occasion for reflection on the conditionality of the subjects of teaching. The result is a textual contribution, which asks how art pedagogy educates and what takes effect within it.
  • À propos de la recherche actuelle en pédagogie artistique en Suisse (Ruth Kunz, Gila Kolb)
    Entretien avec Ruth Kunz, octobre 2019. Le symposium «Le regard professionnalisé» a eu lieu en 2019, peu après la publication du volume du même nom. La revue électronique de la SSPA «Art Education Research» est consacrée à la recherche actuelle en pédagogie de l’art en Suisse, et le premier numéro publie un entretien avec Ruth Kunz. L’entretien revient sur ses longues années de pratique et de recherche, son enseignement et le contexte de la recherche en pédagogie de l’art en Suisse alémanique. Le texte met en lumière le potentiel spécifique de la pédagogie de l’art en matière de recherche. Propos recueillis par Gila Kolb.
  • Gestalt et bienformation: Les enfants dessinent des corps spatials (Stefanie Stadler Elmer, Lea Weniger)
    Ce texte présente le cadre théorique de notre étude sur dessiner spatialment dans le contexte de l'école primaire. Nous étudions comment les enfants représentent graphiquement un seul corps spatial. C'est l'un des trois aspects du dessin de la représentation spatiale des enfants. Les autres concernent les relations spatiales entre des objets et l'organisation spatiale globale de l'image. La représentation plate d'un cuboïde sous la forme d'une boîte est un problème de représentation générale pour lequel diverses solutions sont enseignées et pratiquées dans notre culture. Partant d'une épistémologie génétique structurelle, nous nous concentrons sur le processus d'élaboration de solutions par les enfants, sur la façon dont ils emergent dans les études de cas individuelles et vidéographiés – accompagnés par l'enseignant d'une manière adaptative et intuitive. Nous reconstruisons ces processus en détail avec une méthodologie microgénétique. A l'aide d'un exemple, nous montrons empiriquement comment nous appliquons le concept de "bienformation" (Wohlgeformheit) pour décrire l'orientation structurelle vers une "Gestalt" et l'utilisation implicite des systèmes génératifs pour la représentation spatiale.
  • Assembling sustainable futures – Anticipatory practices and imaginations in art education (Michel Massmünster)
    The future does not just exist. We refer to it through diverse practices, assembling it as an experience in the now. The way we conceive of the future, experience it in the present, and thus also generate it socially, is the result of complex processes of production. However, historical meanings are involved in these processes as well. Based on contemporary practices in art education, I explore powerful configurations of the future in the present: knowledge, material, person and future determine each other interdependently in these processes. Imaginations of future in art education are characterized by the emphasis on their explorative and opening character. Occasionally, especially as regards a universal understanding of sustainability, they also predefine and fixate futures. This eventually leads to a restriction of ways of life in future. Thus, I argue, it is necessary for research and practice, to analyze one’s own involvement in these assembling processes and in the historical meanings associated. In consequence, I propose an understanding of sustainability that is more appropriate to the open, explorative future practices of art education; one which reckons uncertainty and multiplicity, and thereby continuously reinvents itself, reinvents resources, and current as well as future ways of life.
  • trébucher radicalement pour (dés-) apprendre à voir Comment les «séquences de langage» reflètent-elles l’enseignement? (Judit Villiger)
    Le texte traite de questions concernant l’enseignement. Il analyse ce que les étudiant*es observent et pensent concrètement en situation pédagogique réelle, dans leur rôle transitoire peu avant le stage pratique d’enseignement du Master Art Education. Il n’est pas facile d’avoir une perception consciente et une réflexion active sur la pratique d’enseignement. En dehors de toutes les actions qui se déroulent en parallèle en salle de classe, il faut aussi tenir compte du fait que les visiteurs*euses, par leur seule présence, deviennent également des participant*es. Ce qui se passe en classe peut donc être analysé comme un réseau d’actions individuelles impossibles à appréhender intégralement, quel que soit le point d’observation. La méthode «Sprachstücke» («séquences de langage») est une introduction à des situations pratiques d’enseignement. Elle s’appuie sur l’attitude et la sensibilité artistiques acquises par les étudiant*es au cours de leur formation, pour ensuite développer leur capacité d’observation. Cette démarche attire l’attention sur ce qui est considéré comme allant de soi, notamment dans les processus les plus courants. La méthode des «Sprachstücke» invite les étudiant*es à traduire en leurs propres termes ce genre d’observations à la fois quotidiennes et insolites. En fonction de l’intérêt manifesté par les étudiant*es, l’article décrit à titre d’exemple comment une étudiante réagit à l’enseignement en reprenant une «séquence de langage» du T-shirt d’un élève. Les objectifs du projet sont: (a) développer une perception active de l’enseignement, c’est-à-dire apprendre à voir, (b) désapprendre à voir par la réflexion et la révision, (c) afin de rendre ce processus intelligible pour soi-même et pour les autres, et de le transposer dans un univers linguistique au moyen de la sensibilité artistique.
  • DESSINER – PARLER – MONTRER (Nadia Bader)
    L’étude «Dessiner – parler – montrer» s’intéresse à la manière dont les échanges communicatifs influencent la conception et la réalisation du dessin dans le cadre de l’enseignement artistique. Le but de cette étude est une analyse à la fois empirique et ancrée dans la théorie (de la pratique). Elle porte sur les influences et les interactions qui se produisent entre la communication et la création, et les circonstances qui sous-tendent ces interdépendances, dans l’enseignement au sens large et plus particulièrement en pédagogie de l’art. L’étude consiste en une analyse systémique de la pratique de l’enseignement sous l’angle de sa contingence et de sa complexité. Elle s’appuie sur des approches qui mettent en relief le caractère imprévisible, volatil, phatique et vulnérable de l’enseignement et de l’apprentissage (Meyer-Drawe, Pazzini, Sabisch, Schürch/Willenbacher, Wimmer, etc.). Lors d’une leçon au niveau gymnasial consacrée au dessin à partir d’un modèle, les conversations entre enseignent*es et apprenant*es et les processus de dessin ont été enregistrés sur vidéo. Ces enregistrements ont ensuite fait l’objet d’une analyse qualitative et empirique faisant intervenir des méthodes de recherche et de représentation jouant sur la visualisation. Quatre études de cas détaillent des situations d’enseignement et d’apprentissage selon une approche multi-perspectives. L’analyse fait apparaître une conjonction d’influences variées, parfois contradictoires, qui marquent le développement situationnel des processus d’enseignement et d’apprentissage. À la lumière de divers concepts de théorie de la pratique (Reckwitz, Schmidt, Polanyi, Neuweg, etc.), les résultats transversaux et comparatifs sont recoupés avec des positions de pédagogie de l’art et du théâtre axées sur la performativité, l’événement, la corporéité et la matérialité de l’enseignement (Lange, Hentschel, etc.). Le présent article est consacré à deux aspects de l’étude: le lien avec l’étude pilote «Dessiner – parler» (HKB, 2012/13), et le développement des méthodes de recherche vidéo mettant l’accent sur la dimension visuelle.
  • Déplacements dans l’espace – le "displacement" scolaire en tant que démarche critique (Margot Zanni)
    Comment réfléchir à l’impact implicite des espaces scolaires, tout en participant à l’expérience de la constitution d’un «espace autre»? L’article traite des pratiques de déplacement, de variation ou de glissement dans l’espace. Il aborde en particulier la notion de «displacement» en tant que stratégie donnant à voir les effets des espaces scolaires, en présentant un ensemble hétérogène d’études de cas. Le texte revisite la démarche de Christiane Brohl et son concept de «displacement» comme stratégie artistique et pédagogique. Le cadre théorique de l’hétérotopie proposé par cette auteure est discuté à la lumière d’autres réceptions, pour aboutir à une méthodologie qui est ensuite illustrée à l’aide du séminaire «Lernen am/als/durch Raum» («Apprendre dans/comme/par l’espace»). Cette réflexion méthodologique est complétée par une analyse des infractions aux règles (tricheries) fréquentes en milieu scolaire. En tant que rupture hétérotopique de l’ordre scolaire, la tricherie a servi de modèle pour élaborer l’approche du séminaire. Ce séminaire à l’intention des étudiant*es en pédagogie artistique s’est déroulé dans le cadre d’une utilisation transitoire des salles vides de l’ancienne Villa Bellerive. Le point de départ du processus d’organisation des espaces a été une recherche artistique sur des bâtiments scolaires dont la construction remonte à différentes époques historiques. En transposant de manière situationnelle les résultats de cette recherche au contexte des salles de la villa, il a été possible de faire ressortir et d’analyser une série d’aspects des espaces scolaires, que ce soit sur le mode de l’analogie ou du contraste. Dans la perspective des futures activités d’enseignement des participant*es, il s’agissait de créer l’expérience d’une intervention créative, destinée à contrecarrer dans une certaine mesure l’effet de la standardisation des mises en scènes scolaires.
  • Les sauts micropédagogiques dans le contexte de l'éducation esthétique (Silvia Henke, Wiktoria Furrer)
    L’éducation esthétique est un vaste projet civilisationnel, éducatif et politique, que le présent article explore pour l’époque actuelle à travers des sauts micro-pédagogiques. Le concept de micro-pédagogie n’est pas encore clairement défini en pédagogie artistique. Dans le cadre du discours pédagogique, ce concept a été introduit par Stefan Danner comme improvisation pédagogique des enseignant*es, sous la forme de transitions et de ponctuations entre différents motifs pédagogiques (Danner 2001: 11). Pourquoi parler de pédagogies au pluriel? D’abord pour accentuer le concept de formation au sens premier, et pour examiner la manière dont les pratiques esthétiques, didactiques et artistiques forment concrètement les choses, au sens micrologique du terme. L’article postule que la formation se produit à travers des ouvertures, quand quelque chose se produit de manière volontaire ou involontaire, planifiée ou non planifiée. Personne ne sait exactement quand se produisent les processus d’apprentissage, ni quand et comment se produisent les ouvertures. Le concept des sauts a donc un rôle très spécifique à jouer, car il prolonge les processus éducatifs dans d’autres temporalités et d’autres espaces, étant donné que ces sauts se produisent sans intention clairement définie (cf. Pazzini, 2015, p.16). Nous décrivons ce genre de sauts d’un point de vue micro-pédagogique, en partant de deux situations spécifiques de pédagogie artistique: d’une part un cadre institutionnel qui est l’enseignement artistique supérieur (Master Fine Arts / Art Education), et d’autre part certains procédés dans des ateliers destinés à des artistes, dans un cadre extra-institutionnel. Le motif du saut, dans sa triple connotation de mouvement vital, d’interruption et de fissure [en allemand: «Sprung»], permet de penser le caractère d’événement et la singularité de la situation éducative. L’enjeu de pédagogie artistique qu’est la pratique cognitive «en sauts» [«sprunghaft»] comme élément de l’éducation esthétique (cf. Mersch 2018: 26 ss. et Kunz 2019: 24) est étudié sous trois angles: celui de l’enseignante, celui de la participante, puis sous l’angle commun, qui combine des pratiques concrètes et avec des éléments de théorie de l’art.
  • From The­o­ry in­to Prac­tice – Re­search and Trans­for­ma­tion (Dolores Smith)
    The research project to which this text refers was based on the challenge to provide conditions for equal access to arts education for children and young people placed at a disadvantage - especiall...
  • What are we do­ing here? (Claus Melter)
    Re­flec­tions on bar­ri­ers and dis­crim­i­na­tion in ed­u­ca­tion­al in­sti­tu­tions This text is concerned with self-reflexivity in institutions regarding the critique of barriers and discriminat...
  • The com­plex task of self-​chang­ing (Büro trafo. K)
    Prac­tices and ques­tions in ed­u­ca­tion­al projects in mi­gra­tion so­ci­ety Nine years ago we called one of our ambitious educational programs a «guide to self-emancipation». The title had an ir...
  • AUS MIT RAUS (Eva Lausegger)
    or AM I RACIST? The text deals with an intent to deport a student at our school, the protest movement that mobilized against the deportation, and an art project with students from several courses o...
  • «Sich Verze­ich­nen» – with and through dif­fer­ences (Mikki Muhr)
    Build­ing re­la­tions and leav­ing rests in car­togra­phies What enables reflective processes, that can help to view one’s own thoughts and actions in their conditioning frameworks and to criticall...
  • Be­tween canon an so­cio-​cul­ture (Olivier Blanchard, Jürg Huber)
    Ex­plo­rations on the field of school mu­sic in the Ger­man speak­ing part of Switzer­land This paper presents an explorative study about music classes in «Sekundarschulen» and «Gymnasien» in the G...
  • The taste of an­oth­er pos­si­bil­i­ty (Elke Smodics-Kuscher, Nora Sternfeld, Büro trafo. K)
    We would like to trace the oscillating logic of taste from a perspective of educational practice. How can this logic be understood, between the normalizing production of certainties on the one han...
  • How does school in­vest in the screen? (Simon Harder)
    In­Vis­i­bil­i­ties and so­cio-​po­lit­i­cal re­spon­si­bil­i­ty of art ed­u­ca­tion This article argues out of a queer-feminist perspective why an understanding of visibility is to be considered p...
  • (Un)learn­ing Taste in the every­day (at school) (Danja Erni)
    How does my taste influence my teaching? Why, as a teacher, it almost slightly offends me if the sovereignty of my «good» (qua «educated») taste is challenged by the aesthetical preferences of stu...
  • «At­tached, please find my im­age archive» (Anne Gruber)
    Based on the assignment 'image archive', Anne Gruber shows how an attentiveness she developed during her studies to questions from art theory, cultural studies and art can be integrated in her prac...
  • Learned dur­ing leisure time, processed in school (Christoph Marty)
    The aim of the praxis-based research project in music pedagogy presented in this contribution involves in-class processing of musical competence and knowledge that music students have acquired out...
  • En­ab­ling ques­ti­ons (Ursula Ulrich)
    The text retraces how studying the theatrical design workshop «role kids» with primary school children from Lucerne turned into a challenging expedition. Ulrich shows how team-based action researc...
  • Af­ter re­flec­tion is be­fore re­flec­tion: (Andreas Bürgisser)
    think­ing about the con­di­tion­al­i­ty of col­lab­o­ra­tive the­atre ped­a­gogy in schools In his text, Andreas Bürgisser, as a former FLAKS collaborator, considers the significance of FLAKS towar...
  • The Liv­ing School (Brandon LaBElle)
    The Living School was held in London from February to June 2016 in collaboration with the South London Gallery and taking place at a range of venues in the city. Focusing on the issues of social ho...
  • Learning Processes about Non-Discriminatory Practices in the Field of Cultural Education  (Aïcha Diallo, Danja Erni)
    Since summer 2016, we have been leading the KontextSchule, a platform for the continuing education of teachers and artists in Berlin. Adopting the viewpoint of those who stand inside and outside o...
  • Challenges of a Disciplinary Anchorage – Questions Addressed at Art Education (Anna Schürch, Sophie Vögele)
    The article investigates the contradictions associated with the formation and institutionalization of academic disciplines, and explores the anchoring of art education as a discipline in tertiary education. The text thus pursues an attempt to provide a conceptual framework for the further development of art education and its disciplining in Switzerland. From their different institutional and research positions, the authors negotiate disciplinary and institutional relationships in the writing process itself. Thereby, interdisciplinarity as a characteristic of art education is essential to the undertaking and raises a number of questions: to what extent is a distinction from reference disciplines possible by disciplining art education as interdisciplinary? And how can the dichotomy that to a great extent characterizes the understanding of art education be overcome? What does an inquiring self-understanding entail and how can the lack of a disciplines tradition in this subject be dealt with? How big of a part do institutional structures play and what is the role of self-reflection in the process of stabilization?
  • Anthologie florale (Jacqueline Baum, Ursula Jakob)
    Notre projet de longue date intitulé Connected in Isolation s’est d’abord concentré sur la pluralité des approches et des représentations des objets de la nature, qui se trouvent détachés de leur c...
  • A kind of punk rock, teaching machine. Queer-feministische Zines im Kunstunterricht. (Elke Zobl)
    Elke Zobel stellt Zines als eine Alternative zu den Mainstream-Medien vor, die die Möglichkeit und das Potential vielfältiger Selbstrepräsentation, des Ausdrucks anderer Seiten des Selbst und der H...
  • Queer und DIY im Kunstunterricht. Eine Einführung (Bernadett Settele)
    In der Einführung werden die Ziele aufgezeigt, die Art Education Research Nr. 3 verfolgt: als „Schulbuch“ Anregungen aus der queer theory und den Kulturwissenschaften für den Kunstunterricht zu ver...
  • The com­plex task of self-​chang­ing (Büro trafo. K)
    Prac­tices and ques­tions in ed­u­ca­tion­al projects in mi­gra­tion so­ci­ety Nine years ago we called one of our ambitious educational programs a «guide to self-emancipation». The title had an ir...
  • «By eat­ing an ap­ple, you’re eat­ing the scenery.» (Sabian Baumann, Simon Harder)
    In this interview by Simon Harder, Sabian Baumann discusses how s_he and the collaborating performers tried to conceptually and performatively queer nude drawing and its connected patriarchal unde...
  • How does school in­vest in the screen? (Simon Harder)
    In­Vis­i­bil­i­ties and so­cio-​po­lit­i­cal re­spon­si­bil­i­ty of art ed­u­ca­tion This article argues out of a queer-feminist perspective why an understanding of visibility is to be considered p...
  • Humus (Christiane Hamacher)
    Nicht übersetzt
  • Oser peindre: expérimenter et créer avec les couleurs. Comment évaluer le développement de compétences dans l’enseignement artistique? (Ursula Aebersold, Susanne Junger)
    Le Plan d’études 21 pour les écoles alémaniques des cantons suisses formule une nouvelle orientation de l’enseignement des arts. Par rapport à l’ancienne approche axée sur les productions artistiques des élèves, le nouveau Plan d’études accentue davantage le développement des compétences de l’élève dans la discipline enseignée ainsi que ses compétences transversales. En travaillant sur des images du domaine artistique et de la vie quotidienne, les élèves sont sensibilisés aux différentes formes d’expression artistique dans trois domaines de compétences: perception et communication, processus et produits, contextes et orientations. Les élèves apprennent à exprimer leurs conceptions, leurs idées et leurs intentions en images, et à travailler sur les formes de communication visuelle en matière d’expression comme de perception. La compétence visuelle ainsi développée permet aux élèves de s’orienter dans un environnement dominé par les images. Les objectifs formulés par le nouveau Plan d’études dans le domaine artistique sont nombreux et exigeants. La formation initiale et continue du personnel enseignant doit donc inclure les apports théoriques et les aides pédagogiques nécessaires. Notre projet de recherche et développement vise à étoffer l’enseignement pour les 2e et 3e cycles en proposant des unités d’enseignement cumulatives et stimulant l’activité cognitive. Le développement des compétences des élèves est mis en évidence par une évaluation préalable et consécutive du niveau atteint. Les unités d’enseignement sont testées, documentées, analysées et évaluées dans trois classes scolaires. Les situations d’apprentissage se focalisent sur la couleur et la peinture. Le projet porte sur l’évaluation du niveau d’apprentissage, et sur la sensibilisation du corps enseignant aux capacités préexistantes, aux expériences et aux connaissances des élèves, ainsi que sur les possibilités de soutien pédagogique et d’accompagnement pour un développement individuel de compétences. C’est pourquoi le projet fournit des instruments pour l’évaluation du niveau d’apprentissage et du développement des compétences, ainsi que des sources d’inspiration et des aides pédagogiques pour promouvoir le développement des compétences.
  • reise zum :) (Helen Stefanie)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Agency at the mar­gins of pow­er (Andrea Hubin)
    Lo­cat­ing a gallery ed­u­ca­tion that op­er­ates with con­cepts of per­for­ma­tiv­i­ty Why is gallery education interested in performativity? Between fights for recognition, reflection on one’s ow...
  • The vis­i­tors are miss­ing. Which vis­i­tors? (Nora Landkammer)
    A re­flex­ion on the Sym­po­sium KUN­ST [auf] FÜHREN The text parts from critique expressed by participants of the symposium KUNST[auf] FÜHREN in Kassel in June 2009: We had been talking about gall...
  • How speech­less­ness can lead to ac­tion (Julia Draxler)
    The article asks the question, if not only «talking about art» but also «acting to art» is possible and usefull in art education. Artworks should not only be discussed in a rational way, but also ...
  • Gallery ed­u­ca­tion – per­for­mance – the dif­fer­end (Carmen Mörsch, Eva Sturm)
    The paper is based on an introductory talk given at the conference Perfoming the Museum as a Public Sphere at Kunstmuseum Lentos, Linz, in April 2008. It parts from Charles Garoian’s thesis that a...
  • Sketch­es on Re­flex­iv­i­ty (Rubia Salgado)
    Learn­ing the hege­mo­ni­al lan­guage in mu­se­ums Based on brief sketches on topics such as dialogue, difference, recognition, knowledge, reciprocity and reflexivity in pedagogical settings, this ...
  • Aes­thet­ic ar­gu­ments as a medi­um of mu­sic class­es (Christian Rolle)
    About the sig­nif­i­cance of the ar­gu­ment-​based speech about mu­sic for aes­thet­ic ed­u­ca­tion This paper discusses the educational potential of aesthetic arguments in music classes. The descr...
  • In­di­vid­ual con­cepts of mu­sic teach­ers (Anne Niessen)
    An em­pir­i­cal study as a con­tri­bu­tion to ba­sic re­search in mu­sic ed­u­ca­tion This paper gives an insight into an empirical study about individual concepts of music teachers. Interviews abo...
  • Unterrichtssprache - Working Language (Marlene Lahmer)
    The choice of a working language influences the content and type of discussions and creates in and out groups. At an art university in the German-speaking world, should one speak English due to the...
  • Pratiques éphémères. Le projet de recherche "The Art Educator's Walk" – Agir et attitude des médiatrices et médiateurs en art contemporain à l’exemple de l’exposition documenta 14 à Kassel (Gila Kolb)
    Comment les médiateurs d'art peuvent-ils créer une situation dans laquelle l'art contemporain peut être médiatisé ? Quelle attitude développent-ils à l'égard de leurs activités de médiation artistique ? Quelles sont les stratégies qu'ils développent ? Lors de l'exposition documenta 14 (2017), dans le cadre du projet de recherche "The Art Educator's Walk - Action and Attitude of Contemporary Art Mediators using the example of the major exhibition documenta 14 in Kassel", 20 "promenades" de 10 "choristes" (médiateurs artistiques de la documenta 14) ont été accompagnées et interviewées sur ces questions. Le projet de recherche a exploré la pratique per se éphémère de la médiation artistique dans les expositions d'art dans le cadre d'un projet de recherche à l'Institut Pratiques et Théories des Arts de la BUA Berne, avec la thèse que la médiation artistique se pratique à partir d'une attitude. Après une argumentation biographique du "milieu", cet article présente d'abord la situation historique de la documenta et de sa médiation. Les concepts et les contextes de l'éducation artistique à la documenta 14, en particulier le désapprentissage, ont constitué le cadre d'action des choristes interviewés et accompagnés. Un aperçu du cadre qualitatif et empirique de l'acquisition de données sous la forme d'une observation participative de la pratique de la médiation artistique avec des groupes de visiteurs de la documenta 14 reflète le contexte de l'acquisition de données. Dans le cadre de trois "expéditions", qui analysent les premières phrases d'une promenade, le dilemme de la connaissance et la médiation de l'art en tant qu'œuvre, le matériel obtenu est présenté et discuté de manière exemplaire.
  • Per­for­ma­tive in­ter­ven­tions (Sandra Ortmann)
    A performance script for the exhibitions Fomuška, by Micol Assaël, and Frühling, by Pawel Althamer and children living in Kassel, at Kunsthalle Fridericianum Performtive interventions, as a format,...
  • Study­ing in Switzer­land with­in the con­text of the Bologna Process (Philippe Saner)
    The article by sociologist Philippe Saner concentrates on the current conditions for studying at Swiss universities. He critically discusses the practices and effects of the so-called «Bologna Proc...
  • Me­thod­i­cal­ly Tamed De­sire. Teach­ing through re­search as lab­o­ra­to­ry (Eva Sturm)
    The progression and outcomes of the seminar «How to Draw Sound. Ästhetische Übersetzungsfragen» [How to Draw Sound. Aesthetic Questions of Translation] (C.v.O. University Oldenburg) were recorded ...
  • Jump­ing with de­lay on a mov­ing train (Barbara Bader)
    Art Ed­u­ca­tion Re­search at Uni­ver­si­ties of the Arts in Switzer­land With this article Barbara Bader takes a look at the art education research field in Switzerland. According to the author th...
  • How art schools ex­clude and nor­mal­ize (Philippe Saner)
    Re­flec­tions based on a par­tic­i­pa­tive re­search process Based on experiences in the participative co-research-process of Art.School.Differences, an ongoing research and development project at ...
  • Cy­borg Ex­its in the Class­room (Doris Arztmann, Eva Egermann)
    Body-​het­eroglos­sia and crip tools for dirty knowl­edges in art teach­ing Choosing the form of an email-conversation, Doris Arztmann and Eva Egermann discuss their workshop Body-Heteroglossia – u...
  • Re­search­ing in and to­wards dif­fer­ences and con­tra­dic­tions: (Marion Thuswald)
    in search of crit­i­cal ap­proach­es to pro­fes­sion­al­is­ing in ped­a­gog­ics There is a lack of socially critical approaches to professionalization in the education of pedagogues and also in the...
  • Teach­ing method­ol­o­gy, re­search-​based: (Michèle Novak, Anna Schürch)
    think­ing about the re­search ap­pren­tice­ship The research apprenticeship serves the lecturers Michèle Novak and Anna Schürch as a means to introduce a format of research-oriented teaching and le...
  • Every­one has to learn every­thing, or: emo­tion­al la­bor (Nana Adusei-Poku)
    “Everyone has to learn everything, or: emotional labor” is a reflection of the action-based research project “WdKA makes a difference” which took place between 2015 and 2017 at the Willem de Kooni...
  • Being exposed as a lecturer. Proposal for a reflexive positioning of university teaching on the exemplary basis of art pedagogy (Bernadett Settele)
    To reflect on teaching art education "from art" (see Sturm 2011), I select being exposed as a starting point. Being exposed marks a place on the threshold between the critical appreciation of action and its conditions and a perspective that makes it possible to consider its passive aspects (see Settele 2019). In pursuit of the feeling of being exposed, I develop a perspective for feminist art education at master level. Taking interest in powerful addresses, roles and norms as well as in emancipatory pedagogy, I observe, from a theory-driven perspective, how individual and collective subjects of teaching interact with each other from their respective positions in teaching situations, and also what acts on them. To this end, I employ Judith Butler’s feminist concept of the post-sovereign, bound subject, making it the starting point for a reflexive positioning of teaching. This necessitates differentiating how I apply a political-philosophical concept in a non-existential, aesthetic field. As a reflexive concept, being exposed is not to be equated with the stronger concepts of feminist theoretical approaches, such as precariousness or vulnerability (see Butler 2016), or impressionability and susceptibility (see Butler 2014: 177). Situating an exercise on the reception of art in the context of art-pedagogical teacher education provides occasion for reflection on the conditionality of the subjects of teaching. The result is a textual contribution, which asks how art pedagogy educates and what takes effect within it.
  • Being exposed as a lecturer. Proposal for a reflexive positioning of university teaching on the exemplary basis of art pedagogy (Bernadett Settele)
    To reflect on teaching art education "from art" (see Sturm 2011), I select being exposed as a starting point. Being exposed marks a place on the threshold between the critical appreciation of action and its conditions and a perspective that makes it possible to consider its passive aspects (see Settele 2019). In pursuit of the feeling of being exposed, I develop a perspective for feminist art education at master level. Taking interest in powerful addresses, roles and norms as well as in emancipatory pedagogy, I observe, from a theory-driven perspective, how individual and collective subjects of teaching interact with each other from their respective positions in teaching situations, and also what acts on them. To this end, I employ Judith Butler’s feminist concept of the post-sovereign, bound subject, making it the starting point for a reflexive positioning of teaching. This necessitates differentiating how I apply a political-philosophical concept in a non-existential, aesthetic field. As a reflexive concept, being exposed is not to be equated with the stronger concepts of feminist theoretical approaches, such as precariousness or vulnerability (see Butler 2016), or impressionability and susceptibility (see Butler 2014: 177). Situating an exercise on the reception of art in the context of art-pedagogical teacher education provides occasion for reflection on the conditionality of the subjects of teaching. The result is a textual contribution, which asks how art pedagogy educates and what takes effect within it.
  • Gestalt et bienformation: Les enfants dessinent des corps spatials (Stefanie Stadler Elmer, Lea Weniger)
    Ce texte présente le cadre théorique de notre étude sur dessiner spatialment dans le contexte de l'école primaire. Nous étudions comment les enfants représentent graphiquement un seul corps spatial. C'est l'un des trois aspects du dessin de la représentation spatiale des enfants. Les autres concernent les relations spatiales entre des objets et l'organisation spatiale globale de l'image. La représentation plate d'un cuboïde sous la forme d'une boîte est un problème de représentation générale pour lequel diverses solutions sont enseignées et pratiquées dans notre culture. Partant d'une épistémologie génétique structurelle, nous nous concentrons sur le processus d'élaboration de solutions par les enfants, sur la façon dont ils emergent dans les études de cas individuelles et vidéographiés – accompagnés par l'enseignant d'une manière adaptative et intuitive. Nous reconstruisons ces processus en détail avec une méthodologie microgénétique. A l'aide d'un exemple, nous montrons empiriquement comment nous appliquons le concept de "bienformation" (Wohlgeformheit) pour décrire l'orientation structurelle vers une "Gestalt" et l'utilisation implicite des systèmes génératifs pour la représentation spatiale.
  • The­ater­ver­mit­tlung [The­atre Ed­u­ca­tion] as Ob­ject of Re­search (Ute Pinkert)
    According to Ute Pinkert the decisive characteristic of theatre pedagogy at theatres is the connection to the institution theatre. For this specific research area she introduces the term «Theaterv...
  • Para­dox and dis­sent (Groupe l’Aventin)
    re­flex­ions on the­atre ed­u­ca­tion in mi­gra­tion so­ci­ety The paper reflects on a theatre education project the Groupe l’Aventin developed with migrant women attending at the association Camar...
  • Lost in edu­ca­ti­on? Kul­Tür auf! (Ahmed Shah, Nils Erhard)
    «We don’t want inclusion, nor participation, nor integration, what we want is SELF emancipation» (from Schwarzkopf BRD, JugendtheaterBüro Berlin). The paper, based on experiences from the work of ...
  • En­ab­ling ques­ti­ons (Ursula Ulrich)
    The text retraces how studying the theatrical design workshop «role kids» with primary school children from Lucerne turned into a challenging expedition. Ulrich shows how team-based action researc...
  • Af­ter re­flec­tion is be­fore re­flec­tion: (Andreas Bürgisser)
    think­ing about the con­di­tion­al­i­ty of col­lab­o­ra­tive the­atre ped­a­gogy in schools In his text, Andreas Bürgisser, as a former FLAKS collaborator, considers the significance of FLAKS towar...
  • Stimm­los 2 – Re­hearsal (Simon Harder)
    Stimmlos (voiceless/unvoiced/voting ticket), a series of experimental sound pieces and a work-in-progress, is based on and centred around artworks, giving rise to compact images in space and langua...
  • Revue (Cornelia Dinsleder )
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • L'idée vient en dessinant (Malin Widén)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • DESSINER – PARLER – MONTRER (Nadia Bader)
    L’étude «Dessiner – parler – montrer» s’intéresse à la manière dont les échanges communicatifs influencent la conception et la réalisation du dessin dans le cadre de l’enseignement artistique. Le but de cette étude est une analyse à la fois empirique et ancrée dans la théorie (de la pratique). Elle porte sur les influences et les interactions qui se produisent entre la communication et la création, et les circonstances qui sous-tendent ces interdépendances, dans l’enseignement au sens large et plus particulièrement en pédagogie de l’art. L’étude consiste en une analyse systémique de la pratique de l’enseignement sous l’angle de sa contingence et de sa complexité. Elle s’appuie sur des approches qui mettent en relief le caractère imprévisible, volatil, phatique et vulnérable de l’enseignement et de l’apprentissage (Meyer-Drawe, Pazzini, Sabisch, Schürch/Willenbacher, Wimmer, etc.). Lors d’une leçon au niveau gymnasial consacrée au dessin à partir d’un modèle, les conversations entre enseignent*es et apprenant*es et les processus de dessin ont été enregistrés sur vidéo. Ces enregistrements ont ensuite fait l’objet d’une analyse qualitative et empirique faisant intervenir des méthodes de recherche et de représentation jouant sur la visualisation. Quatre études de cas détaillent des situations d’enseignement et d’apprentissage selon une approche multi-perspectives. L’analyse fait apparaître une conjonction d’influences variées, parfois contradictoires, qui marquent le développement situationnel des processus d’enseignement et d’apprentissage. À la lumière de divers concepts de théorie de la pratique (Reckwitz, Schmidt, Polanyi, Neuweg, etc.), les résultats transversaux et comparatifs sont recoupés avec des positions de pédagogie de l’art et du théâtre axées sur la performativité, l’événement, la corporéité et la matérialité de l’enseignement (Lange, Hentschel, etc.). Le présent article est consacré à deux aspects de l’étude: le lien avec l’étude pilote «Dessiner – parler» (HKB, 2012/13), et le développement des méthodes de recherche vidéo mettant l’accent sur la dimension visuelle.
  • reise zum :) (Helen Stefanie)
    En ce moment-même, aucune traduction n'est disponible.
  • Ac­ti­vat­ing the Dis­play (Karin Schneider)
    The­ses from the Re­search Project „sci­ence with all sens­es – sci­ence and gen­der in the mak­ing“ The following theses are based on the research project „science with all senses – science and ge...
  • Per­form­ing the ed­u­ca­tor (Bernadett Settele)
    What if we think of mediation not as a tool for the frictionless transportation of information but as a vehicle of transformation? How can art educators obtain a certain (different) kind of facult...
  • How speech­less­ness can lead to ac­tion (Julia Draxler)
    The article asks the question, if not only «talking about art» but also «acting to art» is possible and usefull in art education. Artworks should not only be discussed in a rational way, but also ...
  • Schwierige Themen im Bildnerischen Gestaltung-Unterricht (Danja Erni)
    Danja Erni wirft in der Perspektive der Netzwerkveranstaltung Persönlichkeitsverwicklung # 1: Queer und Do-it-Yourself im Kunstunterricht einen Blick auf ihren eigenen Unterricht sowie auf das Beru...
  • Em­pow­er­ment as a strat­e­gy of ac­tion against racism (Žaklina Mamutovič)
    Current antiracist education in Germany is mostly directed towards members of the majority society and conceived in their perspective. In practice, perspectives of minority member or People of Colo...
  • Crit­i­cal White­ness in Ped­a­gog­i­cal Prac­tice -​ (Regina Richter, Claude Preetz)
    how to deal with one’s own role as a white teacher in a critical perspective on racism? Background text for a workshop The paper aims to encourage a critical reflection on the privileged position o...
  • AUS MIT RAUS (Eva Lausegger)
    or AM I RACIST? The text deals with an intent to deport a student at our school, the protest movement that mobilized against the deportation, and an art project with students from several courses o...
  • En­gage­ment and vis­i­bil­i­ty. Who ben­e­fits? (Henrike Plegge)
    Work­ing with young mi­grants in gallery ed­u­ca­tion and ex­hi­bi­tions In her paper, Henrike Plegge discusses different forms of participation and visibility of young migrants in a gallery educat...
  • The «work­shop about my­self» (Urs Bachmann, Sandra Lippuner)
    Be­tween af­fir­ma­tion and am­bi­gu­i­ty Who «belongs» and who doesn’t? What do I have to do to belong? What happens if I don’t fit the norm? The «workshop about myself» offers foster children pos...
  • The taste of an­oth­er pos­si­bil­i­ty (Elke Smodics-Kuscher, Nora Sternfeld, Büro trafo. K)
    We would like to trace the oscillating logic of taste from a perspective of educational practice. How can this logic be understood, between the normalizing production of certainties on the one han...
  • How does school in­vest in the screen? (Simon Harder)
    In­Vis­i­bil­i­ties and so­cio-​po­lit­i­cal re­spon­si­bil­i­ty of art ed­u­ca­tion This article argues out of a queer-feminist perspective why an understanding of visibility is to be considered p...
  • (Un)learn­ing Taste in the every­day (at school) (Danja Erni)
    How does my taste influence my teaching? Why, as a teacher, it almost slightly offends me if the sovereignty of my «good» (qua «educated») taste is challenged by the aesthetical preferences of stu...
  • «At­tached, please find my im­age archive» (Anne Gruber)
    Based on the assignment 'image archive', Anne Gruber shows how an attentiveness she developed during her studies to questions from art theory, cultural studies and art can be integrated in her prac...
  • Teach­ing method­ol­o­gy, re­search-​based: (Michèle Novak, Anna Schürch)
    think­ing about the re­search ap­pren­tice­ship The research apprenticeship serves the lecturers Michèle Novak and Anna Schürch as a means to introduce a format of research-oriented teaching and le...
  • Learning Processes about Non-Discriminatory Practices in the Field of Cultural Education  (Aïcha Diallo, Danja Erni)
    Since summer 2016, we have been leading the KontextSchule, a platform for the continuing education of teachers and artists in Berlin. Adopting the viewpoint of those who stand inside and outside o...
  • Sown by Scat­ter­ing: Re­flec­tions on an Un­re­al­ized Com­mis­sion for an Artis­tic Project at an Asy­lum Cen­ter (Pascal Schwaighofer)
    What are the implications of a commissioned monument that envisages a participatory process between an artist and the inhabitants of an asylum center? From defining the context and identifying the ...
  • Die Fesseln der Übersetzung – Von der Gewalt, mich erklären zu müssen (Lineo Segoete)
    Lineo Segoete Die Fesseln der Übersetzung –Von der Gewalt, mich erklären zu müssen Mit Beiträgen von Liepollo Moleleki und Zachary Rosen In ihrem Beitrag zur Geschichte der Alphabetisierung und der...
  • Wandering About: An Experiment in Walking and Learning (Kitto Derrick Wintergreen)
    In 2016 Wintergreen started introducing the format of walking lectures to his students at the Nagenda International Academy of Art and Design (NIAAD/Uganda), aiming to encourage them to observe and...
  • (Un-)Learning Ecologies – An exploration of two research-based artistic teaching formats as experimental platforms for ecologically sustainable ways of being and becoming (Janina Krepart, Chantal Küng, Judith Tonner)
    To what extent and by which new and urgent challenges are art educators confronted through current and future effects of the climate crisis? And how can artistic teaching practices contribute to a sense of responsibility, and ultimately to ecologically sustainable practices, in “kulturelle Bildung” and arts education? Motivated by these questions, the authors designed and realized two teaching modules for the Bachelor and Master Art Education (ZHdK) in the academic year 2020–21. The article stages a critical dialogue to discuss the courses’ underlying postulations and to consider potential implications for art education research. The conceptual frameworks of the two teaching formats and their respective implementation expose not only diverging underlying accounts of the “subject”; they also present different perspectives, associations and conceptions of ecology and sustainability.
  • Ac­ti­vat­ing the Dis­play (Karin Schneider)
    The­ses from the Re­search Project „sci­ence with all sens­es – sci­ence and gen­der in the mak­ing“ The following theses are based on the research project „science with all senses – science and ge...
  • Re­vis­it­ing Eval­u­a­tion (Emily Pringle)
    This text examines the important and potentially creative role that evaluation plays in participatory arts projects taking place in education contexts. A brief overview of evaluation is given befo...
  • Per­form­ing the ed­u­ca­tor (Bernadett Settele)
    What if we think of mediation not as a tool for the frictionless transportation of information but as a vehicle of transformation? How can art educators obtain a certain (different) kind of facult...
  • Per­for­ma­tive in­ter­ven­tions (Sandra Ortmann)
    A performance script for the exhibitions Fomuška, by Micol Assaël, and Frühling, by Pawel Althamer and children living in Kassel, at Kunsthalle Fridericianum Performtive interventions, as a format,...
  • Art School with mi­gra­tion back­ground (Catrin Seefranz)
    Pre­lim­i­nary thoughts based on a study of in­equal­i­ty in the field of the art school Based on the results of the project making differences which deals with social injustice in the field of Swi...
  • Crit­i­cal White­ness in Ped­a­gog­i­cal Prac­tice -​ (Regina Richter, Claude Preetz)
    how to deal with one’s own role as a white teacher in a critical perspective on racism? Background text for a workshop The paper aims to encourage a critical reflection on the privileged position o...
  • «In­te­gra­tion as An­ti-​Re­flec­tive Coat­ing» (Judith Rahner, Nicola Lauré al-Samarai)
    Con­sid­er­ing His­tor­i­cal-​Po­lit­i­cal Ed­u­ca­tion and Mem­o­ry Work with Young Peo­ple of Col­or in Ger­many Dominant debates on so-called Holocaust-education in the migration society not onl...
  • The com­plex task of self-​chang­ing (Büro trafo. K)
    Prac­tices and ques­tions in ed­u­ca­tion­al projects in mi­gra­tion so­ci­ety Nine years ago we called one of our ambitious educational programs a «guide to self-emancipation». The title had an ir...
  • AUS MIT RAUS (Eva Lausegger)
    or AM I RACIST? The text deals with an intent to deport a student at our school, the protest movement that mobilized against the deportation, and an art project with students from several courses o...
  • En­gage­ment and vis­i­bil­i­ty. Who ben­e­fits? (Henrike Plegge)
    Work­ing with young mi­grants in gallery ed­u­ca­tion and ex­hi­bi­tions In her paper, Henrike Plegge discusses different forms of participation and visibility of young migrants in a gallery educat...
  • The «work­shop about my­self» (Urs Bachmann, Sandra Lippuner)
    Be­tween af­fir­ma­tion and am­bi­gu­i­ty Who «belongs» and who doesn’t? What do I have to do to belong? What happens if I don’t fit the norm? The «workshop about myself» offers foster children pos...
  • Un­learn­ing to Re­late (Annette Krauss)
    How to approach processes of unlearning physically, intellectually, and collaboratively? This question has been at the core of my study and practice of unlearning in different constellations at the...
  • Front Cov­ers for Vir­tu­al Es­says and Non-​Ex­is­tent Books, 2004-​2016 (Roee Rosen)
    The board presented here, echoing those found in school libraries, was made for the exhibition Art School, curated by Avi Lubin at Tel Aviv Museum of Art in 2016. Celebrating the 70th anniversary o...
  • Priorités de recherche didactique en pédagogie de l’art au jardin d’enfants. Enquête à l’interface de la discipline scientifique, de l’enseignement et de la méthodologie de recherche en sciences sociales (Dr. des. Anja Morawietz)
    Cet article traite de l’interface entre la discipline scientifique, l’enseignement et la méthodologie de recherche en sciences sociales dans le cadre de la pédagogie de l’art et de la recherche didactique au jardin d’enfants. Le texte présente d’abord les questions qui se posent en pédagogie de l’art au jardin d’enfants. Il passe ensuite aux raisons qui justifient les méthodes scientifiques systématiques ainsi que la recherche esthétique ou artistique en pédagogie de l’art. Une étude intitulée «Dessiner comme opportunité pédagogique au jardin d’enfants. Comment les enfants de 5 à 6 ans réagissent lorsqu’on leur demande de dessiner d’après des objets ou des scènes» démontre l’efficacité des méthodes de recherche qualitatives-empiriques en pédagogie de l’art. Cette étude présente la méthode de la vidéographie qui, dans sa version adaptée, correspond parfaitement aux questions et aux objets esthétiques de la recherche en pédagogie de l’art. L’étude brièvement résumée ici cherche à savoir dans quelle mesure les jeunes enfants s’intéressent au dessin d’après un modèle dans un cadre scolaire. Elle étudie la réaction des enfants aux injonctions didactiques, et identifie les opportunités formatrices qui en découlent. Il apparaît que la vidéographie est parfaitement adaptée à l’observation, à la description et à l’analyse de la pratique créative en milieu scolaire, avec ses modalités d’enseignement, ses processus d’apprentissage et ses méthodes pédagogiques. Les Hautes écoles pédagogiques suisses disposent de connaissances solides dans le domaine des méthodes systématiques en sciences de l’éducation et en sciences sociales. Il serait souhaitable de favoriser les synergies entre les sciences de l’éducation, les sciences sociales et la didactique des différentes disciplines. L’introduction du Joint Master en didactique des arts à la HEP de Zurich offre désormais l’opportunité d’aborder les questions d’enseignement artistique pour tous les niveaux scolaires à l’aide des méthodes de recherche courantes dans le cadre d’un mémoire de Master.
  • DESSINER – PARLER – MONTRER (Nadia Bader)
    L’étude «Dessiner – parler – montrer» s’intéresse à la manière dont les échanges communicatifs influencent la conception et la réalisation du dessin dans le cadre de l’enseignement artistique. Le but de cette étude est une analyse à la fois empirique et ancrée dans la théorie (de la pratique). Elle porte sur les influences et les interactions qui se produisent entre la communication et la création, et les circonstances qui sous-tendent ces interdépendances, dans l’enseignement au sens large et plus particulièrement en pédagogie de l’art. L’étude consiste en une analyse systémique de la pratique de l’enseignement sous l’angle de sa contingence et de sa complexité. Elle s’appuie sur des approches qui mettent en relief le caractère imprévisible, volatil, phatique et vulnérable de l’enseignement et de l’apprentissage (Meyer-Drawe, Pazzini, Sabisch, Schürch/Willenbacher, Wimmer, etc.). Lors d’une leçon au niveau gymnasial consacrée au dessin à partir d’un modèle, les conversations entre enseignent*es et apprenant*es et les processus de dessin ont été enregistrés sur vidéo. Ces enregistrements ont ensuite fait l’objet d’une analyse qualitative et empirique faisant intervenir des méthodes de recherche et de représentation jouant sur la visualisation. Quatre études de cas détaillent des situations d’enseignement et d’apprentissage selon une approche multi-perspectives. L’analyse fait apparaître une conjonction d’influences variées, parfois contradictoires, qui marquent le développement situationnel des processus d’enseignement et d’apprentissage. À la lumière de divers concepts de théorie de la pratique (Reckwitz, Schmidt, Polanyi, Neuweg, etc.), les résultats transversaux et comparatifs sont recoupés avec des positions de pédagogie de l’art et du théâtre axées sur la performativité, l’événement, la corporéité et la matérialité de l’enseignement (Lange, Hentschel, etc.). Le présent article est consacré à deux aspects de l’étude: le lien avec l’étude pilote «Dessiner – parler» (HKB, 2012/13), et le développement des méthodes de recherche vidéo mettant l’accent sur la dimension visuelle.
  • Oser peindre: expérimenter et créer avec les couleurs. Comment évaluer le développement de compétences dans l’enseignement artistique? (Ursula Aebersold, Susanne Junger)
    Le Plan d’études 21 pour les écoles alémaniques des cantons suisses formule une nouvelle orientation de l’enseignement des arts. Par rapport à l’ancienne approche axée sur les productions artistiques des élèves, le nouveau Plan d’études accentue davantage le développement des compétences de l’élève dans la discipline enseignée ainsi que ses compétences transversales. En travaillant sur des images du domaine artistique et de la vie quotidienne, les élèves sont sensibilisés aux différentes formes d’expression artistique dans trois domaines de compétences: perception et communication, processus et produits, contextes et orientations. Les élèves apprennent à exprimer leurs conceptions, leurs idées et leurs intentions en images, et à travailler sur les formes de communication visuelle en matière d’expression comme de perception. La compétence visuelle ainsi développée permet aux élèves de s’orienter dans un environnement dominé par les images. Les objectifs formulés par le nouveau Plan d’études dans le domaine artistique sont nombreux et exigeants. La formation initiale et continue du personnel enseignant doit donc inclure les apports théoriques et les aides pédagogiques nécessaires. Notre projet de recherche et développement vise à étoffer l’enseignement pour les 2e et 3e cycles en proposant des unités d’enseignement cumulatives et stimulant l’activité cognitive. Le développement des compétences des élèves est mis en évidence par une évaluation préalable et consécutive du niveau atteint. Les unités d’enseignement sont testées, documentées, analysées et évaluées dans trois classes scolaires. Les situations d’apprentissage se focalisent sur la couleur et la peinture. Le projet porte sur l’évaluation du niveau d’apprentissage, et sur la sensibilisation du corps enseignant aux capacités préexistantes, aux expériences et aux connaissances des élèves, ainsi que sur les possibilités de soutien pédagogique et d’accompagnement pour un développement individuel de compétences. C’est pourquoi le projet fournit des instruments pour l’évaluation du niveau d’apprentissage et du développement des compétences, ainsi que des sources d’inspiration et des aides pédagogiques pour promouvoir le développement des compétences.
  • The vis­i­tors are miss­ing. Which vis­i­tors? (Nora Landkammer)
    A re­flex­ion on the Sym­po­sium KUN­ST [auf] FÜHREN The text parts from critique expressed by participants of the symposium KUNST[auf] FÜHREN in Kassel in June 2009: We had been talking about gall...
  • Per­form­ing the ed­u­ca­tor (Bernadett Settele)
    What if we think of mediation not as a tool for the frictionless transportation of information but as a vehicle of transformation? How can art educators obtain a certain (different) kind of facult...
  • How speech­less­ness can lead to ac­tion (Julia Draxler)
    The article asks the question, if not only «talking about art» but also «acting to art» is possible and usefull in art education. Artworks should not only be discussed in a rational way, but also ...
  • Teach­ing the world to the arts (Wanda Wieczorek)
    Many cultural institutions today find themselves in a dilemma: On the one hand, programming should, and wants, to reach as many people as possible – especially young people, and particularly those...
  • Assembling sustainable futures – Anticipatory practices and imaginations in art education (Michel Massmünster)
    The future does not just exist. We refer to it through diverse practices, assembling it as an experience in the now. The way we conceive of the future, experience it in the present, and thus also generate it socially, is the result of complex processes of production. However, historical meanings are involved in these processes as well. Based on contemporary practices in art education, I explore powerful configurations of the future in the present: knowledge, material, person and future determine each other interdependently in these processes. Imaginations of future in art education are characterized by the emphasis on their explorative and opening character. Occasionally, especially as regards a universal understanding of sustainability, they also predefine and fixate futures. This eventually leads to a restriction of ways of life in future. Thus, I argue, it is necessary for research and practice, to analyze one’s own involvement in these assembling processes and in the historical meanings associated. In consequence, I propose an understanding of sustainability that is more appropriate to the open, explorative future practices of art education; one which reckons uncertainty and multiplicity, and thereby continuously reinvents itself, reinvents resources, and current as well as future ways of life.
  • Rehearsing Researching: Re-enactment of a script through collaborative writing (Janina Krepart, Heinrich Lüber , Jules Sturm)
    This article is based on a critical engagement with the practical conditions of teaching and doing research, which are significantly influenced by the respective artistic and theoretical backgrounds of the three authors involved in this project, by the media through which they communicate and (inter)act, and by the artistic, educational and scientific strategies and practices implemented in the work itself. Together the writers try out the experimental practice of re-scription as a mode of research. They bring to bear their individual writing experiences on the situation of co-writing this e-journal article by engaging with concepts from artistic-educational theories, such as becoming research, working from conditions, turning education and chronopolitics. It is an experimental approach to methodological processes, developed by way of pedagogical, artistic, and radical publishing strategies. The making of this article thus becomes part of a time-permitting and probing research process, which aims to infuse future artistic ways of teaching and learning.
  • Assembling sustainable futures – Anticipatory practices and imaginations in art education (Michel Massmünster)
    The future does not just exist. We refer to it through diverse practices, assembling it as an experience in the now. The way we conceive of the future, experience it in the present, and thus also generate it socially, is the result of complex processes of production. However, historical meanings are involved in these processes as well. Based on contemporary practices in art education, I explore powerful configurations of the future in the present: knowledge, material, person and future determine each other interdependently in these processes. Imaginations of future in art education are characterized by the emphasis on their explorative and opening character. Occasionally, especially as regards a universal understanding of sustainability, they also predefine and fixate futures. This eventually leads to a restriction of ways of life in future. Thus, I argue, it is necessary for research and practice, to analyze one’s own involvement in these assembling processes and in the historical meanings associated. In consequence, I propose an understanding of sustainability that is more appropriate to the open, explorative future practices of art education; one which reckons uncertainty and multiplicity, and thereby continuously reinvents itself, reinvents resources, and current as well as future ways of life.
  • Apprendre entre le réel et le possible – le projet de développement interdisciplinaire AMAMuG (Lukas Bardill, Sabine Bietenhader)
    AMAMuG est un projet de développement interdisciplinaire et interinstitutionnel qui s’est déroulé du 1er avril 2018 au 1er août 2019. L’acronyme se réfère au titre du projet: «Archäologische Mustergrabung und Archäologisches Museum für Gegenwart» [«Fouillles archéologiques pédagogiques et Musée d’archéologie contemporaine»]. Le projet était dirigé par une enseignante en sciences humaines et sociales, et un enseignant en arts visuels, tous deux chargés de cours à la Haute école pédagogique des Grisons, et qui sont aussi les auteur*es de l’article. Le projet a été développé et mis en œuvre en coopération avec le Service archéologique du canton des Grisons, le service de médiation artistique du Musée rhétique et deux classes du degré primaire. L’objectif était de créer une séquence pédagogique pour le 2e cycle (5e année primaire). La séquence permet aux élèves de découvrir les outils de la pratique archéologique, afin de comprendre comment reconstruire et déconstruire l’histoire de la région. Les objets exposés au Musée d’archéologie contemporaine se rapportent à la vie quotidienne des enfants. Le travail créatif sur des objets apportés par les élèves leur permet d’en accélérer le vieillissement ou la fossilisation, ce qui est le point de départ d’une perception historique et muséale de ces objets. Notre approche interdisciplinaire vise à étudier dans quelle mesure les enfants du degré primaire parviennent à un jugement critique et émancipé des informations qui leur sont proposées, qu’elles soient institutionnelles ou alternatives. Le projet examine donc la capacité des enfants à reconstruire les contextes historiques (objets historiques), à construire des scénarios plausibles (artéfacts) et finalement à déconstruire les différentes dimensions. L’article se conclut par un dialogue entre l’historienne et le pédagogue des arts, à propos des apports générés par la démarche interdisciplinaire du projet AMAMuG pour les disciplines scolaires impliquées.
  • trébucher radicalement pour (dés-) apprendre à voir Comment les «séquences de langage» reflètent-elles l’enseignement? (Judit Villiger)
    Le texte traite de questions concernant l’enseignement. Il analyse ce que les étudiant*es observent et pensent concrètement en situation pédagogique réelle, dans leur rôle transitoire peu avant le stage pratique d’enseignement du Master Art Education. Il n’est pas facile d’avoir une perception consciente et une réflexion active sur la pratique d’enseignement. En dehors de toutes les actions qui se déroulent en parallèle en salle de classe, il faut aussi tenir compte du fait que les visiteurs*euses, par leur seule présence, deviennent également des participant*es. Ce qui se passe en classe peut donc être analysé comme un réseau d’actions individuelles impossibles à appréhender intégralement, quel que soit le point d’observation. La méthode «Sprachstücke» («séquences de langage») est une introduction à des situations pratiques d’enseignement. Elle s’appuie sur l’attitude et la sensibilité artistiques acquises par les étudiant*es au cours de leur formation, pour ensuite développer leur capacité d’observation. Cette démarche attire l’attention sur ce qui est considéré comme allant de soi, notamment dans les processus les plus courants. La méthode des «Sprachstücke» invite les étudiant*es à traduire en leurs propres termes ce genre d’observations à la fois quotidiennes et insolites. En fonction de l’intérêt manifesté par les étudiant*es, l’article décrit à titre d’exemple comment une étudiante réagit à l’enseignement en reprenant une «séquence de langage» du T-shirt d’un élève. Les objectifs du projet sont: (a) développer une perception active de l’enseignement, c’est-à-dire apprendre à voir, (b) désapprendre à voir par la réflexion et la révision, (c) afin de rendre ce processus intelligible pour soi-même et pour les autres, et de le transposer dans un univers linguistique au moyen de la sensibilité artistique.